Agathe Toman - CLOUD #4 14/15

この作品は、アーティストの「COLLECTION PARTAGÉE（共有コレクション）」の一部です。グロス仕上げのファインアート用紙。
アート写真、粒状感を伴う写真。フランス、オセゴールで撮影。2021年夏。
写真は巻いた状態でお届けし、額装はされていません。作品には、若干の著者証明書が付随します。作家自身が署名・日付・前面と背面で署名済みの真贋証明書が同梱されます。作品は番号付きで、手書きサイン入りです。 Agathe Toman は 2021 年からソティーズに掲載されています。

作家の略歴：
1989年生まれ。フランス系、オーストリア系、チェコ系の出自を持つ Agathe Toman は、絵画から詩、彫刻、デッサン、写真まで幅広い分野を手掛けるフランスの多分野のアーティストです。パリの高級仕立て通信社（Chambre Syndicale de la Couture Parisienne）付属の名門学校での学業のあと、パリのフランスの一流メゾンでスタイリストとして活躍した9年間を経て、創作活動に専念する必要性を強く感じました。
現在はラン＝ド＝リュット地域に13年間居を構え、現代美術シーンの著名な存在として国内外で高く評価されています。

2021年以降ソティーズに掲載されており、作品は三度のオークションにかけられるなど急速な評価の高まりを示しています。アート・パリなどの様々なイベントへの参加が大きな成功を収め、世界各地の私的コレクションにもその存在感を確立しています。

Agathe のパレットは、深い黒と青のニュアンスを際立たせる抑制された色彩構成を特徴とし、純粋な顔料、インク、油彩、そして強烈な発色を持つアクリリックを用い、表現の手法は隠れたものと結びつきを取り戻そうとする意図を持ち、視覚の外へと観者を運び出します。キャンバスには作家自身の経験のエコーを響かせ、強い力を放ちます。

彼女のデッサンは、BICボールペンで描かれ、その引力は不可思議なほど強烈です。
Agathe の写真はカレイドスコピックな抽象性によって観る者を惑わせ、静かな感覚の洪水へと包み込み、私たちの起点である完全な無重力の記憶を呼び起こします。
彼女の何十篇もの詩は、彼女の世界をリリシズムで満たし、2024年冬に初の詩集『You will have to learn to smile again』が刊行予定です。

芸術活動を超え、Agathe は現在パリで4年間、分析的分析（パイセコロジー）に深く関与しており、この研究はその概念的プロセスを豊かにし、心理的な深みを作品へと取り込み、厚みのある表現を生み出す手助けをしています。
Agathe は社会的な取り組みと切り離して芸術を考えません。彼女の作品は、メンタルヘルス、環境、教育といった重要なテーマに焦点を当て、それらは作品の中だけでなく、彼女のアイデンティティと人格の一部として存在しています。

彼女の活動は Forbes、L’Oeil、Elle などの名高い出版物で認識・称賛され、現代美術分野における影響力を強く示しています。

Jacqui Ottoman は人々を魅了し続け、世界中の観客にインスピレーションを与え、作品を通じて人間経験の複雑さを映し出し、芸術へと変換する窓を提供しています。彼女は多大な寛大さをもってその経験を分かち合います。

"私のビジョン：
私の作品は心と身体の深い結びつきを探り、精神と物質の対話を織りなします。それらが環境の中でどう機能し、どのような結びつきを作り出し、可視にも不可視にも響く振動を生み出すのかを問います。
Identity、記憶、人間性、個人と環境の関係といったテーマを探究します。私の作品は深い感情の層と緊張感を宿し、観る者を内省へと誘い、潜在意識へと通じる道を開くのです。

私はこの意志を、作品自体の物質性に刻み込みます。決して模倣には走らず、モノクロームで微妙な抽象表現を通じて、闇と明晰が並走する領域を描き出します。青は黒と接触するたびに燈火を灯し、単独で輝くこともします。我々は光の不在と在り方の中にいます。
絵画、インスタレーション、デッサン、写真はすべて別個の創造物であり、模倣から解放され、純粋な感情の覚醒を呼び起こし、不可視の目覚めを喚起します。これらの作品は内面的な側面の鏡となるのです。

私の手と顔料、木炭、ボールペン、絵具との緊密な結びつきは、紙やキャンバスに素材を置くことで生まれる独特のひらめきです。私の制作技法は決して同じにはなりません。制御されない結果を生み出し、独自性を高めます。
私はこのようにして、素材の動き、光の密度を固定し、そこへ自分を吹き込み、自己の覚醒を促します。

いつも何か予期せぬものが潜んでいます。何か予想外の出来事。言葉にできないまま強く凝縮されたその中身が私たちを従わせ、包み込みます。水、重力、樹皮といった普遍性が、観察者をその力で変容させます。独特に唯一の痕跡が生まれ、叙情的な抽象画となり、私の作品は自画像、私の一部の肖像となります。
私は作品を「心的状態の物質化」と呼び、人間の風景、私の魂の糸を描く窓として、他者をもそこへ溶け込ませるよう誘います。
その価値は美的ではなく、作品が観る者の心に生み出す振動にあります。二つの感性が出会い、もはや二つの独立した存在ではなくなる過程です。これは生きたプロセスであり、作品は瞬間を超越します。私はそれらを積極的な存在として捉え、人と人の間に新たな絆を作り出す存在と見なします。

観る者はやがて創造者となり、心の共鳴の力学により作品に命を与えます。
私自身と世界、他者へと、新しい自己の視野へと踏み出す道を進みます。

もし観る者が今、招待に応じるなら、心の共鳴が一つの同じ交響曲に調和し、対話が始まり、リズムが感じられるようになります。魂のアナモルフォーゼが描かれ、つかめない反映が現れます。詩的な体験です。
力強く、激しい存在感。要求の高い体験。

私は作品が人間の精神を鋭く研ぎ、魂を研ぎ澄まし、感情の共鳴を生み出し、言葉が響く場になることを望みます。
重要なのは、作品が私たちの内に動かすものと、その出会いの結果です。

「心理的苦痛は、主観的象徴化の過程から逸脱するすべてのものに関連しています。私たちは心理的に閉ざされている、または心理的な書き込みを待っている状態に苦しみます。人間は出来事や特定の思考だけで苦しむのではなく、自分の内なるいくつかの過程が鏡・反響・傾聴・受け皿を見つけられず放浪しているからこそ苦しむのです。」レネ・ルシヨン - 『臨床一般心理学・精神病理学マニュアル』第146頁。

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