Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Egyedi darab, Anton Kaestner eredeti festménye, közvetlenül a műhelyből.
#480 - M - „ Punta del Este #1 ”.

Hígított spray acril a 3 mm-es plexitáblán (UV-álló).
Ez a kép nem egy nyomat, hanem egy eredeti, „többrétegű” mű, amelynek fényes, glossy megjelenése mintha gyantát alkalmaznánk, és ennek egyedisége részét képezi.

Méretek: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm keret nélkül.

Ez a kép keret nélkül érkezik.
Német márkájú Nielsen kiváló minőségű alumínium keret, 34 520 hivatkozás White Oak furnérral (0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) javasolt és a szállítás során elérhető, plusz 90€ bruttó összegért.

A mű a hátoldalán van aláírva.
mellékelve egy Igazoló Tanúsítvány.
A szállítás biztosítással van fedezve.

Anton Kaestner svájci festő, szobrász és író, Párizsban él. Művei egész Európában, Svájcban és Dubajban kiállítottak. További információ és választék a www.antonkaestner.com oldalon.

Következő egyéni kiállítás - Genf, 2027 január.

Életrajz

Svájcban, Genfben született, és otthonom természeti szépsége és kulturális gazdagsága vette körül. A kreativitást családban értékelték, és halott nagyapám, a kézműves és művész hatása ültette el bennem azt a magot, amely végül életem szenvedélyévé vált.
1993-ban magángyűjtőként kezdtem el festeni, számtalan akril everásával jegyzetfüzetekben A4-en, majd A3-on kísérletezve – mindig úgy éreztem, hogy a nagy képek közvetlenül rátámadnak, dominánsak és félelmetesek, míg a kisebb művek szeretetet adhatnak, több szeretetet inspirálhatnak. Elsőként a nem figuratív festészet és az absztrakt expresszionizmus vonzott.
Idővel, miközben ateista vagyok, szívesen vonzódtam a spirituális anyagokhoz is, amelyek rezonáltak az emberi lét és a természet mélyebb igazságaival kapcsolatos kutatásommal.

Az út azonban nem volt azonnal vezető az igazi művésszé váláshoz.

Hármas évtizeden át nemzetközi üzleti karriert folytattam, amely az Egyesült Államoktól Možgóig, Belgiumon át Ázsiáig és Franciaországig vitt. Utazásaim kibővítették a nézőpontomat, különféle kulturális hatásokkal ismertettek meg. Barhol jártam, belevetettem magam a helyi művészeti élettel és a kreatív energiával rendelkező helyekkel.
Bár üzleti karrieremre összpontosítottam, a művészet mindig része volt bennem, csendesen bugyogott a felszín alatt. Majdnem harminc évig a festés titkos meditációvá vált számomra – módja annak, hogy a világotól elszakadva a belső énemre figyeljek.

Mindig is határtalan elégedettséget találtam a festésben. Minden új mű egy utazás, ahol kísérletezhetem a kreativitásommal, új technikákat fedezhetek fel, és őszinte tapasztalatokon keresztül élhetem át a pillanatokat. A művészetemmel mindig abban reménykedtem, hogy másokkal őszinte találkozást adhatok a szépséggel, lehetőséget arra, hogy a világot más szemszögből nézzék, és elgondolkodjanak saját életükön.

2023-ban, miután visszavonultam az üzleti karrieremből, teljesen a festésnek szenteltem az időmet. Párizsban létrehoztam a stúdiómat, és teljes mértékben a művészetemnek szenteltem magamat. 2024 végére nyilvános művészeti karrieremet elindítottam, és meglepetésemre gyorsan elismertté váltam: műveim magán-gyűjteményekbe kerültek Európa-szerte, különösen Németországban, Portugáliában, Belgiumban, Olaszországban és Hollandiában.

2025 végén nagyobb stúdióba költöztem egy üres sakristyában Lisieux-ben, Normandiában.

