Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Egyedi darab, Anton Kaestner eredeti festménye, közvetlenül a műhelyből.
#485 - M - „Táj #1”.

Röplakkos akril spray a 3 mm-es plexiglas lemezre (UV-álló).
Ez a kép nem egy nyomat. Egy eredeti, „többrétegű” mű, amelynek fényes, tükrös hatása, amely a gyanta felviteléhez hasonlóan ragyog, egyedi.

Méret: 17,3 x 12,6 x 0,12 inches / 44 x 32 x 0,3 cm keret nélkül.

Ez a kép keret nélkül kerül szállításra.
Német márkájú Nielsen alumínium keret, 34 520 referencia, fehér tölgy furnér (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm), ajánlott és a szállítás során hozzávetőlegesen 90 EUR + ÁFA kiegészítő összegért elérhető.

A mű a hátulján alá van írva.
Egy Érvényesítő Tanúsítvány kíséri.
A kiszállítást biztosítás fedi.

Anton Kaestner svájci festő, szobrász és szerző Párizsban élő alapja. Művei mindenhol megjelennek Európában, Svájcban és Dubajban. Több információ és választék a www.antonkaestner.com oldalon.

Személyes kiállítás tervezete - Genf, 2027 január.

Biográfia

Genfben, Svájcban születtem, és felfelé növekedtem az otthonom természeti szépsége és kulturális gazdagsága között. A kreativitást a családomban értékelték, és a késői nagyapám, aki kézműves és művész volt, volt az, aki az én életem szenvedélyeinek magvát elültette.
1993-ban magánúton kezdtem festeni, számtalan akril festékkel az A4-es, majd az A3-as jegyzetfüzetekben kísérletezve – mindig éreztem, hogy a nagy képek közvetlenül feléd jönnek, dominánsak és megfélelmezőek, míg a kisebb alkotások sokkal többre képesek szerelem formájában. Először a non-figuratív festészet és az absztrakt expresszionizmus vonzott.
Idővel, miközben ateista vagyok, spirituális anyagok iránti vonzalom is kialakult, mert összhangban volt az emberi lét és a természet mélyebb igazságainak kutatásával.

Az út az, hogy igazi művésszé váljak, nem volt azonnali.

Több évtizeden át nemzetközi üzleti karriert folytattam, amely az Egyesült Államoktól kezdve Marokkóig, Belgiumig, Ázsián át Franciaországig vitt. Utazásaim szélesítették a látókörömet, különféle kulturális hatásokkal ismertetett meg. Bármerre jártam, belevetettem magam a helyi művészeti életbe, és minden hely kreatív energiájával találkoztam.

Jellegzetesen az üzleti karomra összpontosítottam, a művészet mindig is része volt bennem, csendesen lappangva a felszín alatt. Közel 30 évig a festés titkos meditációs formájává vált számomra — egy módja annak, hogy kiszakadjak a világból és a belső énemre figyeljek.

Mindig is rengeteg kielégülést találtam a festésben. Minden új mű egy út, ahol kipróbálhatom kreativitásomat, felfedezhetek új technikákat, és átélhetek valódi tapasztalatokat. Művészetemen keresztül mindig abban reménykedtem, hogy másokkal őszinte találkozást kínálhatok a szépséggel, lehetőséget adva a világnak egy másik szemszögből történő megismerésére és saját életeik elgondolkodására.

2023-ban, miután visszavonult az üzleti karrieremből, teljes mértékben a festészetnek szenteltem magam. Párizsi műtermet létesítettem, és teljes mértékben a művészetemnek szenteltem magam. 2024 végére megnyitottam közönség előtt álló művészi pályafutásomat, és meglepetésemre a munkám gyorsan elismerésre talált, magántulajdonú gyűjteményekben szerezve otthonokat egész Európában, különösen Németországban, Portugáliában, Belgiumban, Olaszországban és Hollandiában.

2025 végén költöztem egy nagyobb műterembe a Lisieux-ben található üres szentségtartóban, Normandiában.

