Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Egyedi darab, Anton Kaestner eredeti festménye, közvetlenül a műteremből.
#385 - S - „Chromatic MR10”.

Olaszluin spray akril a 3 mm-es plexiglasz táblán.
Ez a festmény nem nyomtatás. Egy eredeti, „többcouches” műalkotás, amelynek fényes, tükröző, rezinhez hasonló megjelenése példaértékűen egyedi.
Nyomtatáson alapuló átlátszóság.

Méret: 9,1 x 12,6 x 0,12 inches / 23 x 32 x 0,3 cm keret nélkül.

Ez a festmény keret nélkül kerül szállításra.
Német minőségű Nielsen márkájú alumínium keret, referencia 34 (9,1 cm x 0,23 inch?) - tehát a megjelölést pontosítani kell: Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) ajánlott és a szállítás során plusz 70€ ÁFA-ban elérhető.

A mű hátulján aláírták.
Egy Hitelesítési Tanúsítvány kíséri.
A szállítás biztosítva van.

Anton Kaestner svájci festő, szobrász és szerző, Párizsban élő. Művei egész Európában, Svájcban és Dubajban kerülnek kiállításra. További információ és választék a www.antonkaestner.com oldalon.

Következő kiállítás – Lausanne, 2026. május 7–10.

életrajz

Genfben született, Svájcban nőttem fel, és otthonom természeti szépsége és kulturális gazdagsága vett körül. A kreativitást családomban értékelték, és nagyapám, a szakember és művész, hatása ültette el bennem azt a magot, amely végül életem szenvedélyévé vált.
1993-ban magánúton kezdtem el festeni, számtalan akril technikát kísérletezve A4-es, majd A3-as füzetekben – mindig éreztem, hogy a nagy képek közvetlenül rád törnek, dominánsak és lenyomóak, míg a kis alkotások sokkal többet tudnak adni szeretetben.
Először a nonfiguratív festészet és az absztrakt expresszionizmus vonzott.
Idővel, miközben személy szerint ateistának tartom magam, spiritualitás iránti vonzalom is kialakult, mivel ezek összhangban rezonáltak az emberi lét és a természet mély igazságaival való felfedezésemmel.

Az út az igazi művésszé váláshoz nem volt azonnali.
Hármasságnál többet ívelve több mint három évtizeden át nemzetközi üzleti karriert folytattam, amely az Egyesült Államoktól Moroccóig, Belgiumon, Ázsián és Franciaországon át vitt. Utazásaim szélesítették a szemléletemet, sokféle kulturális hatásnak adva otthont. Bárhová is kerültem, belevetettem magam a helyi művészeti színterekbe, és az adott hely kreatív energiájával 협 engaged.
Bár a vállalati karrierre koncentráltam, a művészet mindig része volt bennem, csendben lobogva a felszín alatt. Közel 30 évig a festés titkos meditációs formája volt számomra – módja annak, hogy kiszakadjak a világból és a belső énemre figyeljek.

Mindig is nagy megelégedettséget találtam a festésben. Minden új munka utazás: kihívhatom a kreativitásomat, new technikákat próbálhatok ki, és őszinte tapasztalatokon keresztül élek át mindent. Művészetemmel mindig arra törekedtem, hogy másokkal is őszinte találkozást kínáljak a szépséggel, lehetőséget adva számukra, hogy a világot más szemszögből lássák és saját életüket elgondolkodva megérintsék.

2023-ban, miután visszavonultam az üzleti karrieremből, teljes mértékben a festésnek szenteltem magam. Párizsban létrehoztam a műtermet, és teljes mértékben az művészetemnek szenteltem magam. 2024 végére megkezdtem a nyilvános művészi pályafutásomat, és meglepetésemre a munkám gyorsan elismertségre tett szert; magán gyűjteményekben található Európa-szerte, különösen Németországban, Portugáliában, Belgiumban, Olaszországban és Hollandiában.

2025 végén költöztem egy nagyobb stúdióba a Lisieux-ben, Normandia egy üres lelkész-székházában.

