Qu’entend-on par les objets les plus emblématiques du XXIe siècle ? C’est la question à laquelle ont répondu Catawiki et Hypebeast.
Mais pourquoi cette réflexion ? Alors que nous approchons du premier quart de notre siècle, il est temps d’examiner une période marquée par une évolution culturelle rapide. L’essor de la technologie et des réseaux sociaux a profondément transformé notre façon de collectionner, influençant notre comportement et redéfinissant ce qui est perçu comme désirable.
Il suffit de regarder l’évolution de marques emblématiques comme Barbie, l’émergence de la mode de luxe « laide » avec des pièces non conventionnelles telles que les sneakers Triple S de Balenciaga, ou encore la résurgence de technologies presque archaïques, comme les iPods des années 2000, pour réaliser que nous évoluons dans une ère totalement nouvelle.
Pour atteindre cet objectif, les équipes de Catawiki et Hypebeast, entourées d’un panel d’experts internationaux, se sont réunies pour dresser une liste des 100 objets les plus collectionnables et influents depuis le début du millénaire. De cette liste, nous avons extrait cette sélection de 25 objets emblématiques. Ces pièces résolument modernes ne reflètent pas seulement l’époque actuelle, mais ouvrent également la voie vers l’avenir.
1. Balenciaga -Triple S Beige Vert Jaune 2017/2018
La sneaker Triple S de Balenciaga, lancée en 2017, illustre la complexité des liens entre les objets de mode physiques et la culture numérique au XXIe siècle. Tandis que des modèles précédents comme la Nike Air Monarch et la New Balance 624 étaient les véritables « dad shoes », la Triple S a réinterprété ce concept pour le marché du luxe. Avec son design épais et exagéré, sa semelle à trois niveaux et son esthétique délibérément « laide », elle a marqué un tournant majeur dans les sensibilités de la mode, où le non-conventionnel est non seulement devenu acceptable, mais également très convoité.
L’ascension de la Triple S vers le statut d’icône de la mode a été un phénomène aussi bien numérique que physique. Les réseaux sociaux ont joué un rôle décisif dans cette ascension fulgurante, démontrant que les tendances en matière de mode au XXIe siècle naissent et se propagent souvent en ligne. L’interaction entre l’objet physique et sa représentation numérique met en lumière un aspect fondamental de la mode contemporaine : si nous continuons à porter des chaussures tangibles, une grande partie de notre expérience de la mode et de la création des tendances s’effectue désormais en ligne.
2. Barbie Mattel - Maison Barbie Malibu FXG57
L’ensemble Maison Barbie Malibu FXG57 transcende le simple jouet pour devenir une véritable icône culturelle. Le succès retentissant du film de 2023 témoigne de l’importance de Barbie dans la conscience collective actuelle. Et quel est le symbole ultime de Barbie ? La maison Malibu elle-même. Avec son esthétique californienne informelle et ses coloris rose fluo, elle est indissociable non seulement de la marque Barbie, mais également de la culture américaine dans son ensemble. Ce modèle incarne des valeurs de liberté, d’imagination et d’ambition.
Ce qui rend cette version FXG57 du coffret Malibu House Playset particulièrement emblématique, c’est son rapport au XXIe siècle. Il ne s’agit pas de la même maison qui a connu le succès dans les années 70 ; ce modèle a évolué, reflétant les développements en matière de mode, d’architecture et de normes sociétales. Il illustre comment Barbie s’est éloignée des idées traditionnelles sur le genre pour se réinventer en quelque chose de plus équitable et moderne. L’ensemble FXG57 ne se contente pas de rendre hommage au passé ; il s’agit véritablement d’une nouvelle interprétation de Barbie, ancrée dans la contemporanéité, faisant d’elle une véritable icône du XXIe siècle.
3. Chemise Vetements- DHL
Le Vetements DHL a fait forte impression dans le monde de la mode en 2016, suscitant à la fois controverse et fascination. Cet uniforme de livreur, apparemment banal, transformé en pièce de haute couture, a remis en question les idées traditionnelles de luxe et de valeur. La popularité de ce T-shirt illustre bien l’évolution du paysage de la mode des années 2010.
