Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

„Rupture” létrehozva oTitle: Rupture
Művész: Sonia J. (1971, Portugália)
Gyűjtemény: Itt, Ott és Mindenhol
Akril és vegyes technika vásznon
Méret: 116 × 148 cm (XXL formátum)
Év: 2025
Állapot: Új – közvetlenül a művész stúdiójából.
Aláírás: kézzel aláírva a hátoldalon.
Tanúsítvány: Tartalmaz egy aláírt hitelességi tanúsítványt.
Szállítás: Feltekerve egy erős védőcsőben (nyomon követhető + biztosított)


A műalkotás leírása:

„Rupture” — a Here, There and Everywhere sorozatból — egy olyan napon készült, amikor több érzelem ütközött össze: szomorúság, öröm, harag, zavarodottság és az a sürgős szükség, hogy megértse magát nőként. A mély, rétegzett kék árnyalatok egy atmoszférikus introspekciós mezőt alkotnak, csendes, mégis erőteljes jelenléttel kötve a festményt.

A központban vörös és zöld villanások tűnnek fel, mint egy elmerült szívverés — nyers, megoldatlan és egyértelműen emberi. Ezek a színek nem keresnek egyensúlyt; emelkednek és megszakítanak, megtestesítve az érzelmi repedéseket, amelyek felszínre törnek, amikor a belső világ már nem tartható tovább.

A mű során végig jelen lévő gesztusjelek inkább vallomásosak, mint díszítők. Minden vonás hordozza a feszültséget az elnyomás és a kitörés, a csend és a kifejezés, az önfegyelem és a felszabadulás között. A „Szétszakadás” nem a harmóniára törekszik — elfogadja az élet tapasztalatainak összetettségét és ellentmondásosságát. Feltárja a szív bensőséges töréseit, azokat a sebezhető pillanatokat, amikor az érzelem befelé ömlik, nem kifelé.

A dekoráció szempontjából ez az XXL darab erőteljes érzelmi mélységet visz a kifinomult belső terekbe. Gazdag, kifinomult palettája és parancsoló jelenléte kivételes fókuszponttá teszi a kortárs lakóterek, építészeti környezetek, gyűjtői otthonok és luxus környezetek számára. A „Rupture” egy merész, elegáns kijelentésként áll — intenzitást, árnyalatokat és csendes erőt hoz minden olyan térbe, amely az artot érzelmi súllyal tiszteli.

A művészről — Sonia J. (Portugália, 1971):

Az igazgatósági termektől a vászonig...
A VÁLLALATI ÉRZÉKTŐL A NYERS TERMÉSZETIG...
A stratégiától a vászonon túlmutató vízióig...
Nők felhatalmazása a művészet által.

Én két világ között élek — az egyik a precizitás által épített, a másik az érzelem által visszanyert világ. A 'Dual Hirathe' az a hely, ahol ezek találkoznak.

Három évtizedet töltöttem egy olyan világban, amelyet tisztaság, sebesség és kontroll jellemzett. Minden döntést mérlegeltem. Minden perc számított. Minden cél egy stratégiai térkép vonala volt. Ez az élet precizitáson alapult — elemzés, izgalom, kihívás és időnként fogyasztás. Évekig hittem, hogy a vezetés azt jelenti, hogy súlyt viselni kegyelettel, soha nem habozva, soha nem lassítva. Körülöttem olyan emberek voltak, akik az ambíció és a logika hajtóerejével éltek, és megtanultam kiválónak lenni ebben a struktúrában. De valahol a folyamatos mozgás és a kifinomult találkozók között kezdtem elveszíteni a saját hangom hangját. Amikor végül megálltam (2024 közepén) — valóban megálltam —, amit hallottam, az a csend volt. Nem üresség, hanem egy olyan csend, amely tele van lehetőségekkel. Olyan, ami arra ösztönöz, hogy valami új szülessen. Ez volt a metamorfózisom kezdete.

