Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

一つの作品、Anton Kaestner のオリジナル絵画、工房から直接。
#485 - M -「Paysage #1」。
3mm のアクリル板（UV カット）にスプレーで描いたアクリリック。この作品は印刷ではなく、原作の「マルチ・レイヤー」作品で、光沢のある仕上がりは樹脂を塗ったような質感に近く、唯一無二です。

寸法：インチ 17.3 × 12.6 × 0.12 / cm 44 × 32 × 0.3（額なし）。

この絵画は額装なしでお届けします。
ドイツ製ブランド Nielsen の高品質アルミ額、参照番号 34 520、オーク材の白仕上げ（インチ 0.23 × 1.38 / cm 0.6 × 3.5）を推奨、出荷時には追加料金 90€ 税込で入手可能。

作品は裏面に署名されており、 authenticity 証明書が付属します。配送には保険がかかります。

Anton Kaestner はパリを拠点とするスイス人の画家・彫刻家・作家です。彼の作品は欧州各地、スイス、ドバイで展示されています。詳細と作品の選択肢は www.antonkaestner.com にて。

次回の個展 - 2027 年 1 月、ジュネーブ。

伝記

ジュネーブ出身の私は、母国の自然美と豊かな文化に囲まれて育ちました。創造性は家族の中で大切にされており、私の故郷の大工仕事を生業とする祖父の影響が、最終的に私の人生の情熱となる種を芽生えさせました。
1993年、私は privately に絵を描き始め、A4 や A3 のノートに無数のアクリル絵具を試しました——大きな絵は真っ向から迫ってくるようで威圧感があり、一方で小さな作品はもっと多くの愛を生み出せると感じてきました。私は非具象絵画と抽象表現主義に惹かれ始めました。
時を経るにつれ、私は無神論者と自認しつつも、霊的な素材には心惹かれ、人間存在と自然や生命の深い truths に共鳴しました。

ただし、真の「作家」になる道はすぐには開かれませんでした。
三十年以上にわたり、私は国際的なビジネスキャリアを追求し、米国からモロッコ、ベルギー、アジア各地、フランスへと世界を駆け巡りました。旅は私の視野を拡げ、さまざまな文化的影響に触れる機会を与えてくれました。どこへ行っても、現地の美術シーンに没頭し、場所ごとの創造的エネルギーと関わってきました。
ビジネスに専念する一方で、芸術は常に私の中に静かに燃え続けていました。約30年間、絵を描くことは私にとって内面の瞑想の秘密の形となり、現実世界から解放され、内面的な自分に集中する手段となりました。
私は絵を描くことに常に大きな満足を見出してきました。新しい作品ごとに私は創造性を試し、新しい技法を探求し、真の体験を生きる旅を経験します。芸術を通じて、他者に美と出会う誠実な機会、世界を別の視点で見つめ、自分の人生を振り返る機会を提供したいと願ってきました。

2023年、ビジネスキャリアからの退職後、私は絵画に完全に専念することを決意しました。パリにスタジオを構え、芸術に全力を注ぎ始めました。2024 年末には公的な美術活動を開始し、驚くべきことに私の作品は欧州全域、特にドイツ・ポルトガル・ベルギー・イタリア・オランダの私的コレクションに迅速に収まるようになりました。

2025 年末には、ノルマンディーのリセューの空き説教所の大きなスタジオへ移りました。

アーティストCV

私の初のソロ展「Échos」は 2024 年末、パリで開催され、従来の絵画技法から離れた独自の美術手法を披露しました。私はアクリル絵具、金属顔料、スプレーをリサイクルされたエクストルード・プレキシガラス（Perpex）の裏面に塗布します。軽く、滑らかで光沢があり、時には壊れやすい表面です。この過程では作品がどのように発展していくかを見ることができません。作業過程中は視覚的なフィードバックもコントロールもありません—それを歓迎しています。私は「偶然の実験」を許し、合理性をショートサーキットさせる要素を受け入れて、層と鏡面効果を作り出し、作品が最終的に展示されるときに啓示と発見の余地を残します。ただし、明確にしておきますが、私の絵には偶然が決定を下すことはなく、せいぜい偶然は問いを投げかけるにとどまります。意味のある「偶然の一致」は、厳密な規律のもとでのみ可能です。写真の現像の再現と解放のプロセスは、このアプローチを挑戦的で解放的なものにします。構図の価値は層と透明性によって豊かになりますが、各作品には「禁欲的」な質が与えられます。沈黙と光の中で止まり、不可欠な必要性を認識できるとき、作品が生きると感じます。