Il s’inscrit dans la tendance croissante de la mode ironique, où le quotidien devient extraordinaire grâce à son contexte et à son image de marque. Porté par des célébrités et les fashionistas, le T-shirt DHL est devenu le symbole de ce changement, représentant « une mode qui se nourrit d’elle-même » tout en incarnant la conscience de soi croissante du secteur. Ce vêtement est devenu une sorte de blague pour initiés, un moyen pour les connaisseurs de la mode de prouver qu’ils sont au fait des dernières tendances.
Il est intéressant de noter que Demna Gvasalia, le cofondateur de Vetements, a déclaré que le T-shirt n’avait rien d’ironique ; il s’agissait plutôt de célébrer l’esthétique du quotidien. Cette tension entre l’intention créative et la perception du public ajoute une nouvelle dimension à la signification culturelle de cet article.
4. Miroir Ultrafragola par Ettore Sottsass
Le miroir Ultrafragola d’Ettore Sottsass, conçu en 1970, connaît aujourd’hui une renaissance au XXIe siècle, illustrant la nature cyclique des tendances en matière de design et l’impact des réseaux sociaux sur l’esthétique. Avec ses formes ondulées, sa couleur rose et son éclairage, ce miroir est devenu une icône inattendue de l’ère Instagram, symbolisant l’engouement actuel pour un design audacieux et rétro-futuriste.
L’Ultrafragola a envahi Instagram, devenant un incontournable pour les influenceurs et les passionnés de design. Sa résurgence s’inscrit dans une tendance plus large parmi les milléniaux et la génération Z, qui redécouvrent et recontextualisent le design postmoderne tout en rejetant le minimalisme de manière ludique.
Fait intéressant, la popularité du miroir à l’ère numérique va à l’encontre de l’intention initiale de Sottsass. Conçu comme une « critique de la société de consommation », il est devenu un objet de désir, amplifié par les plateformes numériques qui caractérisent le consumérisme moderne. Dans le contexte du XXIe siècle, l’Ultrafragola représente bien plus qu’un simple objet de design ; il est un véritable phénomène culturel qui établit un pont entre les générations, alliant nostalgie, esthétique contemporaine et culture numérique.
5. Prada - Sac Re-Nylon
Le sac Re-Nylon de Prada, lancé en 2019, bien qu’il ne soit pas révolutionnaire, illustre parfaitement l’évolution des valeurs dans la mode de luxe. En misant sur le consumérisme conscient, Prada a su transformer le plastique marin en sacs à main très recherchés. Ce modèle a mis en lumière un fossé générationnel dans la perception du luxe : les jeunes consommateurs, sensibilisés par les alertes sur le changement climatique, ont vu le sac le Re-Nylon comme un symbole de modernité, tandis que les acheteurs plus âgés restaient sceptiques quant à la réelle valeur du plastique recyclé.
Cette tension reflétait des changements sociétaux plus larges, alors que les symboles de statut traditionnels se heurtaient aux valeurs émergentes de durabilité. Ironiquement, la popularité en ligne du Re-Nylon en a fait une cible de choix pour les contrefacteurs, qui l’ont reproduit en utilisant des matériaux bon marché et non durables. Cette tendance a mis en évidence un paradoxe : un sac conçu pour promouvoir la durabilité a été largement copié d’une manière qui a sapé son objectif même.
Julie Zerbo, spécialiste du droit de la mode, souligne que les réseaux sociaux normalisent ces « répliques », souvent présentés par les influenceurs comme des alternatives accessibles. En fin de compte, le sac Prada Re-Nylon, à la croisée de la durabilité, de la culture numérique et de l’évolution des notions d’authenticité, nous incite à repenser ce qui confère véritablement de la valeur à un article de luxe au XXIe siècle. Il ouvre la voie à un avenir où l’impact environnemental et la présence numérique d’un produit pourraient rivaliser avec son design et sa marque en termes d’importance.