Művészeti önéletrajz

Első egyéni kiállításom, az „Échos”, Párizsban 2024 végén kerül megrendezésre, amely a hagyományos festészeti technikáktól eltérő megközelítést mutatott: akrilokkal, fémtartalmú pigmentekkel és a hátoldalán újrahasznosított extrudált plexi üvegen (Perpex) permetezéseivel festek, egy könnyű, sima, fényes és néha törékeny felületre. Ez a folyamat megakadályozza, hogy a munka a fejlődés közben látható legyen. A folyamat során nincsen vizuális visszajelzés vagy kontroll – ezt szívesen fogadom. Engedem a „ véletlen kísérleteket” – bármi mehet, hogy a rációt kiiktassa, a rétegeket és tükörhatásokat, amelyeket létrehozok, irányítsa, és hagyja a kinyilatkoztatásra és felfedezésre a darab kiállításakor. De tegyük világossá: a képeimnél a szerencse soha nem hozza meg a döntést; legfeljebb feltesz kérdéseket; a lényegi „egyezmények” csak kemény fegyelemmel lehetségesek. Ez a megközelítés, amely összhangban áll a fotózás feltáró/fixáló folyamatával, kihívást jelentő és felszabadító. A kompozíció értékeit a rétegek és átlátszóságok gazdagítják, mégis minden egyes művet „aszétikus” minőséggel ruház fel: boldog vagyok, amikor felismerem a «tagadhatatlan szükségletek» - azaz amit megfigyelünk csendben és fényben.

Kifejezetten egyszerűen tartom megközelítésemet. Sem az «érzelem», sem a „elméleti felfogás” nem fontos; a lényeget: a létezés tapasztalata. Sem a „gyors fogyasztás”, sem az „intellektualizáció / intellektuális tulajdonlás” nem vezérel, hanem a tudatosság kiterjesztése és a valóság, látható és láthatatlan történeteinek feltárása, az életem keresése a „élet legközepéhez” – amit Alain Damasio „le vif”-nek nevez. Bár a nosztalgia mindig is része volt munkámnak, festményeimnek nincs tárgya. Mint minden tárgynak, nekik sincs sem tartalom, sem jelentés, sem értelem. Olyanok, mint dolgok, fák, állatok, férfiak vagy napok, amelyeknek nincsen oka a létre, nincs vég, nincs cél. Bár a munkám néha a színes üveg áttetszőségét és fényét idézheti, gyakorlatilag teljesen absztrakt marad. Ráadásul a plexi a festésnek csillogó bőrt ad, amelyen minden néző saját sziluettjét látja, minden néző másképp. Minden mű olyan, mint egy diszkrét tükör: él, változik, lát. A fény, a szín és textúra kölcsönhatása, a hiányzó részek is, csak empátiát igényelnek. Remélhetőleg a „részletek a közelieknek” – egy részlet egy teljesen új képet ad – és a „táv a teljeshez” közötti játék arra ösztönzi a nézőket, hogy saját introspektív utazásaikra induljanak.

Nem állítom, hogy minden válasz nálam van, és alázatos akarok maradni abban, amit el lehet érni. Egyszerűen a folyamatos kérdésfelvetés és növekedés folyamatával találom a legnagyobb megelégedést. Minden új alkotás egy szembesülés saját korlátaimmal, amely arra kényszerít, hogy csiszoljam képességeimet és tovább fedezzem, mire vagyok képes. Számomra a festés mindennapi mesterség, felfedezés, módja a tartalmas beszélgetések elindításának, egy olyan keresés, amely egy olyan festéket igényel, amelynek nincs szüksége ránk. Az informális korának még nincs vége.

Ahogyan Jean Bazaine mondaná: „A napi gyakorlás növeli a látás iránti szenvedélyt.”

A gyakorlatom koherenciájáról

A kortárs művészet tájképében, ahol a koncepció és a forma egyenlő súllyal bír, arra törekszem, hogy olyan művet hozzak létre, amelyet nem a kiemeltség, hanem a jelenlét határoz meg. A festményeim – plexin belüli fény és színek fodrozódó mezeijei – a gondos, hosszú, szándékos kutatás csendes eredményei. Számomra az igazi fókusz inkább a végső kép, mint a gondolat és a folyamat közötti csendes kölcsönhatás, amelynek kifejlődését lehetővé teszi.