私は意図的にシンプルなアプローチを保ちます。感情や理論的観念ではなく、存在の経験を重視します。急速な消費や知的充足感を追わず、意識の拡大と現実の探求、見えるものと見えない物語を開くことを目指します。私の芸術は「生活の中心にある生」を求める探求であり、アラン・ダマジオが呼ぶ「le vif」に近づくことを目指します。郷愁は私の作品に常に存在しますが、作品自体は実体を持たないものとして描かれ、対象物のように意味や目的を持ちません。作品には透明さと光の輝きが誘起されることもありますが、ほぼ完全に抽象的です。さらに、プレキシガラスは絵画に輝く肌を与え、見る人ごとに自分の影がちらりと見えるようになります。各作品はさりげない鏡のように機能します。光、色、質感、欠落している部分の相互作用は、共感を必要とするだけです。「近接のディテール」と「全体の距離」の間の対話が、観る者を自分自身の内省の旅へと誘うことを願っています。

私はすべての答えを持っているとは主張しませんし、達成できることについて謙虚でありたいと思います。単純に、問いと成長の継続的な過程に満足を見出しています。新しい創作ごとに自分の限界と向き合い、技術を磨き、成し得ることをさらに探求していきます。私にとって絵画は日常の職人技であり、探求であり、意味ある対話を生み出す方法であり、私たちを必要としないほど完璚な絵具を求める旅です。インフォーマルの時代はまだ始まったばかりです。

ジャン・バザーヌが言うように：「日々の練習が視ることへの情熱を倍増させる」。

私の制作における一貫性について

現代美術の風景では、コンセプトと形が等しく重要であり、私は目立つことではなく存在感で定義される作品を作ろうとします。私の絵画—プレキシガラスの中の色と光のさざ波は—長く意図的に探求された静かな結果です。私にとって真の焦点は、最終的な像よりも、それを生み出す静かな思考と過程の相互作用です。
この実践は三つの整列した意図に基づいています。

第一は「課せられた意味からの撤退」です。作品を「無对象」と表現し、「内容・意味・意義がない」とすることで、物語の解読という期待を穏やかに緩めることを意図しています。解読から離れて、より直接的な見方へと誘う招待です。

これが第二の意図、体験としての存在の優位性につながります。開かれた空間の中に、「存在の体験」と私が考えるものを置こうとします。作品は解釈されるべき対象というより、光の移ろい、透明な層、視者が自らの視線と対峙する際の微かな反射によって感じられる静かな出来事となります。私はしばしば「作品は生き、変化し、見る」と記します。

第三は、アイデアと手が出会う場所、経験としてのプロセスです。プレキシガラスの裏面に描き、視覚的なフィードバックなしで作業することは、開放的な身体的実践であり、制作行為における統制の意識的放棄です。条件を設定しますが、結果には身を任せ、完成時にだけ自立した「そのものの対象」として現れる絵画へとします。これは写真の現像における静かな並行作業であり、ここで「今・ここ」に現れるものを待つ忍耐です。

これらの意図を支える優しいパラドックスが作品を支えます。

偶然と規律
私は「意味のある『偶然』」を語りますが、それは厳密な境界の中でのみ可能です。偶然は歓迎される客ですが、構造は慎重に築かれています。

意味のないメッセージなしのコミュニケーション
私は“意味のない”作品を通じて何かを伝えたいと望んでいます。もしかすると共有されるのは言葉の声明ではなく、状態—光の質感、静かな存在感、瞑想的な静寂かもしれません。

現在への郷愁
作品には柔らかな郷愁が漂いますが、それは現在、すなわち「静寂と光の中に見出される不可欠な必要性」という願いに向けられています。作品自体が静かに提供する純粋な存在感への憧れです。

努力と努力のなさの両立
この過程には着実な注意が求められますが、結果が自律的に感じられるようにという目標を掲げます。不可避性を感じさせるものに惹かれます。
この精神のもと、私は「インフォーマルの時代はまだ始まったばかり」と感じるようになりました。私の実践はアート・アンフォルムの精神に負ってはいますが、苦悩よりも落ち着きを多く伴う—偶然を断絶ではなく静かな協働者として捉えるインフォーマリティです。

その核心には「le vif」—生の核を求める姿勢があります。作品は知的化よりも直接的な体験へと寄り添います。私がよく選ぶ控えめなスケールは、壮観さより親密さを促すことを意図しています。
結局のところ、これは一人のアーティストの道に過ぎません。私の伝記、私の過程、そして私の反省は別々の糸ではなく、ひとつの追求の部分です。静かな矛盾に基づく実践は脆弱である必要はないと私は信じています。規律と明晰さを通じて、その緊張は強さの源泉となり得るのです。

Anton Kaestner