6. Pokémon Dracaufeu, première édition
La carte Dracaufeu de 1999, issue de la première édition du jeu de base, représente le summum de la Pokémania, un phénomène culturel ayant captivé toute une génération de milléniaux. Dracaufeu est devenu une véritable icône de la culture pop, transcendant ses origines dans le cadre du jeu de cartes. L’engouement pour cette carte holographique témoigne de l'obsession de l'époque pour le slogan « attrapez-les tous », illustrant ainsi l’état d’esprit d'une génération ayant grandi avec les jeux vidéo. Sa rareté, associée à sa puissance dans le jeu, a engendré un véritable engouement, entraînant des échanges frénétiques dans les cours de récréation et générant un nouveau type de monnaie sociale parmi les jeunes.
Ce que les enfants des années 90 manipulaient avec désinvolture est aujourd’hui souvent conservé dans des étuis protecteurs, soigneusement classés. Cette transformation d’un jouet adoré en artefact préservé illustre l’évolution d'une génération qui est passée de l’insouciance de l'enfance à la nostalgie de l’âge adulte. Ce changement dans la manière de traiter et de percevoir ces objets va bien au-delà des simples collections. L’évolution de Dracaufeu, passant d’emblème sur une boîte de céréales à star des ventes aux enchères, reflète des tendances plus larges concernant la façon dont la société valorise les objets d’enfance, mettant en lumière l’impact durable de cette époque sur le marché des objets de collection et la monétisation des souvenirs.
7. IKEA - Vase PS JONSBERG
Les produits IKEA sont omniprésents dans les intérieurs modernes mais le vase JONSBERG constitue une véritable rupture dans la philosophie de design de la marque. Fondée sur un minimalisme fonctionnel, IKEA s’est donné pour mission de rendre ses articles à la fois élégants et réfléchis, tout en restant bon marché et produits en masse, plutôt que de se limiter à la seule accessibilité. Si ce modèle a rencontré un franc succès, la collection PS (Post Scriptum) a cependant remis en question cette approche.
Conçu par Hella Jongerius, le vase JONSBERG se démarque des produits qui semblent issus de la production en série en proposant des objets ménagers alliant artisanat et avant-garde. Peints ou gravés à la main, ces vases sont réalisés selon des méthodes artisanales traditionnelles, tout en permettant à IKEA, grâce à leur production en série, de les proposer à un prix abordable. Le vase JONSBERG incarne ce changement : IKEA dépasse le minimalisme fonctionnel et offre aux consommateurs un objet à la fois luxueux et résolument moderne.
Depuis leur lancement en 2005, les vases JONSBERG sont devenus des pièces emblématiques dans l’univers du design, très appréciées des amateurs. Ils symbolisent également un changement culturel : IKEA n’est plus seulement une marque axée sur la praticité, mais se réinvente en tant que marque à l’élégance affirmée
8. Sony Cybershot DSC-W220 (version rose)
Au début de l’ère numérique, l’appareil photo le plus convoité était sans aucun doute le Sony Cybershot DSC-W220, version rose. Lancé en 2009, cet appareil a connu son heure de gloire avec l’essor des réseaux sociaux, devenant le témoin visuel de millions de soirées. En fait, il symbolise également la fin d’une époque, juste avant que la photographie sur smartphone ne s’impose et ne remplace les appareils photo dédiés. Le Sony Cybershot DSC-W220 a été lancé à une époque où les appareils photo étaient des entités à part entière, sans intégration d’autres technologies.
Ce Cybershot rose n’était pas seulement un exploit d’ingénierie permettant à chacun de capturer des moments dans lors de soirées ou d’événements ; il était également un accessoire fashion, omniprésent au poignet des amateurs de tendances dans des lieux à la mode. Ce qui rend le Sony Cybershot DSC-W220 rose emblématique du XXIe siècle, c’est qu’il incarne une fusion unique de mode et de technologie, un appareil autonome qui allie esthétique et fonctionnalité. À une époque où les smartphones se ressemblent tous, le Sony Cybershot DSC-W220 rose se démarque comme un objet de collection très prisé.
