André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

この有名なスイス人アーティスト、アンドレ・ラムセイヤー（1914-2007）の抽象彫刻は、約1970年に直接作品として購入され、ヘンリー・ムーアの幾何学的抽象性の影響を強く受けた彼の作風を典型的に示しています。この時期の彼の作品は「満と空」の相互作用に焦点を当てており、彫刻の円形の穴が彼の形態言語の古典的な要素となっています。多くの代表作がブロンズ製ですが、マルモルやアバラストのような石材を用いることもありました。この特定の作品は、磨かれた大理石の一種で作られているように見えます。彫刻には1/1の番号と彼の特徴的なモノグラムが付されています。寸法は長さ28 cm、高さ18 cm、奥行き12 cm。最後の3枚の写真は同時代の類似作品です。\n\n来歴\n作者の工房\nエイveldenのファミリー・フリット（1971）\n\n重要!!\n重量（>25 kg）のため、黒い一体型基底は作品を受け取る際以外は付属しません。\n\nアンドレ・ラムセイヤー\nアンドレ・ラムセイヤーにとって彫刻は本当の天命でした。彼は「他に何もできなかった。内なる呼び声に従ったのだ」と語っています。呼び声に応えようとすることは、時に痛みを伴いました。「自分に近づくほど、達成しようとする目標は常に遠ざかっていく。芸術家は到達したいと思うところでいつも不足している。苦しみの源であり、同時にインスピレーションの源でもある」と、彼は90歳を迎えた時にドミニク・ボシュアルドに対してNeuchâtel Express（2004年1月31日）で語っています。\n\nラ・ショー・ド・フォンドでレオン・ペラン（1886-1978）とモンマルトルの自由学院、モンパルナスで学び、ラムセイヤーは人間の身体を扱う作風を展開し、ロダン（1840-1917）やマイヨー（1861-1944）といった巨匠への敬意を反映させました。彫刻家の最後の具象的な作品は「水泳する者」で、ネシュトーゼルの Hôtel DuPeyrou の中庭中央の庭園を見渡します。これは彼のキャリアにおける重要な節目で、第一に公的な大作としての初めての機会であり、第二に作品が論争を呼んだためでもあります。アンドレ・ラムセイヤーは、伝統的な美術を固守する反対派グループと作品を擁護しなければならなかったのです。作品が公開されたのは、彫刻家自身のオリジナル計画が1948年にさかのぼるにもかかわらず、5年を要しました。\n\nオシップ・ザドキーヌの工房を経て、ラムセイヤーは徐々に抽象へと向かいました。彼が彫った対の人形は、体の間に空白を持つ、簡素で洗練された形へと変化しました。彼は自らの発展を次のように説明しています。\n「水泳する者が Hôtel DuPeyrou の後、私は具象美術から距離を取り始めました。パリで1年を過ごした後、オシップ・ザドキーヌと共に働きました。彼の影響のもと、私は長い間私が渇望していた自由の形へとゆっくりと成長しました。」ザドキーヌは依然として具象彫刻家ですが、人体に対して自由を認める表現を取り入れ、現在の Biel/Bienne の中心広場にある「慰め」の彫刻のように、男性と女性の身体を大きな自由で扱っています。」¹\n\nラムセイヤーが抽象へ踏み出したとき、それは大勢の観衆だけでなく、シャルル・ラプレタニエ（1874–1946）、レオン・ペラン（1886–1978）、パウロ・ロースリスベルガー（1892–1990）といった多くの芸術家にも厳しく評価されました。ラムセイヤーは、パリ滞在中に後者が非具象絵画に走りかけたことを語っていますが、それを断念したと。 「マリノ・マリーニの彫刻の前に立って、彼は私にこう言いました——『これは私たちには向いていない』」という話も伝わります。レオン・ペランは、かつての弟子の作品を「子どもっぽく、ほとんど堕落だ」と評したとされています²。