Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

唯一の作品、Anton Kaestnerによるオリジナル絵画、スタジオ直送。
#484 - M -「風景 #2」.

3mmのアクリル板（UVカ防止）にスプレー塗装したもの。これは版画ではなく、光沢のある多層構造のオリジナル作品であり、樹脂を塗布したかのような独自の輝きを放つ。

寸法：インチ 17.3 × 12.6 × 0.12 / cm 44 × 32 × 0.3、額装なし。

本作品は額装なしでのお届けです。
ドイツブランドNielsenの高品質アルミ製額（参考 34 520、オーク白木の木目板張り、インチ表示0.23 × 1.38 / 0.6 × 3.5 cm）を推奨・発送時に追加料金90€（税込）にてご用意可能。

作品は裏面に署名入り。
真贋証明書が同梱。
配送には保険が付帯。

Anton Kaestnerはスイス出身の画家・彫刻家・作家で、パリを拠点に活動。ヨーロッパ各地、スイス、ドバイで作品を展示。詳しくはwww.antonkaestner.comをご覧ください。

次回個展 - ジュネーブ、2027年1月。

略歴

Genevaで生まれた私は、祖国の自然美と文化の豊かさに囲まれて育ちました。創造性は家族で大切にされ、亡き祖父は職人であり芸術家として私の人生の情熱の種を植えてくれました。
1993年、私は私的に絵を描き始め、A4とA3のノートに無数のアクリル絵具を試しました。大きな絵は迫りくるようで威圧的に感じる一方、小さな作品にはより多くの愛が生まれると感じてきました。非具象絵画と抽象表現主義に最初に惹かれました。
時を経て、私は“無神論者”と自認しつつ、精神的な素材への親しみも深め、人間の存在と自然・生命の深い真実を探求するにつれて感じられる共鳴を得ました。

しかし、真の芸術家になる道はすぐには開けませんでした。
30年以上にわたり、私は国際的なビジネスキャリアを追求し、米国からモロッコ、ベルギー、アジア各地、フランスへと旅しました。旅は私の視野を広げ、さまざまな文化的影響に触れる機会を与えてくれました。どこへ行っても、現地のアートシーンに没頭し、その土地の創造エネルギーと交流しました。
ビジネスキャリアに集中していても、芸術は常に私の一部であり、静かに表面下で煮詰まっていました。ほぼ30年間、絵を描くことは私にとって秘かな瞑想の形式となり、世界から解放されて自分の内なる自分に集中する方法でした。

私は常に絵を描くことに大きな満足を見出してきました。新しい作品は私の創造性を試し、新技法を探求し、真の体験を生きる旅です。私の芸術を通じて、他の人に美への誠実な出会いを提供し、世界を別の視点から見つめ、自分自身の人生を振り返る機会を届けたいと願ってきました。

2023年、ビジネスキャリアから退職後、絵画に完全に専念することを決意。パリにスタジオを構え、芸術に没頭しました。2024年末までに公的な芸術活動を開始し、驚くべきことに私の作品はヨーロッパ各地の私的コレクションに迅速に受け入れられ、特にドイツ、ポルトガル、ベルギー、イタリア、オランダに多く所蔵されました。

2025年末にはノルマンディー州リセューの空き聖堂部屋にある大きなスタジオへ移りました。

芸術的CV

私の最初の個展「Échos」は2024年末、パリで開催され、従来の絵画技法から離れた独自のアプローチを示しました。私はアクリル、金属色、スプレーを再利用されたエクストルード・プラスチック板（Perpex）の裏側に描いています。軽く、滑らかで光沢があり、時には壊れやすい表面です。この過程では作品の発展を客観的に見られません—制作過程で視覚的フィードバックやコントロールは一切ありません。私は“偶然の実験”を許容し、合理性をショートカットするような制作を進め、完成時に初めて作品が露わになる瞬間を生み出します。ただし、偶然が決定を下すことはなく、最もせいぜい偶然は問いを投げかけるだけです。意味ある「偶然の一致」は、厳密な規律の上にのみ可能です。この写真の現像プロセスの啓示と固定化にも共鳴します。構図の価値は層と透明度によって豊かになりつつ、それぞれの作品に禁欲的な質感を与えます。すなわち、沈黙と光の中で私たちが発見する「不可欠な必然」を見つけるのが私の喜びです。