9. Fauteuil Roly Poly en fibre de verre brute
Conçu par Faye Toogood en 2014, le fauteuil Roly Poly est un meuble moderne facilement identifiable, devenu un véritable trésor pour les collectionneurs. Cette pièce associe de manière astucieuse fonctionnalité et ludisme, remettant en question l’idée que les meubles doivent s’intégrer harmonieusement dans leur environnement. Au contraire, la Roly Poly se présente comme une pièce maîtresse à part entière.
Avec sa silhouette distinctive, son corps large et bas allie élégance et confort. Son design intemporel, qui marie des influences à la fois futuristes et rétro, contribue à son attrait. Ce qui fait du fauteuil Roly Poly une véritable icône du XXIe siècle, c’est sa capacité à redéfinir la notion de mobilier.
Il incarne une déclaration audacieuse, établissant un équilibre entre fonction et esthétique qui remet en question notre perception de l’ameublement et son rôle aussi bien dans les espaces de vie que dans les lieux publics. En abordant des aspects essentiels de l’architecture intérieure, la chaise Roly Poly se dévoile comme le Saint-Graal des passionnés d’art et de design.
10. Karee Kayvon, 2006, photographie par Eva et Franco Mattes
Eva et Franco Mattes se sont affirmés comme des pionniers de l’art numérique, et « Karee Kayvon » (2006) est l’une de leurs œuvres majeures. Dans cette pièce, qui fait partie d’une série plus étendue, les Mattes ont exploré l’univers de Second Life, un environnement virtuel permettant aux utilisateurs de vivre à travers un avatar. Pour beaucoup, cet univers est considéré comme le premier véritable métavers. Les Mattes ont créé des personnages dans Second Life et ont réalisé des captures d’écran de ces derniers avant de présenter les images sous forme de photographies physiques.
Les œuvres comme Karee Kayvon soulèvent des questions toujours d’actualité, nous incitant à repenser notre perception de l’identité en ligne, de l’authenticité et de la sexualité numérique. L’œuvre interroge les frontières de plus en plus floues entre notre existence virtuelle et notre personnalité dans le « monde réel », un autre concept qu’elle remet en question.
Karee Kayvon constitue désormais un exemple emblématique du dialogue continu entre l’art et la technologie à notre époque. L’ère numérique a transformé notre image de soi et notre manière de nous présenter au monde, illustrant à quel point cette dynamique est profondément contemporaine.
Crédits : Karee Kayvon | Eva et Franco Mattes | 2006 | Impression sur toile | 91 x 122 centimètres
11. Bague Panthère de Cartier, or jaune
En matière de joaillerie, peu de pièces peuvent rivaliser avec la renommée de la bague Panthère de Cartier. Bien que le motif de la panthère existe depuis les années 1910, c’est véritablement dans les années 1930, sous l’impulsion de Jeanne Toussaint, que Cartier a adopté ce félin comme symbole. Cette décision a ouvert de nouvelles perspectives pour la maison, associant la marque à la force, à la grâce et à l’indépendance de la panthère - autant d’idéaux que la bague Panthère incarne à la perfection.
Renouveler des bagues sans risquer de paraître « démodé » peut s’avérer difficile, mais la bague Panthère de Cartier se distingue par son allure sculpturale et élégante. Elle allie un design audacieux à des principes classiques, résultant en une pièce de joaillerie à la fois saisissante et raffinée.
Avec son esthétique intemporelle, cette pièce captive indéniablement l’attention des passionnés de mode, des amateurs de luxe et des collectionneurs, qu’ils proviennent des années 1930 ou du XXIe siècle. La Panthère de Cartier est devenue un symbole de puissance et d’élégance, continuant d’influencer encore aujourd’hui le monde de la mode.
12. Apple iPod Classic 1ère génération (5 Go)
L’iPod original a révolutionné notre façon d’écouter de la musique. Bien qu’un disque dur de 5 Go capable de stocker 1 000 titres puisse sembler dérisoire aujourd’hui, à l’ère du streaming illimité sur Spotify, il est difficile d’évaluer l’impact qu’il a eu à l’époque. Cet appareil, de la taille d’un jeu de cartes, pouvait contenir plus de musique que la collection complète de CD de la plupart des amateurs de musique, et ceux qui l’ont utilisé se souviennent à quel point leur expérience d’utilisation était réellement « magique ».
