Agathe Toman - CLOUD #8 1/15

この作品はアーティストの「COLLECTION PARTAGÉE（共有コレクション）」の一部です。光沢紙のファインアートプリントで、粒子感のある写真。フランス・セニョスカ／セニョスの白い内湖で撮影。2026年春。
写真は巻いた状態でお届けします。額装はされておらず、真作証明書がアーティストの署名入りで同封されます。番号入り・手書き署名入りの作品で、前面・背面のサイン入り。高品質のダイジグラフィック・ファインアート・顔料プリント。
Agathe Toman は2021年よりSotheby’sにて評価されています。

アーティストの略歴：
1989年生まれ。フランス、オーストリア、チェコの血統を持つ多分野にわたるフランス人アーティスト、Agathe Tomanは、絵画から詩へ、彫刻・デッサン・写真へと才能を広げる現代美術家です。パリのシャンクルール・ド・ラ・クチュール協会付属の名門学校での学習と、パリのフランス高級ブランドの maisons de haute couture でのスタイリスト経験を経て9年前、創作活動に専念する必要性を感じました。現在はランデス地方に13年在住、国内外の美術シーンで頭角を現す新星として評価を高めています。

Sotheby’sに2021年から掲載され、3回のオークションにかけられてきたことは、彼女の急速な成長と名門美術界での受け入れを物語っています。特にArt Parisなどの複数のサロンでの顕著な貢献が大きな成功を生み、世界各地の私設コレクションにもその存在感を確固たるものにしています。

Agatheのパレットは黒と青の深いニュアンスを好み、動く控えめな色彩のシーンを描き出します。彼女の絵画は純粋な顔料・インク・油彩・アクリルの強い発色を用い、隠れたものと結びつきを取り戻すような力を持ち、観る者を視界の外へと誘い出します。キャンバスには自らの経験のエコーが宿ります。
彼女のデッサンは、Bicボールペンで描かれたものに不安定なまでの引力を与えています。
Agatheの写真はカレイドスコープ的な抽象性で観る者をかき乱し、静かな感覚と完全なる無重力の記憶を呼び覚まし、私たちの始まりへと導きます。
数百篇に及ぶ詩は彼女の世界をリリカルな言葉で形づくり、冬の2024年に初の詩集『You will have to learn to smile again』が刊行されます。

美術の実践を超え、Agatheは分析的心理学（トランザクショナル分析）の研究にも深く関与しており、パリで4年間学んでいます。この探究は彼女の思考過程を豊かにし、心理的な深さを芸術に組み込む力を与え、作品には新たな厚みを宿します。

Agatheは芸術と社会的関与を切り離しません。作品は精神衛生、環境、教育といった重大なテーマへと集中しています。これらの思考の軸は芸術作品だけでなく、彼女のアイデンティティと人格にも不可欠な要素です。

彼女の活動はForbes、L’Oeil、Elleなどの著名誌で称賛され、現代美術の領域における影響力を示しています。

Agathe Tomanは世界中の観客を魅了し続け、彼女の作品を通じて人間の経験の複雑さを映し出す窓を提供します。彼女はその経験を大いに惜しみなく共有します。

私のヴィジョン：
私の仕事は、精神と身体の深い結びつきを探り、精神と物質の対話を織り成します。環境の中での機能の仕方、紐づく関係性、そして知覚可能・不可視の振動を問います。
アイデンティティ、記憶、人間性、そして個人とその環境の関係といった主題を探究します。私の作品はいっそうの情動的な深みと緊張感を宿し、観る者を内省へ誘い、潜在意識への扉を開きます。

私はこの意志を、作品そのものの物質性に刻み込みます。断然抽象的でモノクローム、ニュアンス豊かで、闇と光が共存する場所、青が黒に触れるとき、あるいはただひとり輝くとき。私たちは光の不在と存在の間にいます。
私の絵画、インスタレーション、デッサン、写真はいずれも独自の創造であり、模倣から解かれた純粋な感情、不可視の覚醒を呼び起こします。作品は内面の未 revelation の側面の鏡となるのです。

私の技法は、私の手と顔料、木炭、ボールペン、絵具との繊細な結びつきを通じて、紙やキャンバスに材料を置くことによってのみ生まれます。手法は決して同じにはなりません。結果もまた制御されない独自性を持ちます。
私は素材の動きを定着させ、光の密度を高め、それに私自身を注ぎ込み、私自身の覚醒を促します。

いつも何か予想外のものが潜んでいます。何か思いがけないもの。言葉にできない強烈な内省的刺激が私たちを支配し、私たちを包み込みます。水、重力、樹皮といった普遍的存在が観察者を力強く変化させます。独自の痕跡が浮かび上がり、抒情的な抽象が生まれ、私の作品は自画像、私の一部の肖像でもあります。
私の創作は「心の状態の物質化」であり、人間の風景、魂の糸であり、他者の同化を促す場です。
その価値は美的な美しさにあるのではなく、作品が観る者にもたらす振動にあります。二つの感性が出会い、もはや二つの個人が別々に存在するのではなく、ひとつの生きた過程となるのです。作品は即時性を超え、私たちの関係を新しく結び直す生き物として捉えます。

観る者はやがて創造者となり、心理的共鳴のアルケミーの中で作品に息吹を吹き込みます。
自分自身、世界、他者への新しい視点へと導く歩みを始めます。

もし観る者が受け入れるなら、それらの心理的共鳴は一本の同じ交響曲へと調和し、対話が始まり、リズムが感じられます。魂のアナモルフォーゼが現れ、捉えがたい反映が浮かび上がります。これは詩的な体験です。
強く、力強い存在感。要求性の高い体験。

私の作品が人間の精神を研ぎ澄まし、魂を鋭くし、感情が共鳴するように、言葉が響くようにしたい。
重要なのは、作品が私たちの内に動員するものと、その出会いの成果です。

「精神的な苦悩は、主観的象徴化の過程から逸脱するすべてのものにつながる。私たちは内的にブロックされ、あるいは精神的に刻まれるのを待っているものに苦しむ。人は出来事や特定の思考だけで苦しむのではなく、内にあるある過程が鏡・反響・聴こえの反響・受容を見つけられず、さまようままである時に苦しむのだ。」ー レネ・ルシオン『臨床一般心理学・精神病理学の手引き』146ページ。”}