A munkám a világok közötti párbeszédből születik — a racionális és az intuitív, a mérhető és az ösztönös között. Ez tükrözi az utat az üzleti érzékektől az expresszivitásig, a globális stratégia életétől a textúra, a csend és a táj által formált életig. Három évtized vezető szerep után a vállalati szférában megtanultam a szerkezet nyelvét — a tisztaságot, a pontosságot, a célt. Ez edzette meg a szememet, hogy rendszereket lássak, mintákat ismerjek fel, és egyensúlyt találjak a komplexitás és az egyszerűség között. De amikor a művészethez fordultam, ez a nyelv kezdett feloldódni. Helyette egy másik szókincs jelent meg — tapintható, érzelmi, folyékony — amelyet csak pigment és homok, vagyis egy vászon idővel fejlődő rétegezett türelme közvetíthetett.

Elhagyni a vállalati világot nem egyetlen bátorságot igénylő tett volt; inkább fokozatos feladás volt. Először próbáltam ugyanazokat a szabályokat alkalmazni az új életemben — célokat, eredményeket, teljesítménymutatókat. De a művészet nem volt kezelhető. Sebezhetőséget követelt. Megkövetelte, hogy hallgassak, ne irányítsak. Amikor először érintettem egy üres vásznat, nem tudtam, hogy ez lesz az új nyelvem. Csak azt tudtam, hogy a szavaknak vannak határai, és az érzelmek — amelyeket az határolt el a hatékonyságtól és a professzionalizmustól, amit eltemettem — kérik, hogy lélegezzenek. A színek váltak a szókincsemmé. A textúra lett a szintaxisom. Minden réteg homokból, gessóból és pigmentből azt mondta, amit még nem tudtam hangosan kimondani: hogy a változás nem arról szól, hogy eltüntessük, aki voltál, hanem arról, hogy minden önmagad változata együtt élhessen.

Vezetésben férfias energiával éltem: határozott, elemző, kifelé forduló. A művészetben pedig találkoztam annak párjával — a nőies energiával: befogadó, intuitív, belül bővülő.
Sem egyik sem felülmúlható; mindkettő szent. Rájöttem, hogy a teremtés pontosan ott történik, ahol ezek két találkoznak. Túl sok szerkezet merevvé teszi a művészetet, túl sok áramlás pedig szétesik káoszba. Ugyanez igaz az életre is. A festés megtanított az egyensúlyra. Emlékeztetett arra, hogy az erő a nyugalomban is létezhet, és hogy az érzékenység nem gyengeség — ez más formában a bölcsesség. Sok szempontból a gyakorlásom az energiák egyeztetésévé vált: az határozott és az engedékeny, a konkrét és az éteri, a logika, amely felépítette a múltamat, és az intuíció, amely meghatározza a jelenemet.

Most két világ között élek: a múltam kozmopolita intenzitásában és a Serra da Estrela nyers nyugalmában, azon hegyvidéki tájban, amely most műhelyemet és lelkemet formálja. Lisszabon betongeometrikájától a kő és szél természetes eróziójáig, kreatív ritmusom tükrözi ezt a váltást — a gyorsulástól a nyugalomig, a teljesítménytől a jelenlétig. Texturált absztrakció révén ezeket az életben átélte ellentéteket vizuális formába öntöm. Festményeim érzelmi topográfiák — rétegezett felületek, ahol a kitartás, a felszabadulás és a csendes erő együttesen létezik. Nem helyek ábrázolásai, hanem létezés állapotai: belső tájak, amelyeket mozgás, emlék és metamorfózis formál.