En matière de design, l’IPod a également marqué une rupture. Avant sa sortie sur le marché, la plupart des lecteurs MP3 ressemblaient à des équipements techniques de la NASA plutôt qu’à des appareils de consommation courante. En revanche, l’iPod, avec sa simplicité élégante et sa célèbre molette de défilement, a redéfini les critères esthétiques des technologies grand public. De plus, il a ouvert la voie au développement d’Apple, faisant de la marque un acteur dominant dans le domaine technologique.
Ce gadget représente un tournant majeur, symbolisant une époque où la société a commencé à privilégier la personnalisation et la commodité. L’iPod était l’outil ultime pour les mélomanes : bien que chaque appareil puisse se ressembler, son contenu était unique et personnel. En somme, peu d’objets incarnent aussi parfaitement l’esprit des collectionneurs de gadgets du XXIe siècle que l’iPod de première génération.
13. Jenny Holzer - « Protect Me From What I Want » - or (série Truism), 2000
Jenny Holzer, artiste conceptuelle américaine renommée pour ses œuvres textuelles, a créé « Protect Me From What I Want » dans le cadre de sa série Truisms. Initialement conçue dans les années 1980 et réinventée en or en 2000, cette œuvre examine les complexités du désir et du consumérisme à l’aube du millénaire. En présentant son message provocateur sous la forme d’un métal précieux, Holzer défie les attentes, transformant une critique de la culture de consommation en un objet désirable à part entière. Cette tension entre le texte et le support illustre la relation conflictuelle que beaucoup entretiennent avec le matérialisme au XXIe siècle.
L’œuvre de Holzer, qui oscille entre le grand art et la culture populaire, annonce l’effondrement des hiérarchies traditionnelles dans le monde de l’art. À une époque où les mèmes peuvent être perçus comme des œuvres d’art et vice versa, l’art lui-même est devenu un sentiment partageable, accumulant de nouvelles significations à l’ère des influenceurs et du marketing ciblé. Ainsi, Holzer propose un commentaire sur les frontières floues entre désir, art et commerce à l’ère numérique.
14. « BTS Memories of 2018 Cartes Blu-Ray » ensemble complet
BTS est l’un des plus grands groupes pop de tous les temps, et la collection complète des « Memories of 2018 Blu-Ray cards » est un objet très recherché par les fans. Insérées dans le coffret « BTS Memories of 2018 », qui comprend des disques Blu-Ray, ces cartes photo présentent une combinaison de portraits des membres et de photos de groupe. Chaque année, le groupe lance une collection « Memories », mais l’édition 2018 est particulièrement emblématique en raison de l’importance de cette année pour BTS.
Pour de nombreux experts, 2018 a marqué un tournant pour le groupe, les propulsant de stars de la K-pop à phénomène mondial. En effet, durant cette année, ils ont lancé leur tournée mondiale « Love Yourself », remporté des prix aux Billboard Music Awards et même pris la parole à l’ONU. Le coffret « BTS Memories of 2018 » retrace ces moments mémorables tout en offrant aux fans un aperçu des coulisses. Pour les collectionneurs, il s’agit d’un véritable témoignage, un aperçu unique de cette année charnière où l’un des groupes les plus emblématiques du XXIe siècle est passé de simples popstars à figures de proue sur la scène internationale.
15. Lampe de table Kartell Bourgie (noir brillant)
La lampe de table Bourgie de Kartell, conçue par Ferruccio Laviani en 2004, est devenue un symbole emblématique du design au XXIe siècle, alliant des éléments baroques classiques à des matériaux et techniques de production modernes. Le MoMA de New York, qui inclut la lampe Bourgie dans sa collection permanente, la décrit comme un exemple de « la capacité d’un plastique à imiter un matériau précieux ». Cette situation soulève des interrogations sur la nature de la valeur et de la perception dans le domaine du design : cette réinvention met-elle vraiment en valeur le matériau ou en dissimule-t-elle simplement sa nature ?
