Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

一点物、Anton Kaestner のオリジナル絵画、工房直送。
#480 - M -「 Punta del Este #1 」

3mm プラスチック板（UVカット）にスプレーしたアクリル絵具。これは印刷ではなく、反射光が美しい「グロス」仕上げの多層構造のオリジナル作品で、樹脂のような光沢感が独特です。

寸法：インチ 17.3 × 12.6 × 0.12 / cm 44 × 32 × 0.3、額なし。

この作品は額なしでお届けします。
ドイツの高品質ブランド Nielsen のアルミ製額。仕上げは 白樫（Oak White）の薄板を参照番号 34 520。サイズ（インチ）0.23 × 1.38 / 0.6 × 3.5 cm。発送時の追加料金 90€ 税込で推奨・入手可能。

作品は裏面に署名があります。
正規証明書が同封されます。
配送保険が適用されます。

Anton Kaestner はパリを拠点とするスイス出身の画家・彫刻家・作家です。彼の作品は欧州全土、スイス、ドバイで展示されています。詳しくは www.antonkaestner.com をご覧ください。

次回個展 - ジュネーブ 2027年1月。

略歴

ジュネーブ生まれの私は、祖国の自然の美と文化的豊かさに囲まれて育ちました。創造性は家族の中で重んじられ、亡き祖父が職人であり芸術家だったことが、私の人生の情熱へと成長する種を蒔きました。
1993年、私は私的に絵を描き始め、A4ノート、次いでA3ノートへと数多のアクリル絵具を試しました。大きな絵は圧倒的で近づき難いと感じる一方、小さな作品ははるかに愛情を呼び起こすことを私は常に感じてきました。非具象絵画と抽象表現主義に初めて惹かれました。
時を経て、私は自分を無神論者とみなしつつも、精神的な素材へ魅了され、人間の存在や自然・生命の深い truths に共鳴するものを探究しました。

ただし、真のアーティストになる道はすぐには開かれませんでした。

30年以上にわたり、私は国際的なビジネスのキャリアを追い、人を世界中に連れ回しました。米国からモロッコ、ベルギー、アジア各地、フランスへと。旅は私の視野を広げ、さまざまな文化的影響に触れさせてくれました。行く先々で現地の美術シーンに身を浸し、創造的なエネルギーと交流しました。
ビジネスに集中していても、芸術はいつも私の中に静かに存在していました。ほぼ30年間、絵を描くことは私にとって秘密の瞑想の形であり、世界から解放され、自分の内面へと集中する手段でした。

私は絵を描くことに常に大きな満足を感じてきました。新しい作品ごとに、創造性を試し、新しい技法を探り、真の体験を生きる旅が始まります。私の芸術を通じて、他者に美と真摯な出会いを提供し、世界を別の視点で見つめ直す機会を提供できればと願っています。

2023年、ビジネスキャリアから引退後、私は絵画に完全に専念することを決意しました。パリにスタジオを構え、芸術に専念し始めました。2024年後半には公的な芸術活動を開始し、驚くべきことに作品は欧州全土の私的コレクションへと急速に広まりました。特にドイツ・ポルトガル・ベルギー・イタリア・オランダなど Europe に多く所蔵されるようになりました。

2025年末、私はノルマンディーのリセューの空になった聖具室にある大きなスタジオへ移りました。

芸術的経歴

私の初の個展「Échos」は2024年末にパリで開催され、従来の絵画技法から離れた独自のアプローチを示しました。私はアクリル、金属色、スプレーをリサイクルされた押出しプラスチック板（ペー Plex）裏面に塗ることで、軽く、滑らかで光沢があり、時に壊れやすい表面を作り出します。この過程では作品の進行を外から捉える視覚的なフィードバックを得られません—私はそれを歓迎します。私は“偶然の実験”を許し、理由を回避するための手法を用い、作り出す層と鏡面効果を導き出し、作品が公開される瞬間に啓示と発見の余地を残します。ただし、私の絵には偶然が決定的な役割を果たすことは決してありません。偶然は質問を投げかけるに留まり、意味ある「偶然の一致」は高い規律のもとでのみ可能です。この写真の発見・固定のプロセスは写真表現の啓示と結びついており、挑戦的で解放的です。構図の価値は層と透明度で豊かになり、作品には禁欲的な質感が与えられます。私は「不可欠な必然性」を認識できるとき、静寂と光の中に停滞しているときに最も幸せです。