Művészeti önéletrajz

Első szóló kiállításom, az „Écho-k” 2024 végén Párizsban mutatta be egy olyan egyedi megközelítést a művészethez, amely elütött a hagyományos festészeti technikáktól: akrilokkal, fémes pigmentekkel és permetekkel dolgozom a reciklált extrudált plexiüvegen (Perpex) hátán, amely könnyű, sima, fényes és néha törékeny felület. Ez a folyamat megakadályozza, hogy a munka a kifejlődés közben szemléltethető legyen. A folyamat során nincs vizuális visszajelzés vagy kontroll — ezt én is üdvözlöm. Engedem a „véletlenszerű kísérleteket” — bármi becsukhatja az ész lecsengését! — irányítani az eredményt, a rétegeket és a tükörhatásokat, amelyeket létrehozok, és teret adok a megvilágosodásnak és a felfedezésnek, amikor a darab végül ki van állítva. De legyen világos: a képeimnél a szerencse soha nem hozza meg a döntéseket; legfeljebb kérdéseket tesz fel; a jelentős „egyezések” csak nagy fegyelemmel lehetségesek. Ez a fotózás megvilágulási/fixálási folyamataival párhuzamba állítható megközelítés kihívást és felszabadulást kínál. A kompozíció értékeit a rétegek és áttetszőségek gazdagítják, miközben minden mű „aszetikus” minőséget kap: boldog vagyok, amikor felismerem az „irreducibilis szükségleteket”, azaz amit valószínűleg felfedezünk, amikor csendben és fényben megállunk.

Szándékkal egyszerűen tartom megközelítésem. Sem az „érzelem”, sem a „elméleti felfogás” nem számít, csak a létezés tapasztalata. Sem a „gyors fogyasztás”, sem az „intellektuálás/intellektuális birtoklás”, hanem a tudatosság bővítése és a valóság vizsgálata, a látható és láthatatlan történetek, a művészetem egy olyan keresés, amely az életet a maga szívéhez vezető élet keresése, amit Alain Damasio „le vif”-nek nevez. Bár a nosztalgia mindig is része volt a munkámnak, festményeim tárgytalanok. Mint minden tárgy, önmaguk tárgyai. Következésképpen nincsenek tartalmaik, nincsenek értelmeik és nincs céljuk; olyanok, mint dolgok, fák, állatok, emberek vagy napok, amelyeknek nincs semmi oka, sem vége, sem célja. Bár műveim néha a tanú és a könnyen átütő színek átlátszóságát idézik, közel teljesen absztraktak maradnak. Ezenkívül a plexi az ecsettel festett képet egy csillogó bőrt ad, amelyen mindenki saját árnyékát láthatja—új nézőnként mindenki másként lát. Minden alkotás olyan, mint egy diszkrét tükör: él, változik és lát. a fény, a szín és a textúra, a hiányzó részek kölcsönhatása csak empátiát igényel. Remélhetőleg a „részletek a közelre” és a „többre nézni” közötti játék arra ösztönzi a nézőket, hogy saját befelé forduló utazásukra induljanak.

Nem állítom, hogy mindent tudok, és igyekszem szerény maradni abban, amit elérhetek. Egyszerűen elégedett vagyok a kérdésfeltevés folyamatos folyamatában és a növekedésben. Minden új alkotás konfrontáció a saját határaimmal, amelyek arra kényszerítenek, hogy tökéletesítsem képességeimet és tovább felfedezzem, mire vagyok képes. A festészet számomra mindennapi mesterség, felfedezés, olyan módja a jelentős beszélgetések elindításának, egy olyan keresés, amely egy olyan festéket keres, amelynek semmi szüksége ránk. Az informális korszak még csak most kezdődött.

Ahogyan Jean Bazaine mondta: „A mindennapi gyakorlás megsokszorozza a látás iránti szenvedélyt.”