Munkám folyamatosan két ellentétes erő között mozog — a rend és az érzelem, a fény és az anyag, az emlék és az újjászületés, a logika és az intuíció, a vezetés és a kreativitás, az irányítás és az átadás, a múlt és az újjászületés, a stratégia és az érzékenység, a vállalati precizitás és a nyers természet között. Ezek az ellentétek nem ellentmondások, hanem változó harmóniák. Ez a súrlódás teremti meg a kifejezést, az észrevehetetlen pulzust minden jel alatt, amit hagyok. Minden vászon a kontrollal való párbeszéddel kezdődik — azzal a részemmel, amely még mindig szerkezetet, tisztaságot és eredményt keres. De ahogy a folyamat halad, a kontroll átadja helyét az ösztönnek. Még akkor is, amikor a káosz látszólag uralkodni próbál, szándékom továbbra is emberi marad — tükrözni azt az érzelmi egyensúlyt, amit mindannyian keresünk az erő és az átadás között, a szervezettség és a szabadság között.

Hiszem, hogy a művészet nem luxus; ez egy út vissza önmagunkhoz. Egy olyan világban, ahol a kimenet értékesebb, mint a jelenlét, a művészet lelassít minket, hogy újra érezzünk. Számomra a művészet a gyógyulás — nem a veszteség helyreállítása, hanem a felejtésé. A lágység, az érzékiség, a egyszerű létezés mérhetetlen szépsége. Tapintati absztrakció révén nem azért alkotok, hogy lenyűgözzek, hanem hogy megnyugtassak, megfeszítsek, helyreálljak. Munkám a tapintásra hív — nem szó szerint, hanem érzelmileg. Arra kérem a nézőket, hogy időzzenek el, lélegezzenek, és érezzék saját reflexiójukat a textúra csendjében. Olyan helyekre festek, ahol nyugalomra van szükség, és nők számára, akik életüket másokkal töltötték, vezetve, elérve, előadva. Művészetem menedéket kínál számukra — egy pillanatot, amikor nem kell bizonyítaniuk, elérniük vagy magyarázniuk. Minden festmény egy csendes lázadás a termelékenység zajával szemben. Emlékeztet arra, hogy a nyugalom is lehet erőteljes, és a gyógyulás csendben is megtörténhet.

A Dual Hirathe több mint egy cím; ez az én művészi identitásom — egy iránytű minden alkotásomhoz. A 'Hirathe' a tűzhelyből és a szívből ered, a melegségből és az eredetből, abból a bensőséges helyből, ahol a teremtés kezdődik. A 'Dual' az ellentétek együttélését jelképezi — a két világot, amelyben élek: a strukturált, logikus vezetői világot és az intuitív, érzéki művészi világot. Együtt a 'Dual Hirathe' a kettősségben lévő szív — az élő metszéspont, ahol az elme és a test, a rend és az érzelem, a férfi és a nő találkozik. Ez az impulzus mozgatja a munkámat, a láthatatlan szerkezet minden ecsetvonás, textúra és vonal mögött. Amikor a gyűjtők az alkotásaimmal élnek, nem csupán egy képet szereznek be — azzal a kettősséggel lépnek kapcsolatba. A vonal a tükörük lesz: egy feszültség, amit érezhetnek, egy küszöb, amit átléphetnek, egy meghívás arra, hogy a gravitáció és a kegyelem közötti térben éljenek.

Minden gyűjteményem egy nagyobb beszélgetés töredéke — egy folyamatos átalakulás narratívája. Különböznek hangvételben, ritmusban és formában, mégis egy közös kérdés köti össze őket: hogyan egyeztetjük össze a struktúrát a szabadsággal?

Évek óta a logika révén vezettem, most pedig az érzés által vezetek. Ami egykor stratégia volt, az érzékenységgé vált — egy váltás az eredmények irányításáról az élmények formálására, a szervezetek irányításától az érzelem formálásáig a formán keresztül. Művészetem hidat képez a MŰVÉSZET ÉS A TERVEZÉS között, az érzelmet kézzelfogható jelenlétté fordítva. Minden alkotás több mint egy kép; egy környezet — egy élő felület, amely kölcsönhatásba lép a térrel, a fénnyel és az emlékekkel. Olyan szerzői munkák, amelyek az emberekkel együtt élnek, nem pedig tőlük elszigetelten. Legyen szó magánlakásról, hotelről, céges hallról, galériáról vagy múzeumról, festményeim az élmény architektúrájának részeként születnek. Szabadon kell lélegezniük, tartaniuk, gyógyítaniuk — nem díszítésként lógniuk, hanem a körülöttük lévő légkört átalakítva.