\n\nラムセイヤーの友人画家たち、ジョルジュ・フロワドボーやクロード・ルウェルも、抽象美術へと転じた者たちであり、同じ理解の欠如に直面しました。ネシュチョネルとジュラの地域は1950年代から現代美術時代へと劇的な登場を遂げました。彫刻家アンドレ・ラムセイヤーは、具象美術を離れる最も早い人物の一人であり、円の探究を個人的な次元へと広げました。彼の作品にはジャン・アルプやヘンリー・ムーアの影響も見られます（1950年にベルン美術館で発見）。\n\nこれらの形式的な探求はますます革新性を増し、ネシュチェネルの観客がまだ抽象美術には受け入れにくかった感性をさらに傷つけるリスクを伴いました。1960年、ネシュチェルの保険ビルのファサードに設置された彫刻が公開された際、ジュネーヴのCourrier de Genèveは次のように報じました。\n「関心のある方——多くの方だと思います——にお伝えしますが、彫刻家ラムセイヤーが手がけたこの建物のファサードのブロンズのモチーフにはEnvol（脱出）という題名が付されています。これは知っておくべきことです。」³ 彫刻家は再び作品を建築と一体化させようとしました。ラムセイヤーはNeuchâtelのFeuille d’Avis de Neuchâtelに次のように語っています。\n「この際立ったモダンな建物の目標は、屋外に適した、遠くからも車を運転する人にも視認できる、単純なモチーフを選ぶことでした。私は建物の垂直と水平を対比させる、円の遊びを選びました。上昇リズムを生み出し、ファサードの大きな上向きの動きと装飾すべき長い長方形の壁に合わせる必要がありました。私がこの作品を“Vlucht（脱出）”と呼んだのは何を意味するものでもなく、形とリズムの遊びを見せる彫刻的要素だからです。現代建築は現代彫刻を求めています。」⁴\n\nアンドレ・ラムセイヤーは無数の巨作を生み出し、建築と活発な対話を続けました。彼は場所の精神に同化し、空間・光・材料を用いてその場に溶け込むことに常にこだわっていました。オリヴィエ・ボーアマイスターによれば、ラムセイヤーの彫刻は「必要とする空間を徐々に生み出し、始まりと終わりの連続した動きの中にある」と言います。5\n\nアンドレ・ラムセイヤーは、円の形を変形させて反復することで独自の道を見いだしました。彼にとって「球は全ての線の中で最も美しいものだった…」と語り、形を宿らせて貫く「空の魔法」にも中心的な位置を与えました。物質と非物質の対極がここに一堂に会します。彼は自作が空間の中で開くとよく言い、その空間が彼らを貫くかのようだと語りました。1979年のアンドレ・ラムセイヤー作品集においてマルセル・ジョレ曰く、「円から生まれる形は天を象徴し、正方形の断面から生まれる形は地を象徴する。これらは多重化し、円がラムセイヤーのすべての彫刻の中心形となり、象徴するものへと向かう。円は作品の中心形となり、聖別された物質を目指す」と。彫刻家はこの点を繰り返しています（L’Express, 2004年1月31日）。「芸術作品には物質・空間・光・そしてそこに込められるあらゆる技法がある。しかし、それに加えて精神的と呼べる不可欠な次元がなければならない。その作品は自らの振動を放つのだ」と。\n\nCantata of Gates of Day（1988-1990）は彼の oeuvreの中で独特の位置を占めます。ラムセイヤーは隣人の石工が工房に保管していた花崗岩の板を何度も通り過ぎ、いずれはこれらの板を刻んで建築的形状を作り、素材自体へのささやかな刻印を加えるべきだと感じました。こうした試みは多くの人を動揺させ、彫刻家自身も苦悩しました。\n\nアンドレ・ラムセイヤーはインタビューや講演で自作について何度も語っています。1994年、Éditions du Griffonから刊行された分冊の第二部の本文も彼自身が執筆しました。）