Tendances

Les dernières tendances du monde du design contemporain

Rédigé par Tom | 23 avril 2021


Maison&Objet est l’une des plus grandes vitrines du monde du design et du style de vie. Leur exposition bi-annuelle représente un moment charnière dans le calendrier de tout amateur de design. Cet événement qui se tient généralement à Paris, s’est imposé depuis plusieurs années comme la plate-forme pour les légendes et les futures stars de la scène du design, de Philippe Starck à Tom Dixon, en passant par Ilse Crawford et Tokujin Yoshioka. Cette année, les choses sont un peu différentes. Pour célébrer la première vente de Maison&Objet sur Catawiki, notre experte en design, Eléonore Floret, nous en dit plus sur les nouveautés et innovations design de leur sélection.


Le retour des années 50 et 70


Avec un parfum de nostalgie bien ancré en 2021, les années 50 et 70 voient un regain d’intérêt pour leurs styles et leurs designs. Si les années 50 offrent le confort des lignes prononcées typiques du milieu du siècle, à base de bois bruts et de couleurs pastel, les années 70 sont allées là où le design ne s’était encore jamais aventuré. On pense bien évidemment aux couleurs vives et aux meubles kitsch qui faisaient du confort une priorité. Selon Eléonore, plusieurs des objets que compte la sélection de Maison&Objet rendent hommage à ces deux époques et à leurs réminiscences contemporaines. 



« Prenez le buffet de Florence Knoll. C’est l’exemple parfait du design classique et intemporel des années 50 », explique Eléonore. « Florence Knoll était une femme révolutionnaire. Designer d’intérieur et entrepreneuse, elle a joué un rôle important dans la transformation du design dans les années 50. Ce n’est pas pour rien que son style a perduré dans les années 60 et au-delà. Le design de ce buffet en bouleau est minimaliste mais loin d’être dénué âme, comme un clin d’œil au passé sans pour autant s’y embourber ». 




Les canapés togolais de Michel Ducaroy pour Ligne Roset ont, pour leur part, tous les attributs des années 70. « Ce design pastel des années 70 est très emblématique de l’époque. Ces tons, nous les retrouvons aujourd’hui dans les meubles design, des pièces de caractère aussi chics que confortables ». 


Tapis tissés


Cette année particulière nous a certainement redonné goût pour les environnements chaleureux et confortables, chose que le design turc a dans ses gènes. Ne cherchez pas plus loin que le tapis kilim Yakamoz No. 4 de Fulden Topaloglu. Les kilims sont un incontournable des intérieurs turcs et du Moyen-Orient, utilisé comme tapis, comme dessus de lit ou encore comme nappes. Tissés avec soin et cousus de motifs et d’images fantastiques, ils sont souvent le reflet de l’histoire du tisserand : porteurs de couleur et de vie, quelque soit l’espace. 




Le tapis de Topaloglu ne déroge pas à la règle. Inspiré par l’effet de la lumière réfléchie sur l’eau, ce tapis de laine anatolienne est apaisant à la fois en apparence et au toucher. « Il a reçu le prix Elle Decoration International Design Awards 2020 », dit Eléonore, « Cela témoigne de son succès, mais aussi d’une tendance pour le design turc qui prend ses marques dans nos intérieurs ». Déroulez-le chez vous et faites baigner votre intérieur dans un bleu calme et feutré.


Un artisanat inégalé

 

Pour certaines cultures, l’artisanat a toujours été la pierre angulaire du design. Prenons la notion japonaise de shokunin kishitsu (« esprit de l’artisan ») qui consiste à faire les choses du mieux que vous pouvez, comme il si vous versiez votre cœur et votre âme dans tout ce que vous réalisez. Un mantra qui se manifeste de plus en plus chez les designers et leurs œuvres.




« Le monde du design a progressivement mis l’accent sur la place accordée à l’artisanat. La capsule de relaxation de Johan Brunel illustre cette valeur de savoir-faire ; elle est un gage de qualité et symbolise l’esprit des temps actuels tourné vers l’introspection et le besoin de se mettre en retrait, de prendre du recul ».




« Un artisanat de qualité est le gage d’une pièce intemporelle », explique-t-elle. « Ce n’est pas un phénomène nouveau, mais nous réalisons de plus en plus à quel point c’est important. Le verre de Murano d’Italie est un exemple très parlant des techniques qui entrent en jeu dans la fabrication d’un objet. Il montre aussi à quel point un design séculaire a la capacité de toujours s’adapter au présent. Ce somptueux vase de Fulvio Bianconi a été conçu dans les années 90 mais reste d’actualité, grâce aussi à sa belle forme organique ». 


Un mode de vie responsable


L’industrie du design d’intérieur se met aussi au vert, entreprises et concepteurs s’orientant vers un design responsable et consciencieux. L’essor des firmes qui travaillent avec des produits respectueux de l’environnement en témoigne. Des entreprises comme la marque danoise Kvadrat, qui produit des textiles et des rembourrages de qualité, montrent l’exemple en mettant en avant leurs choix de matériaux (comme avec la chaise VIP de Marcel Wanders). On voit de plus en plus de designers mettre en avant leurs choix sur la scène du design contemporain. 




« Regardez la lampe de table du Studio Jeroen Wand », ajoute Eléonore. « 10 de ces lampes ont été produites au total. Notamment parce que sa fabrication est très spécifique, à base des restes d’iroko et de bois de noyer du studio. Ces pièces sont « collées » ensemble à l’aide de pâte de bois. On pourrait s’attendre à une conception fragile, mais elle est très robuste. La réutilisation des matériaux rend ce produit spécial et durable ».


« Vous avez aussi la lampe Solarium de Valerie Windeck qui est faite de plastique entièrement recyclé. Le designer trie les plastiques par couleur et les convertit en assiettes ». 


Le design en tant qu'art


La problématique du rapport entre la fonction et la forme est au cœur du monde du design depuis des années. Bien qu’il soit peu probable que la question fasse un jour consensus, les designers modernes prouvent que le design peut être à la fois l’art de la forme et de la fonction. 




« L’installation de lampes signée Tineke Beunders et Nathan Wierink, baptisée « Floating Falling », brouille les frontières entre l’art et le design. Entre art contemporain minimaliste et nouvelles tendances dans le domaine, on a là une œuvre d’art si impressionnante qu’on en oublierait presque sa fonction première : éclairer une pièce. Sa couleur et sa taille sont ajustables en fonction de l’espace, il n’y a donc aucune raison qu’elle ne rayonne, à proprement parler, que dans les galeries ». 

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