Számomra a művészet nem tárgy. Ez egy atmoszféra, egy PORTÁL — tapintható, vizuális nyelv a harmóniáról és a jelenlétről. Rezgés által él: szín, textúra, csend és fény párbeszédben a benne lévő térrel. Amikor valaki egy festmény előtt áll, nem valami külső dolgot figyel meg; rezonancia mezőbe lép be. Egy texturált felület, egy finom vonal, egy elnyomott tónus — ezek meghívások arra, hogy lassítsunk, újra kapcsolódjunk, másképp lélegezzünk. Minden alkotás hordozza az emberi gesztus emlékét — az energiát, ami láthatóvá vált.

Egy vállalati térben ez az energia lágyítja a merevséget. Egy magánlakásban megteremti az alapozást és az intimitást. Egy wellness központban vagy hotelben visszaállítja a nyugalmat. Egy galériában beszélget a fény és az építészet által, átalakítva a elmélkedést érzelemmé. Egy múzeumban dialógussá válik — a múlt és a jelen között, a néző teste és a kollektív emlékezet között. Egy kiállításon összegyűjti a jelenlétet — egy szín, anyag és csend koreográfiáját, amely idegeneket köt össze közös nyugalmon keresztül.

Bárhol is létezik, ott jelenlétet teremt — az a láthatatlan, mégis érzékelhető változás, amely életet ad egy térnek, és a „jelenlét az új luxus”. - Sonia J.

A 'Authority to Experience': A művészeti világ változik.
Századokon át az autoritás révén működött — múzeumok, szakértők, gyűjtők döntöttek arról, mi számít. De ma, a 21. században, az autoritáson alapuló rendszerről az élményalapúra váltunk. A művészet már nem kizárólag fehér falak vagy exkluzív termek foglya; egyre inkább beépül a mindennapi élet ritmusába. Az emberek szeretnének együtt élni a művészettel — érezni, lakni benne, hagyni, hogy befolyásolja környezetüket és érzelmeiket. És pontosan ezt teszi egy olyan platform, mint a CATAWIKI — segítve az embereket az ART-tal való együttélésben! Ezért vagyok én is itt.

Festményeim nemcsak galériák vagy kiállítások számára készülnek. Annak ellenére, hogy a galériák a művészet legdemokratikusabb terepei maradnak — helyek, ahol a teremtést a legőszintébb formájában találhatjuk meg, fizikailag átélhetjük, és érzékeink, nem rendszerek határozzák meg értékét. Festményeim azoknak a tereknek is szólnak, ahol az élet valóban zajlik — otthonoknak, wellness-központoknak, irodáknak, hoteleknek, múzeumoknak, amelyek a tapintást és az interakciót ösztönzik. Olyan korszakhoz tartoznak, ahol a művészet összeolvad a tervezéssel, az építészettel és az érzelmi jólléttel. Számomra ez nem hígítás — ez bővülés. A művészet visszatérése eredeti céljához: az emberi élet kísérése, szent terek megjelölése, kapcsolatok kialakítása.

