Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

ユニーク作品、Anton Kaestner のオリジナル絵画、アトリエ直送。
#486 - M - 「風景 #2」。
3mmのアクリル板（UVカット）にスプレー塗装。これはプリントではなく、グロス仕上げの「マルチレイヤー」オリジナル作品で、樹脂を塗布したような光沢が独特です。
寸法：インチ 17.3 × 12.6 × 0.12 / cm 44 × 32 × 0.3、フレームなし。
この作品はフレームなしでお届けします。
ドイツ製 Nielsen の高品質アルミフレーム、リファレンス 34 520、オーク材の白木突き板（インチ 0.23 × 1.38 / cm 0.6 × 3.5）、推奨・出荷時の追加購入可能、€90 税込。
作品は裏面に署名があります。
正真正銘証明書が同梱されています。
配送は保険がかけられます。
Anton Kaestner はパリを拠点とするスイス出身の画家・彫刻家・作家です。彼の作品は欧州各地・スイス・ドバイで展示されています。詳しくは www.antonkaestner.com をご覧ください。
次回個展 - ジュネーヴ 2027年1月。

略歴

スイス・ジュネーヴ生まれ。生まれ故郷の自然美と文化の豊かさに包まれて育ちました。創造性は家族にとって価値あるもので、故人の祖父が職人・画家として影響を与え、人生の情熱となる種を蒔きました。
1993年、 privately（私的に）絵を描き始め、A4・A3ノートに無数のアクリルを試しました — 大きな絵は迫ってくるようで圧倒される一方、小さな作品はより多くの愛を呼ぶと感じてきました。非具象絵画と抽象表現主義に初めて魅了されました。
時を経て、私は自分を無神論者とみなしつつ、精神的な素材にも好みを見いだしました。それらは人間の existence（ existence）と自然・生命の深い真実の探求と共鳴します。

ただし、芸術家になる道はすぐには開かなかった。

30年以上にわたり、私は国際的なビジネスキャリアを歩み、米国からモロッコ、ベルギー、アジア各地、フランスへと世界を駆け巡りました。旅は私の視野を広げ、さまざまな文化の影響を受ける機会を与えました。どこへ行っても現地の美術シーンに身を投じ、創造的なエネルギーと交流してきました。
ビジネスに専念する一方で、アートは常に私の中に静かに存在していました。ほぼ30年間、絵を描くことは秘密の瞑想の形となり、世界から解放され内なる自分へと集中する手段となりました。
私は絵を描くことに大きな満足を感じ続けてきました。新しい作品は私の創造性を試し、新しい技法を探求し、真の体験を生きる旅です。私の芸術を通じて、他者に美と出会いを誠実に届け、世界を異なる視点で見つめ直し自らの人生を振り返る機会を提供したいと願っています。

2023年、ビジネスキャリアを退職後、私は完全に絵画に専念します。パリにスタジオを構え、芸術に全力を注ぎ始めました。2024年末には公的な美術キャリアをスタートさせ、驚くべき速さで評価を得て、欧州全体の私的コレクションへと作品が届けられるようになりました。特にドイツ・ポルトガル・ベルギー・イタリア・オランダ。

2025年末にはノルマンディーのリセューの空き聖具室を改装したより大きなスタジオへ移りました。

芸術的経歴

私の初の個展「Échos」は2024年末、パリで開催され、従来の絵画技法から離れた独自の美学を打ち出しました。私はアクリル、金属顔料、スプレーを再生されたエクストルード・プレキシーグラス（Perpex）の裏面に塗り込むという、軽量で滑らか、光沢のある、時には脆い表面で制作します。この過程では作品の発展過程を自分で確認できません——制作中には視覚的な反応やコントロールを得られませんが、それを歓迎します。私には「ランダムな実験」を許し、理由を短絡させるような何でもありのアプローチで、層と鏡面効果を生み出します。作品が披露される時には新たな啓示や発見の余地を残します。ただし、私の絵においては偶然が決定を下すことはなく、せいぜい偶然が問いを投げかけるだけです。意味のある「偶然」は高い規律のもとでのみ可能です。この写真のような開示・定着の過程は挑戦的で解放的です。構図の価値は、層と透明度で豊かになりつつ、各作品に「禁欲的」な質感を与えます。静かに不可欠なものに気づくとき、私は満足します——つまり沈黙と光の中で見つけることができる不可欠な必然性。