La popularité de la lampe Bourgie reflète une tendance plus large dans le monde de la décoration intérieure, mêlant références historiques et esthétique contemporaine. Quelque peu audacieuse, elle incarne les paradoxes du XXIe siècle, naviguant entre baroque et esthétique trash, gothique et modernité, se plaçant ainsi à l’intersection du classicisme et du kitsch.
À l’ère des réseaux sociaux et de décoration intérieure choisie avec soin, la lampe Bourgie a acquis un statut qui dépasse largement sa simple fonctionnalité. Son design multicouche et ses multiples références en font un sujet idéal pour analyser l’époque numérique, illustrant comment les pièces emblématiques deviennent un capital culturel et peuvent susciter des discussions plus approfondies sur le design.
16. Omega Seamaster
Dans l’univers de l’horlogerie, le lancement de la Seamaster Diver 300M « GoldenEye », nommée ainsi en raison de son association avec James Bond, marque le début d’une ère de montres volumineuses emblématiques des années 2000. Cette nouvelle version de l’Omega Seamaster, initialement présentée en 1993, a été l’une des premières à proposer des boîtiers plus grands, des cornes plus imposantes ainsi que des bracelets au design audacieux et distinctif, ouvrant la voie à de nombreux modèles populaires du XXIe siècle.
Cependant, plusieurs caractéristiques qui font d’elle une icône aujourd’hui ont été mal perçues à l’époque. Par exemple, la valve d’échappement à hélium, particulièrement protubérante, a suscité des critiques, mais elle est devenue tellement emblématique qu’Omega a choisi de la garder visible, même si des technologies modernes permettraient de la dissimuler. Les ventes étaient initialement modestes jusqu’à la sortie du film GoldenEye, à la suite de quoi la popularité de la montre a explosé, permettant à Omega d’éviter la faillite à la fin des années 90.
Depuis lors, la franchise James Bond et la Seamaster ont continué à évoluer tout au long du XXIe siècle. Elle demeure l’une des montres de plongée les plus emblématiques du début des années 2000.
17. Sweat à capuche Box Logo Supreme et Louis Vuitton
Le hoodie Supreme x Louis Vuitton Box Logo a constitué un véritable tournant dans le secteur de la mode. Pendant des années, les marques de streetwear telles que Supreme et les maisons de haute couture comme Louis Vuitton ont évolué dans des sphères complètement distinctes. Lorsque cette collaboration a été lancée en 2017, mettant en avant le logo rouge emblématique de Supreme associé au monogramme de Louis Vuitton, les passionnés de mode ont réagi avec un engouement sans précédent.
Une frénésie mondiale a enflammé les foules, avec des files d’attente s’étirant dans les rues lors de son lancement, et il n’a pas fallu longtemps pour que le marché de la revente explose. Cet événement a marqué un tournant dans la mode du XXIe siècle, établissant un véritable pont entre le luxe et le streetwear tout en brouillant les frontières entre ces deux univers. Le hoodie Box Logo de Supreme x Louis Vuitton n’est pas simplement un vêtement ; c’est aussi une véritable œuvre d’art. Il incarne l’évolution de la mode et, surtout, son avenir.
18. Canapé Soriana
L’univers de la décoration intérieure a été transformé par l’arrivée du canapé Soriana. À une époque où les canapés étaient rigides et structurés, considérés davantage comme des meubles que comme des éléments décoratifs, le Soriana a complètement révolutionné le concept. Conçu en 1969, ce canapé est devenu une véritable icône du design, incarnant toujours une élégance intemporelle malgré les évolutions stylistiques au fil des décennies.
Il incarne ainsi de manière saisissante la fusion entre l’ameublement et l’art, qui a laissé une empreinte indélébile sur notre manière de concevoir nos espaces de vie. Le canapé Soriana allie confort et sophistication grâce à ses coussins surdimensionnés et arrondis, offrant une expérience relaxante, tout en étant soutenu par un cadre métallique élégant qui contraste avec ses formes décontractées. Il n’est donc pas surprenant qu’il ait remporté le prix de design Compasso d’Oro en 1970.