Nagy művészek, mint Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — és sok más — soha nem a galériák vagy múzeumok szemszögéből alkottak. Kényszerből, belülről kifelé festettek. Vásznaik túlélés eszközei voltak — a lélek tükrei, a lélegzet kiterjesztései. Nyers őszinteségükkel új kifejezési nyelveket teremtettek; NEM A MEGNYERÉSÉRT, HANEM A LÉTEZÉSÉRT. Sokuk mélyen küzdött — elszigeteltséggel, szegénységgel, depresszióval — némelyikük saját belső káoszával is harcot vívott. És mégis, művészetük fennmarad, mert beszél a kollektív szépség, értelme és érzelmi igazság iránti vágyról. Nem az volt a céljuk, hogy történelmet írjanak; az érzés volt a cél — és ezzel lehetővé tették a művészet saját fejlődését. Újra emlékeztetnek minket, hogy a művészet legmagasabb célja nem a presztízs, hanem a JELENLÉT! Mindig is az emberi élet része volt — hogy tanúskodjon az örömről és bánatról, hogy otthonokat és szíveket töltsön meg, hogy szent helyeket és közös pillanatokat jelöljön ki.

A vászon mögötti látomás
Tehát a 21. században a művészet célja nem az, hogy ötven évig várjon a múzeumok vagy galériák elismerésére – hanem az, hogy ÉLJEN MOST – hogy párbeszédben legyen mindennapi életünkkel, átalakítsa az általunk lakott környezeteket, és az érzelmeket valós időben ébressze fel. A művészet ma velünk kell lélegezzen: otthonainkban, munkahelyeinken, kikapcsolódásainkban, városainkban, intézményeinkben, társadalmunkban, bolygónkon és csendes zugainkban. Integrálódnia kell életmódunkba, nem pedig távolról, mint valami, amit meglátogatunk. Lágyítania kell a modern élet építészetét, és újra be kell vezetnie az érzékenységet térségeinkbe. Ez az a vízió, amit a vásznon túl hordozok – hit, hogy a művészet értéke nemcsak az ábrázoltban rejlik, hanem abban, amit felkelt. Ahogyan azok, akik előttünk éltek, a belső viharaik túléléséért festettek, én azért festek, hogy újra összekapcsoljam a modern létezés töredezett részeit – az érzelmet a környezettel, a logikát az érzéssel, a művészetet az élettel. Ez a művészet fejlődésének új fejezete: NEM AZ ESZTÉTIKA ÉS A TAPASZTALÁS SZÉTVÁLASZTÁSA, HANEM ÚJRAEGYESÍTÉSE – ahol a művészet ismét azzá válik, ami mindig is volt: emberi szükséglet.

Ebben a látomásban a művész egyaránt alkotó és zeneszerző lesz — alakítva nemcsak azt, amit látunk, hanem azt is, hogyan érezzük. Minden döntés — a pigmenttől a méretig, a textúrától a helyezésig — a szoba energiájára és az ott élő emberekre reagál. Gyakran gondolok a festményeimre, mint az érzés építészetére. Megerősítik a teret, mint csendes társak, ritmust hoznak a ürességbe, nyugalmat a káoszba. Nem kényszerítik rá a jelentést; meghívnak a tapasztalásra. Amikor belsőépítészekkel vagy kurátorokkal dolgozom, a párbeszéd túlmutat az esztétikán. Arról szól, hogyan növelheti a mű a tér érzelmi építészetét — hogyan fokozhatja a fényt, egyensúlyba hozhatja az energiát, vagy kontrasztot teremthet, ahol nyugalomra van szükség. Ez az érzékenység és stratégia ötvözete, folytatása az előző életemnek — de kreatív formába öntve. Ez két intelligencia találkozása: az üzleti stratégia racionális precizitása és a művészi vízió intuitív mélysége. Nem a logika elutasítása, hanem annak átalakítása empátiává. Ahol korábban csapatok keretrendszereit terveztem, most az érzelmek számára tervezek környezeteket.