私は意図的にシンプルなアプローチを保ちます。感情や理論的構想ではなく、存在の経験を重視します。急激な消費や知的所有ではなく、意識の拡大と現実の探求、目に見えるものと見えない物語の探求を通じて、「生命の中心」にある生を追求します。アラン・ダマジオが「le vif」と呼ぶ、生の生を求める旅です。ノスタルジーは私の作に常に部分的に存在しますが、私の絵は対象物ではなく、自己完結する「自己の対象」です。従って、内容や意味、意義を持たず、樹木や動物、人、日々のように存在理由や目的を持ちません。私の作品は時にステンドグラスの透明感と光輝を喚起しますが、ほぼ完全に抽象的です。プラスチック板は絵画にきらめく肌を与え、鑑賞者ごとに自分のシルエットを垣間見ることができます。各作品は控えめな鏡のような存在であり、時間とともに生き、変化し、見ることを可能にします。光と色と質感の相互作用、欠損部分も、共感を必要とするだけです。「近景のディテール」が新しい絵画となるような細部と、「全体の遠近感」を組み合わせる遊びが、鑑賞者の内省的な旅を促すことを願っています。

すべての答えを持つわけではないと謙虚でありたいと思います。単に問いと成長の継続過程に満足を見出すだけです。新しい創作は私の限界との対峙であり、技術を磨き、何が成し得るかをさらに探求する機会です。私にとって絵画は日々の技であり、探求であり、意味ある対話を生み出す道であり、私たちを必要としないほど完璶な絵のための探求です。非公式の時代はまだ始まったばかりです。

ジャン・バザンが言うように：「日常の実践は、見ることへの情熱を増幅する」。

私の実践の一貫性について

現代美術の景観では、概念と形が同等の価値を持つ中、私は名声ではなく存在感によって定義される作品を創ろうとします。私の絵画は、プラスチック板の内に広がる色と光のさざ波のように、長く意図的な探究の静かな結果です。私にとって真の焦点は最終的なイメージよりも、それを生み出す過程とそれを生み出す思考の静かな相互作用です。

この実践には三つの整列した意図があります。

第一は「意味づけの強制」からの撤退です。作品を「無対象」とし、「内容・意味・意義」を持たないと表現することで、物語の解釈という期待を穏やかに緩めたいのです。解読から離れ、より直接的な観察へと誘う招待です。

これが第二の意図、つまり「生の経験の優位性」へとつながります。その開かれた空間に、私は「存在の経験」と呼ぶものを置こうとします。作品は解釈の対象というより、光の変化、透過的な層、そして自分自身と視線が交わるわずかな反射によって形作られる静かな出来事となります。しばしば私は、作品は「生き、変わり、見る」のだと述べます。

第三は、アイデアと手の結びつき、内在した思考としての過程です。プラスチック板の裏面で絵を描き、視覚的なフィードバックを得ずに作業することは、手放す身体的実践です。制作行為における統制の意識的な解放です。条件を設定しますが、結果には降伏し、絵は完成したときに初めて自らの「独立した対象物」として現れます。写真現像の静かな対応とも言える待機を体現しています。

これらの意図を支えるいくつかのやさしいパラドックスがあります。

偶然と規律
意味のある“偶然の一致”を語りますが、それは厳密な境界の中でのみ可能です。偶然は歓迎すべき客ですが、構造は慎重に作られます。

意味のないものを通じたコミュニケーション
“意味のない”と呼ぶ作品を通じて、何かを伝えたいのではなく、状態—光の質感、静かな存在感、視線と自分の視線が交わる静けさ—を伝えたいのだと思います。

現在へのノスタルジア
作品には柔らかなノスタルジーが宿りますが、それは現在を指向する不思議な方向性、すなわち静寂と光の中にある「不可欠な必然性」を求める願いです。作品自体が静かに提供する純粋な存在感を求めています。

努力と努力しないこと
過程には安定した注意が必要ですが、結果は自律的に感じられるものを目指します。完全に必然的と感じられるものに惹かれます。
この精神のもと、私は「非公式の時代は始まったばかりだ」という感覚を抱くようになりました。私の実践はアール・アンフォルムの精神に負われていますが、苦悩よりも落ち着きがあり、偶然は破断ではなく静かな協力者です。

その核心には「le vif」—生きる核—to探す思考があります。作品は知性化より直接的な経験に寄り添います。私がよく選ぶ控えめな規模は、壮麗さより親密さを促すことを意図しています。
結局、これは一人の芸術家の道に過ぎません。私の伝記、私のプロセス、私の反省は別々の糸ではなく、一つの追求の部分です。静かなパラドックスに根ざした実践は壊れやすくなく、規律と明快さを通じて、そうした緊張が回復力の源になると信じています。

Anton Kaestner