A gyakorlatam koherenciájáról

A kortárs művészet tájképében, ahol a koncepció és a forma egyenlő súlyt képvisel, arra törekszem, hogy olyan műveket hozzak létre, amelyek záróból nem a kiemelkedés, hanem a jelenlét szerint definiáltak. Az én festményeim — a plexin belüli szín és fény shimmeres mezői — a hosszú, szándékos vizsgálat csendes eredményei. Számomra a valódi fókusz nem a végső képen van, hanem a gondolat és a folyamat közötti csendes kölcsönhatás, amely lehetővé teszi, hogy az megjelenjen.

Ez a gyakorlat három összhangban lévő szándékon alapul.

Az első a Kötelező Értelmezés Elhagyása. A művek tárgy nélkülinek való leírásával és „nincs tartalom, sem értelem, sem jelentés” jelöléssel arra törekszem, hogy enyhén fellazítsam a narratívát felvető elvárást. Ez egy meghívás arra, hogy távolodjunk a megfejtéstől, és egy közvetlenebb fajta nézés felé.

Ez vezet a második szándékhoz: az Átélt Tapasztalat Primaritása. Abba a nyitott térbe igyekszem behelyezni azt, amit „lét-tapasztalatának” tekintek. A mű kevésbé legyen értelmezett tárgy, inkább egy nyugodt esemény, amelyet érezni lehet — alakítva a fénytől, áttetsző rétegektől és a néző saját tekintetével találkozó halvány fényvisszaverődéstől. Ahogy gyakran megjegyzem, a darab „él, változik, lát”.

A harmadik az, ahol az ötlet találkozik a kézzel: A Folyamat Testtudattá válása. Plexiüveg hátán festeni, vizuális visszajelzés nélkül fizikai gyakorlat, amely elengedést jelent. Tudatos kontroll feladása a megvalósítás pillanatában. Beállítom a feltételeket, de feladom az eredményt, hagyva, hogy a festmény önálló „tárggyá” váljon, csak akkor teljesen feltárulva. Ez egy csendes párhuzam a fotófejlődéssel — türelmes várakozás arra, ami itt és most érkezik.

Ezen szándékok fenntartásában néhány gyengéd paradoxon tartja a művet:

Szerencse és Fegyelem
A „értelmes „egyezések” kifejezéséről beszélek, de ezek csak gondos határokon belül lehetségesek. A szerencse üdvözölt vendég, de a struktúrát gondosan építik.

Üzenet Nélküli Kommunikáció
Remélem, hogy „értelmetlen” alkotásokon keresztül valami közvetíthető van. Talán amit megosztunk, nem egy állítás, hanem egy állapot — fény textúrája, csendes jelenlét, érinthetetlen nyugalmasság.

A Jelen Tárnyai Nosztalgia
A munka finom nosztalgiát idéz, mégis a most felé irányul: az irreducibilis szükségletek utáni vágy, amelyet a „csendben és fényben” találunk — a tiszta jelenlét utáni vágy, amit a mű maga csendesen kínál.

Folyamat és Fáradozás Nélküliség
A folyamat tartós figyelmet igényel, mégis olyan eredményre törekszik, amely autonóm érzésűnek tűnik, mintha „önmagától jött volna”. Arra vonz a benne rejlő olyan elemi életszerűség, amely ezt ésszerűnek érzi.

Ebben a szellemben úgy érzem, hogy „az informális korszak még csak most kezdődött”. A praxisom az Art Informel szelleméhez kötődik, bár talán kevesebb szenvedéssel, több nyugalommal — egy informalitás, ahol a szerencse nem szakadás, hanem csendes közreműködő.

Saját lényegében a „le vif” keresése áll. A munka inkább a közvetlen élmény felé hajlik, mint az intellektuálizálás felé. A gyakran választott szerény méret az intimitás elősegítésére szolgál, nem a látványosságra.

Végül ez csupán egy művész útja. Az én életrajzom, a folyamatom és a reflektálásaim nem különálló szálak, hanem egyetlen törekvés részei. Meggyőződtem arról, hogy a csendes paradoxonokra támaszkodó gyakorlati mindset nem feltétlenül törékeny. A fegyelmezettség és a tisztaság révén ezek a feszültségek, véleményem szerint, ellenálló erő forrásai lehetnek.

Anton Kaestner