Élő környezetek
Végső soron munkám egy integrációs aktus — a vállalati múltam szerkezeti világosságát az art organikus folyékonyságával ötvözve. Minden vászon egy ökoszisztéma: szín, textúra, gravitáció és csend találkozik egyensúlyban. Egy olyan világban, amely gyakran széttöredezik — elválasztva az elmét a testtől, a művészetet az élettől, az észt az érzelemtől — arra törekszem, hogy újra összekapcsoljam, amit a modern élet széttört. Ez az, amit művészeti integrációnak nevezek: az esztétikai, emberi és térbeli élmény újjáegyesítése. Festményeimet nem csak nézni kell — velük élni kell. Ők társak, horgonyok, nyugalom küszöbei. Emlékeztetnek minket arra, hogy a művészet még mindig jelentéssel bírhat egy hiper-digitalizált világban — nem magyarázattal, hanem jelenléttel.

Ez a látomásom a vásznon túl: visszahozni a művészetet a mindennapi létezésbe, emberibbé tenni a tereket, és helyettesíteni a hatalom zaját az élmény intimitásával. Gyűjteményeim nem a reprezentációról szólnak, hanem a jelenlétről. Nem csupán díszítésre készülnek, hanem LAKNI — olyan atmoszférákat teremteni, amelyek megalapoznak és gyógyítanak. Egyaránt természetes részei egy magán- és közösségi térnek, egy vállalati környezetnek és egy hegyi háznak. A látomásom, hogy a művészet része legyen életmódunknak, ne csak néznivaló — átalakítani a tereket élő környezetté, ahol az érzelem és a design összefonódik, ahol a művészet a megújulás atmoszférájává válik. Az üzleti érzékenységtől az expresszivitásig, a kozmopolita ritmustól a hegyi nyugalomig — minden festményem mindkét világot hordozza magában, és hidakat épít a logika és az intuíció között, az emberi rend iránti vágy és a lélek szabadság iránti szükség között. Minden vászon ezeknek az erőknek a tárgyalása — és ebben a tárgyalásban találja meg saját hangját a művészetem.


Művészi eredmények és kiállítások

Sonia J. növekvő nemzetközi elismerései közé tartozik:

• Portfólió áttekintés — Charlotte Paritzky, a Z&B Gallery igazgatója és az OBRA Art társalapítója (2025. május)
• Top 10 berlini kortárs művész (2024–2025)
• 5. Nemzetközi Kortárs Művészeti Vásár, IT’S LIQUID Group — Barcelona, Spanyolország (2025. július 18–28)
• Hónap művésze — IT’S LIQUID Group (2025. szeptember)
• Braga Kortárs Művészeti Kiállítás — Braga, Portugália (2025. szeptember 12–14)
• Portfólió áttekintés — Quentin Métayer, PR & Kommunikáció, Perrotin (2025. október)
• Portfólió áttekintés — Flavio Scaloni, galériaigazgató, Galerie Lo Scalo (2025. október)
• Gyógyászati Egészségügyi Központ Projekt — megrendelésre készült teljes gyűjtemény egy egészségügyi térhez Portugáliában.
• Jogász Közjegyzői Iroda Művészeti Projekt — megbízásból készült teljes gyűjtemény a Blues Collection ihletésével
• SensesART, IT’S LIQUID Group — Lecce, Olaszország (2025. december)
• Európai Művész Díj 2025 — IT’S LIQUID Group, Velence, Olaszország (2025. december 5.)
• Verona SPA Art Project — teljes kollekció megrendelése egy veronai hotel spa számára, mediterrán textúrák ihlette
Kiemelt művész a Singulart, az Artmajeur platformokon, valamint szerepel az Artprice.com-on.
• AKOUN értékelés (2025 júniusa) — Hivatalosan tanúsított 550 €-ért a 15P formátumhoz (65 × 50 cm)

Csomagolás és szállítás

A műalkotást erős védőcsőben, savmentes papírba és többszörös megerősítési rétegekkel csomagolva küldjük, hogy teljes biztonságot nyújtson, és jelentősen csökkentse a szállítási költségeket.
A szállítás tartalmaz követőszámot és biztosítást.

Becsült szállítás
• EU: 3–7 nap
• Nem-EU: 7–15 nap (feltéve, hogy vámkezelés függvénye).