Művészeti önéletrajz

Első szóló kiállításom, az Échos, 2024 végén Párizsban kerül megrendezésre, és megmutatja a művészetem egyedi megközelítését, távol a hagyományos festészeti technikáktól: akrilokkal, fémes pigmentekkel és spray-vel festek visszafelé a reciklált extrudált plexiglasszból (Perpex), egy könnyű, sima, fényes és néha törékeny felületre. Ez a folyamat megakadályozza, hogy a művet a fejlődés közben lássam. A folyamat során nincs vizuális visszajelzés vagy kontroll — valami, amit én is üdvözlök. Engedem a „ véletlen kísérleteknek” — bármi mehet a racionalitás megkötése érdekében! — irányítani az eredményt, a rétegeket és a tükörhatásokat, amelyeket létrehozok, és hagyom, hogy a darab felfedezést és kinyilatkoztatást sugározzon, amikor végre ki van állítva. De legyünk egyértelműek: a képeimnél a véletlen soha nem hozza meg a döntést; legfeljebb feltesz kérdéseket; a „jelentős” egybeesések csak nagy fegyelemmel lehetségesek. Ez a fotózási felfedés/ rögzítés folyamatával párhuzamos megközelítés kihívást és felszabadulást jelent. A kompozíció értékeit rétegek és átlátszóságok gazdagítják, mégis minden művet „szenvedélyes” minőséggel ruháznak fel: boldog vagyok, amikor felismerem a „kibogozhatatlan szükségleteket”, azaz azt, amit csendben és fényben megállva valószínűleg felfedezünk.

Kézben tartom az eljárásomat szándékosan egyszerűen. Sem az „érzelem”, sem a „elméleti felfogás” nem játszik szerepet; a megélés, a lét tapasztalata áll a középpontban. Sem a „gyors fogyasztás”, sem az „intellektualizálás / intellektuális birtoklás” nem jellemző, hanem a tudatosság kibővítése és a valóság, látható és láthatatlan történeteinek felfedezése; művészetem az élet középpontján megélhető élet keresése, amit Alain Damasio „le vif”-nek nevez. Bár a nosztalgia mindig is része volt a munkámnak, festményeim tárgytalanok. Akárcsak minden tárgy, ők is önmaguk tárgyai. Ennek megfelelően tartalmuk, jelentésük vagy értelmük sincs; olyanok, mint dolgok, fák, állatok, emberek vagy napok, amelyek szintén nem rendelkeznek létezésük okával, céljával vagy végével. Bár az a benyomás, hogy a művek átlátszóságát és fényességét idézik – mint ólomüveg –, gyakorlatilag teljesen absztraktok. Továbbá a plexiglass egy fénylő bőrt ad a festménynek, amelyen minden új néző saját sziluettjét is meglátja. Minden mű olyan, mint egy kiiszándított tükör: él, változik, lát. A fény, a szín és a textúra kölcsönhatása, a hiányzó részek is csak empátiát igényelnek. Remélhetőleg a „részletek közel” és a „távolság a egésztől” közötti játék bátorítja a nézőket, hogy saját belső utazásukra induljanak.

Nem állítom, hogy mindenre megvan a válaszom, és törekedjünk arra, hogy alázatosak maradjunk ami elérhető. Egyszerűen találok elégedettséget a folyamatos kérdés feltevésében és a fejlődésben. Minden új alkotás egy konfrontáció a korlátaimmal, amely ösztönöz a képességeim finomítására és arra, hogy tovább fedezzem fel, mit tudok elérni. Számomra a festészet napi mesterség, felfedezés, eszmék ébresztésének módja, egy olyan festékvadás, amelynek tökéletesnek kell lennie anélkül, hogy szüksége legyen ránk. Az informális korának csak nemrég ért véget.

Ahogy Jean Bazaine mondta: „A napi gyakorlás növeli a látás iránti szenvedélyt.”