Ez a gyakorlat három összhangban lévő szándékon nyugszik.

Az első: elvonulás az Olyan Jelentéstől, amelyet ráerőltetnek. Azáltal, hogy a műveket „tárgy nélkülinek” írjuk le, és „sem tartalmat, sem jelentést, sem értelmet” tulajdonítunk nekik, remélem, enyhén lazítani a narratíva dekódolásának elvárását. Ez egy hívás arra, hogy lépjünk ki a dekódolásból, és egy közvetlenebb szemlélődés felé.

Ez vezet a második szándékhoz: az élő tapasztalat primátusa. Ebbe a nyitott térbe igyekszem beilleszteni azt, amit „lét-tapasztalat”-ként gondolok. A mű kevesebb legyen értelmezendő tárgy, inkább egy csendes esemény, amelyet érezni kell – a fény elmozdulása, átlátszó rétegek és a néző saját tekintetének megidézett gyenge visszatükröződése által formálva. Ahogy gyakran megjegyzem, a darab „ él, változik, lát.”

A harmadik az, amikor az ötlet találkozik a kézzel: a Folyamat mint megtestesült gondolat. A plexi hátoldalán festeni, vizuális visszajelzés nélkül fizikai gyakorlata annak a leengedésnek. Tudatos kontroll elengedése a készítés aktusában. Feltételeket teremtek, de az eredményt átengedem, engedve, hogy a festmény önálló „tárggyá váljon”, amely csak akkor válik teljesen nyilvánvalóvá, amikor befejeződik. Ez egy csendes párhuzama a fotózás fejlesztésének – türelmes várakozás arra, hogy mi érkezik „itt és most.”

E szándékok fenntartása mellett néhány gyengéd paradoxon is táplálja a munkát:

A végzettség és a fegyelem
Arról beszélek, hogy meaningful ‘_coincidences_’ léteznek, de csak a gondos határokon belül lehetségesek. A véletlen egy üdvözölt vendég, de a szerkezetet gondosan építették fel.

Üzenet nélküli Kommunikáció
Remélem, hogy a „jelentéktelennek” nevezett műveimmel valamit át lehet adni. Talán amit megosztok, nem egy kijelentés, hanem egy állapot – fény textúrája, csendes jelenlét, kitáruló nyugalom.

A jelenkori nosztalgia
A munka feléled egy gyenge nosztalgia, amely a jelen felé irányul: a „tévedhetetlen szükségletek” utáni vágy, amelyet a „csend és fény”-ben található – a tiszta jelenlét utáni vágy, amelyet a mű maga csendesen kínál.

Erőfeszítés és Könnyedség
A folyamat állandó figyelmet igényel, mégis olyan eredmény felé törekszik, amely autonómnak érezhető, mintha „saját akaratából született volna meg.” Olyan dolgok felé vonz a megérzés, amelyeket teljesen elkerülhetetlennek érez.
Ehhez a szívemben úgy érzem, hogy „az informal kora csak most kezdődött el.” Gyakorlatom az Art Informel szellemének hatásához kötődik, bár talán kevesebb aggodalommal és több nyugalommal – egy informality, ahol a véletlen nem szakítás, hanem nyugodt együttműködő.

Lényegében a „le vif” – az élő lényege – keresése áll a szívén. A mű közvetlen élményt részesít előnyben, nem az intellektuálásra törekszik. A gyakran választott visszafogott méret arra szolgál, hogy intimitást hívjon elő, ne látvánnyal legyen tele.

Végül ez csak egy művész útja. Az én életrajzom, a folyamatom és a gondolataim nem külön szálak, hanem egyetlen törekvés részei. Meggyőződtem afelől, hogy a nyugodt paradoxonokra épülő gyakorlat nem kell, hogy törékeny legyen. A fegyelem és a tisztaság által ezek a feszültségek, úgy vélem, erőforrássá válhatnak.

Anton Kaestner