Scritto da Tom | 23 aprile 2021
Una delle più grandi vetrine per la comunità del design e del lifestyle, Maison&Objet rappresenta un appuntamento fisso nel calendario annuale degli appassionati di design. Evento biennale con sede normalmente a Parigi, è stato per anni una piattaforma per leggende e future stelle della scena del design: da Philippe Starck e Tom Dixon, fino a Ilse Crawford e Tokujin Yoshioka. Quest’anno le cose sono un po’ diverse. Per celebrare l’asta di debutto di Maison&Objet su Catawiki, l’esperta di design Eléonore Floret illustra alcuni dei design di successo e gli innovatori della loro selezione.
Revival anni ‘50 e ‘70
Con la nostalgia dilagante del 2021, sia gli anni ‘50 che gli anni ‘70 stanno conoscendo un rinnovato interesse per i loro stili di design. Se gli anni ‘50 offrono la classica comodità della metà del secolo – con linee forti, legni grezzi e colori pastello – gli anni ‘70 si spingono dove il design non era mai arrivato prima – con colori sfacciati e mobili kitsch che mettono il comfort al primo posto. Secondo Eléonore, alcuni degli oggetti selezionati da Maison&Objet hanno reso omaggio a queste epoche con un tocco contemporaneo.
«Prendi la credenza di Florence Knoll. È il perfetto esempio di design classico e intramontabile degli anni ‘50» spiega Eléonore. «Florence Knoll è stata una donna rivoluzionaria, interior designer e imprenditrice che ha avuto un ruolo importante nella trasformazione del design negli anni ‘50. Ma è anche uno stile che piace ancora oggi, 60 anni dopo. Questa credenza in betulla è minimalista ma mai senz’anima, un cenno al passato senza restarvi intrappolata».
Per quanto riguarda gli anni ‘70, i divani Togo di Michel Ducaroy per Ligne Roset hanno tutte le caratteristiche dell’epoca. «Questo design pastello degli anni ‘70 è un perfetto esempio del periodo. Ma è anche ciò che cerchiamo, oggi, nel design dei mobili: una dichiarazione forte che sia anche chic e confortevole».
Tappeti intrecciati
Forse è per la natura dell’anno che abbiamo vissuto che desideriamo calore e comfort, qualcosa che il design turco sembra offrire in abbondanza. Non serve guardare oltre il tappeto kilim Yakamoz No 4 di Fulden Topaloglu per averne prova. I kilim sono un elemento fondamentale delle case turche e mediorientali, utilizzati come tappeti, copriletto e tovaglie, per citarne solo alcuni usi. Intrecciati con cura e cuciti con fantastici motivi e immagini, sono spesso un riflesso della storia del tessitore, capace di portare colore e vita in qualsiasi ambiente.
Il tappeto di Topaloglu non fa eccezione. Ispirato alla luce riflessa sull’acqua, questo tappeto in lana anatolica è rilassante sia nell’aspetto che nella sensazione. «È stato premiato dall’Elle Decoration International Design Awards 2020» dice Eléonore. «Questo testimonia il suo ampio fascino, ma anche la tendenza verso il design turco a cui stiamo assistendo nell’arredamento domestico». Puoi stenderlo su qualsiasi pavimento per regalarti uno spazio immerso nella calma e nel blu cristallino.
Artigianato impareggiabile
Per alcune culture, l’artigianato è sempre stato al centro del design. Basti pensare al concetto giapponese di shokunin kishitsu (“spirito dell’artigiano”), che riguarda tanto il fare qualcosa bene, quanto mettere anima e cuore in ogni elemento di ciò che fai. È un mantra che si è manifestato in un numero sempre crescente di designer e opere.
«Una delle cose su cui il mondo del design si sta gradualmente concentrando è l’attenzione all’artigianato. La capsula di rilassamento di Johan Brunel ne è un esempio: un eccellente segno di qualità e allo stesso tempo un simbolo dello spirito di questo tempo, della necessità di ripararsi e ritirarsi dal mondo.»
«Anche il buon artigianato è senza tempo» spiega. «Non è un fenomeno nuovo, ma sta aumentando la consapevolezza di quanto sia importante. Il vetro di Murano, dall’Italia, è un esempio ineguagliabile delle tecniche che si esprimono nella realizzazione di un oggetto e di come il buon design si adatta sempre ai tempi. Questo bellissimo vaso di Fulvio Bianconi è stato progettato negli anni ‘90 ma è ancora contemporaneo, con una splendida forma organica».
Design responsabile
L’industria del design di interni non è regolata per le sue tendenze ecologiche, ma le aziende e i designer si stanno muovendo verso una progettazione responsabile e coscienziosa. L’aumento delle aziende di design che si occupano di prodotti ecologici ne è la prova. Imprese come il marchio tessile danese Kvadrat, che produce tessuti e tappezzerie di qualità, stanno portando i loro materiali al centro della scena del design contemporaneo, ad esempio (come la sedia Vip di Marcel Wanders), mentre altri designer stanno imparando a trarre il meglio da ogni materiale che hanno a disposizione.
«Prendi la lampada da tavolo di Studio Jeroen Wand» spiega Eléonore. «Ne sono state create 10 in totale ed è la costruzione che le rende speciali: sono realizzate con gli avanzi di legno di iroko e noce dello studio. Questi pezzi sono stati “incollati” insieme usando la pasta di legno. Si potrebbe pensare che si tratti di una costruzione fragile, ma in realtà la struttura è robusta. Senza contare che il riutilizzo del materiale rende questo prodotto speciale e sostenibile».
«C’è anche la lampada Solarium di Valerie Windeck, che è fatta interamente di plastica riciclata. La designer seleziona la plastica per colore e la fonde nuovamente in piastre.»
Design come arte
La questione della funzionalità e della forma è stata al centro dell’attenzione nel mondo del design per anni. Sebbene sia improbabile che si raggiunga presto un consenso unanime, i designer moderni stanno dimostrando che il design può essere arte sia nella forma che nella funzione.
«L’installazione luminosa di Tineke Beunders e Nathan Wierink, chiamata “Floating Falling”, sfuma il confine tra arte e design. È alla frontiera dell’arte contemporanea minimalista e delle tendenze del settore, è un’opera d’arte così impressionante che quasi si dimentica che ha una sua funzione come lampada. Può cambiare colore ed essere regolata nelle dimensioni a seconda dello spazio, quindi non c’è motivo per cui debba impressionare solo in una galleria.»
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