Au XXIe siècle, le Soriana connaît un nouvel engouement. Alors que les consommateurs se détournent de la production de masse et des meubles standardisés, ils recherchent des pièces telles que celle-ci, alliant intemporalité et confort. Le canapé Soriana incarne précisément cela : une harmonie de luxe, de confort et de style, en d’autres termes, le rêve d’un collectionneur.
19. Plateau en aluminium par Linde Freya Tangelder (Belgique, 2017)
Le plateau en aluminium audacieux de Linde Freya Tangelder est un objet design singulier qui remet en question les concepts modernes de luxe et d’artisanat. Lancé en 2017 et fabriqué à partir d’aluminium brut, il transcende les conventions du design haut de gamme pour adopter une esthétique à la fois industrielle et robuste.
Mais cet objet va bien au-delà. La forme du plateau a fait l’objet d’une attention particulière, le transformant en un objet à la fois sculptural et élégant. Cette démarche résonne avec notre époque, où les enjeux de durabilité et d’authenticité sont plus que jamais au cœur des préoccupations.
En utilisant de l’aluminium recyclable, Tangelder met la responsabilité environnementale au centre de son projet. Bien que ce plateau soit fonctionnel, il cherche l’harmonie entre forme et utilité plutôt qu’une esthétique vide, affichant des qualités haut de gamme grâce à un design réfléchi, dépouillé de toute décoration superflue. Son approche unique du minimalisme et du luxe a séduit les amateurs de design du XXIe siècle, faisant de ce plateau un incontournable dans les collections de nombreux passionnés.
20. Éditions Mille et une nuits // Tiqqun, Premiers matériaux pour une théorie de la Jeune-Fille (Mille et une nuits, 2001)
Publié en 2001 par Tiqqun, un collectif anarchiste français, « Premiers matériaux pour une théorie de la Jeune-Fille » est un ouvrage innovant et marquant dans le domaine de la littérature féministe et anticapitaliste.
Dans ce livre, la figure de la jeune fille sert de métaphore puissante pour illustrer l’impact du consumérisme sur la société, démontrant comment ce dernier transforme les individus en marchandises afin de maintenir un système qui ne défend pas leurs intérêts. Vingt ans après sa parution, « Premiers matériaux pour une théorie de la Jeune-Fille » s’affirme plus que jamais comme une œuvre visionnaire, et cette édition de Mille et une nuits est à la fois très convoitée et profondément influente.
21. James Turrell (James Turrell, Amrta, 2011)
James Turrell est un maître de la lumière, en particulier de cette lumière numérique omniprésente dans nos vies, et son œuvre Amrta en est un exemple marquant. Faisant partie de la série Ganzfeld, Amrta invite à une profonde contemplation de l’espace et de l’illumination. Les appareils numériques ont radicalement transformé notre manière d’éclairer les espaces, et Turrell explore cette nouvelle réalité à travers des couleurs enchanteresses qui nous transportent ailleurs tout en nous ancrant dans l’instant présent.
Le titre de l’œuvre, Amrta, provient du sanskrit et signifie « immortalité », lui conférant ainsi une dimension supplémentaire qui nous incite à réfléchir sur les liens entre technologie numérique et spiritualité. L’exploration de la lumière numérique par Turrell a eu un impact considérable sur l’art du XXIe siècle. À travers des œuvres comme Amrta, il soulève des interrogations sur de nombreuses expériences et problématiques contemporaines qui nous touchent tous.
22. Téléphone Juicy Couture T Mobile Sidekick 2 (modèle rose)
Imaginez un monde où votre gadget aurait autant d’importance que votre tenue. Le Sidekick 2 n’a pas seulement intégré cet univers, il l’a véritablement conquis. Cette fusion spectaculaire entre la technologie de T-Mobile et le glamour éclatant de Juicy a donné naissance à l’ultime symbole de statut social des années 2000. Avoir les pouces rivés sur un écran n’était pas simplement acceptable, c’était devenu une aspiration. L’écran pivotant, associé à l’utilisation prolifique de Paris Hilton, a ouvert la voie à l’ère du selfie, marquant le début de la culture de l’exposition personnelle que nous connaissons aujourd’hui.