私は意図的にアプローチを単純に保ちます。「感情」や「理論的概念」ではなく、存在の体験を重視します。「急速な消費」や「知的化／知的所有」ではなく、意識の拡張と現実の探求、目に見えるものと見えない物語を探求すること、私のアートは“生の中心での生”を探求する旅です。アラン・ダマジオが呼ぶ「le vif」を求めています。郷愁は私の作品の一部でありながら、作品自体は無対象です。すべての対象と同様に、それ自体が対象であり、内容・意味・意義を持ちません。時には彩度のあるステンドグラスの透明感を連想させますが、ほぼ完全に抽象的です。さらに、プラスチック板は絵画に輝く皮膚を与え、視聴者ごとに自分のシルエットを垣間見ることができます。各作品はそれ自体が小さな鏡のように機能します。光・色・質感の相互作用、欠落した部分の扱いも、共感を呼ぶだけでなく、親密さをもたらします。近くで見る細部と全体の距離感の対話が、観る人の内省の旅を促すことを願っています。

全ての答えを抱え込むつもりはなく、達成できることについて謙虚でありたいと考えています。単に、問いと成長の継続的な過程に満足を見出しています。新しい創作ごとに自分の限界と向き合い、スキルを磨き、これから何が達成できるかを探求します。私にとって絵画は日々の技、探求、意味ある対話を生む手段、私たちを必要としないほど完璧な絵具を求める旅です。非公式の時代はまだ始まったばかりです。
ジョン・バザインの言葉のように、「日々の練習は見ることへの情熱を増幅する」。

私の作法の整合性について

現代アートの景観には、コンセプトと形が同等の重さをもつ中で、私は卓越性ではなく“存在感”によって定義される作品を生み出したいと考えています。私の絵画は、プレキシグラスの中の色と光のさざかなびく風景で、長く慎重な問いの静かな結果です。私にとって真の焦点は、最終的なイメージよりも、その起案を可能にする静かな思考と過程の相互作用です。
この実践には三つの整列した意図が根底にあります。

第一は“課された意味”からの撤退です。作品を「無対象」とし、「内容・意味・意義」がないと描写することで、物語の解読への期待を緩やかに解くことを望みます。解釈から距離を取り、より直接的な“見る”を促す招待です。

これが第二の意図につながります：体験としての生の実在性の優位性。開かれたこの空間には、「存在の体験」と呼ぶものを置こうとします。作品は解釈の対象というより、光の変化、半透明の層、鑑賞者が自らの視線と出会う微かな反射によって形づくられる静かな出来事となります。私はよく「作品は生き、変わり、見る」と述べます。

第三は、アイデアと手が出会う点――思考としてのプロセスの体現です。プレキシグラスの裏面に描き、視覚的フィードバックなしで制作することは、手放す身体的な実践です。制作過程での統制を意識的に解放し、結果を委ねることで、作品は完全に自分自身の「独立した対象」として現れます。完成時に初めて全体像が現れる、写真現像における静かな対比にも似ています。

この意図を支える穏やかなパラドクスがいくつかあります。

偶然と規律
私は「意味のある“偶然”」について語りますが、それは慎重な境界の中でのみ可能です。偶然は歓迎すべき客ですが、構造は丁寧に築かれています。

メッセージのないコミュニケーション
私が意味がないと呼ぶ作品を通じて、何かを“伝える”ことを望みます。共有されるのは命題ではなく、状態――光の質感、静かな存在感、視線が互いに結びつく静寂さかもしれません。

現在への郷愁
作品には柔らかな郷愁が宿りますが、それは現在へと不思議なまでに向けられています。沈黙と光の中で見出される“不可欠な必然性”を求める気持ち—それを作品自体が静かに提供します。

努力と自然体
過程には安定した集中が求められますが、結果は自律的に現れるように感じられることを目指します。私は完全に必然的であると感じられるものに惹かれます。
この精神で、私は“非公式の時代はまだ始まったばかり”だと感じてきました。私の作法はアール・アンテルムの精神に負っているものの、苦悩よりも落ち着きを持ち、偶然を断絶ではなく静かな協力者とみなすような非公式さです。

根底には「le vif（生の核心）」を探求する思索があります。作品は知的化より直接的な体験へと傾きます。私が選ぶ控えめなスケールは、華美さより親密さを促すためのものです。
結局のところ、これは単なる一人の芸術家の道のりです。私の伝記、私の過程、私の反省は分かれた糸ではなく、一つの追求の一部です。静かなパラドックスに根ざした実践が脆さを必要としないことを私は知りました。規律と明晰さを通じて、その緊張は私が信じるところでは回復力の源となり得ます。

Anton Kaestner