A gyakorlat összetervező koherenciája

A kortárs művészet tájképében, ahol a koncepció és a forma egyaránt mérődik, olyan munkát törekszem létrehozni, amelyet a hangsúly nem kiemelkedő voltában, hanem jelenlétében határoz meg. A festményeim – plexiglassba zárt színes és fényes mezők – a hosszú, tudatos vizsgálat halk eredményei. Számomra az igazi fókusz nem a végső képen van, hanem a gondolat és a folyamat csendes kölcsönhatásában, amelynek révén megjelenhet.

Ez a gyakorlat három összhangban lévő szándékon nyugszik.

Az első: A kijelölt jelentés elhárítása. A műveket „tárgy nélküli”-ként leírva és „nincs semmi, jelentés vagy értelem” feliratokkal arra törekszem, hogy gyengéden oldjam a szemlélet narratívára vonatkozó elvárását. Ez egy meghívás arra, hogy kilépj a dekódolásból, és egy közvetlenebb fajta nézés felé fordulj.

Ez vezet a második szándékhoz: A megélt tapasztalat primátusa. Abba a nyitott térbe próbálom elhelyezni azt, amit „lét tapasztalatának” tartok. A mű kevesebb legyen értelmezendő tárgy, inkább érezni való csendes esemény—fény változásával, átlátszó rétegekkel és a néző saját tekintetével találkozó halvány tükröződés által alakított esemény. Ahogy gyakran megjegyzem, a darab „ él, változik, lát.”

A harmadik pedig az, ahol az ötlet és a kéz találkozik: A folyamat testet öltő gondolat. Plexiglass hátoldalán festeni, vizuális visszajelzés nélkül, a gyakorlat egy testi cselekedet: a kontroll tudatos elengedése a készítés aktusában. Meghatározom a feltételeket, de feladom az eredményt, hagyva, hogy a festmény önálló „tárggyá váljon”, amely csak akkor válik teljesen láthatóvá, ha befejeződik. Ez egy néma párhuzama a fotózás kódolódásának – türelmesen várva, hogy mi érkezik itt és most.

Ezen szándékokat néhány gyengéd paradoxon tartja fenn, amelyek támogatják a munkát:

Véletlen és Fegyelem
A jelentős „egyezések” kifejezésére utalok, de ezek csak gondos határokon belül lehetségesek. A véletlent szívesen fogadom, de a struktúrát gondosan felépítik.

Üzenet nélküli Kommunikáció
Remélem, hogy a „jelentéktelennek” nevezett művek által valami közölhető legyen. Talán amit megosztok, nem egy állítás, hanem egy állapot – fény textúrája, csendes jelenlét, tapintható nyugalom.

A jelen valóságához való nosztalgia
A műben gyengéd nosztalgia marad, de különös módon a most felé irányul: a tökéletlen szükségletek utáni vágy, amelyet a „csend és fény” találhat meg—a tiszta jelenlét vágya, amit a mű magától ad.

Erőfeszítés és Könnyedség
A folyamatnak állandó figyelemre van szüksége, mégis olyan eredmény felé törekszik, amely autonómnak tűnik, mintha „önmagától jött volna”. Olyat keresek, ami tökéletesen elkerülhetetlennek tűnik.
E szellemben úgy érzem, hogy „az informális kora csak most kezdődött el”. Gyakorlatom az Art Informel szellemétől öröklődik, bár talán kevesebb szenvedéssel és több nyugalommal – egy informalitás, ahol a véletlen nem szakítás, hanem csendes együttműködő.

Lényegében ez a keresés a „le vif” – az élő mag – felé vezet. A munka inkább a közvetlen élményt részesíti előnyben, semmint az intellektualizálást. Az én gyakorlataim a közönséget a benső fülkére hívják, nem feltűnő látványra.
Végül ez csak egy művész útja. Az életrajzom, a folyamat és a reflexióm nem külön futó szálak, hanem egyetlen törekvés részei. Megállapítottam, hogy egy nyugodt paradoxon alapokra helyezett gyakorlat nem feltétlenül törékeny. A fegyelem és a tisztaság által ilyen feszültségek megerősödhetnek, és úgy hiszem, erőforrássá válhatnak.

Anton Kaestner