Cependant, tel un météore, l’ascension du Sidekick 2 a été aussi fulgurante que brève. Avec l’évolution rapide des smartphones, cet appareil, autrefois à la pointe de la technologie, est devenu une relique, son charme flashy sombrant dans l’oubli. Il représentait le début d’une époque où nos appareils sont devenus des extensions de nous-mêmes, fusionnant indissociablement mode et technologie. Cette merveille rose ornée de strass ne se contente pas de lier la culture pop des années 2000 à l’ère des smartphones : elle nous propulse vers un avenir où nos appareils numériques deviennent nos moyens d’expression les plus personnels.
23. Jon Rafman - « You Are Standing in an Open Field » (Éditions 2019-2020)
Le principe central de la série « You Are Standing in an Open Field » de Jon Rafman aborde une problématique qui nous concerne tous : l’impact du numérique sur le fossé entre nos vies intérieures et extérieures. Les œuvres partagent un thème commun, alliant un paysage naturel peint en arrière-plan à des détritus de notre quotidien au premier plan. Cette juxtaposition met en évidence à quel point la nature fragmentée et kaléidoscopique du monde numérique confond et obscurcit notre réalité, soulignant combien il est facile de se perdre dans ce tumulte.
La manière dont Rafman crée son art, en intégrant objets physiques et peinture, confère à ses œuvres un effet de collage. Cela constitue une réponse à l’impact d’Internet sur notre psyché, à l’instar de sa méthode qui rassemble des images disparates pour former quelque chose de nouveau. La série « You Are Standing in an Open Field » représente ainsi un art qui ne pouvait exister qu’à notre époque.
[Vous pouvez visionner la série 'You Are Standing in an Open Field' ici]
24. Roadster Tesla
La Roadster de Tesla s’est imposée comme une véritable icône, redonnant ses lettres de noblesse aux véhicules électriques. Avant son lancement en 2008, ces derniers étaient souvent perçus comme lents, ennuyeux et peu attrayants, considérés comme des machines où l’esthétique et la performance étaient reléguées au second plan. Certes, ils avaient des atouts écologiques, mais pas grand-chose de plus.
La Roadster a complètement bouleversé cette perception. Avec son design élégant et sportif, il a su rivaliser avec les voitures de sport hautes performances tout en répondant à des exigences de durabilité. Ce modèle a marqué le début d’une nouvelle ère, prouvant au monde que les véhicules électriques pouvaient être non seulement désirables, mais aussi performants. En un clin d’œil, le Roadster a transformé l’image des véhicules électriques, démontrant qu’un objet pouvait allier style, fonctionnalité et durabilité. C’est ce qui fait de la Tesla Roadster une référence culturelle et technologique majeure des 25 dernières années.
25. « Screen Shot », impression de 2017 par Arthur Jafa
« Screen Shot » d’Arthur Jafa est une œuvre incontournable qui explore en profondeur les concepts de culture noire, d’identité et de société contemporaine. Bien plus qu’une simple image, elle offre un commentaire sur nos modes d’interaction et les nouvelles formes de communication. Dans cette œuvre, l’imagerie trouvée se mêle à la culture numérique pour créer une expérience qui, dans un autre contexte, pourrait sembler être un instant fugace, mais qui nous pousse à l’explorer davantage.
Ce moment figé dans le temps met en lumière la tension entre l’ère numérique et l’expérience noire. Une image qui aurait pu être facilement oubliée est célébrée et transformée en marchandise, nous incitant à réfléchir sur les implications de ce phénomène pour la société dans son ensemble. À la suite du décès prématuré de Virgil Abloh, cette œuvre prend une résonance encore plus profonde, nous incitant à méditer sur la manière dont les images influencent nos perceptions et sur l’exploitation des disparus dans notre quotidien. « Screen Shot » (2017) constitue une critique saisissante du XXIe siècle et témoigne de l’impact significatif de l’œuvre de Jafa sur notre société.
[Vous pouvez voir 'Screen Shot' ici]