私の取り組みは意図的にシンプルに保っています。「感情」や「理論的構想」ではなく、存在の体験を重視します。急速な消費や知的所有化ではなく、意識の拡張と現実の探求、見えるものと見えない物語の探究。私の芸術は「生命の芯」にある生の探求であり、アラン・ダマジオがいう「le vif」を求める旅です。郷愁は常に私の作品の一部ですが、それは对象ではなく、無対象性を帯びたまま。作品は物体のようであり、木々や動物、人々、日々にも等しく、存在理由や終わり、目的を持ちません。時にステンドグラスの透明感と輝きを喚起することもありますが、ほとんどが抽象的で、プラスチック板は絵に光沢のある皮膚を与え、見る人のシルエットが視える新しい意味を生み出します。各作品は微妙な鏡のように機能し、生き、変化し、視る。光、色、質感、欠けている部分の対話にも共感が必要です。「ディテールを近く見るための詳細」と「全体を見渡すための距離」の対話が、観る者を自分の内省の旅へと誘うことを期待しています。

私はすべての答えを持っているとは主張しません。何が成し得るかについて謙虚でありたい。単純に、問いと成長の継続的な過程に満足を見出します。新しい創作は常に自分の限界と向き合うもので、技術を磨き、成し得ることをさらに探求させます。絵画は私にとって日常の技、探求、意味ある対話を生み出す方法、私たちを必要としないほど完璚な絵具を追求する旅です。インフォーマルの時代はまだ始まったばかりです。

ジャン・バザンの言葉を借りれば：「日々の実践は視る情熱を倍増させる」。

私の実践の一貫性について

現代美術の文脈では、概念と形が同等の重さを持つ中で、私は卓越性ではなく“存在”として定義される作品を作ろうとします。私の絵画—プラスチック板の中の色と光の輝く場は、長く意図的な探求の静かな結果です。私にとって真の焦点は、最終的な像というより、それを生み出す思考と過程の静かな相互作用です。

この実践には三つの整列した意図があります。

第一に、 imposed meaning からの撤退。作品を「対象なし」と表現し、「内容も意味も感じもない」とすることで、物語の解読という期待を優しく緩めようとしています。これは解読から離れ、直接的な観察へと私を誘います。

次に第二の意図、体験としての実在の優位性。開かれたこの空間に、私は「存在の体験」と呼ぶものを置こうとします。作品は解釈されるべき対象というより、光の変化、半透明な層、観る者が自らの視線と出会う微かな反射によって形作られる静かな出来事となります。よく言うように、作品は「生き、変わり、視る」のです。

第三は、アイデアと手の結びつき：手続きとしての具象化思考。プラスチック板の裏面に描き、視覚的フィードバックなしで制作することは、手放す身体的実践です。制作過程でのコントロールを意識的に解放し、条件を設定するものの結果を手放し、作品を自立した「それ自身の物体」へと完成させます。写真現像の静かな並行であり、その場で生まれる“here and now”を待つ忍耐です。

これらの意図を支える、穏やかなパラドックスが作品を支えます。

偶然と規律
意味のある“偶然の一致”を語りますが、それは注意深い境界の中でのみ可能です。偶然は歓迎する客人ですが、構造は慎重に築かれています。

メッセージのないコミュニケーション
私は“意味のない”と呼ぶ作品を通じて何かを伝えたいと思います。もしかすると共有されるのは声明ではなく状態、すなわち光の質感、静かな存在感、観る者が自分の視線を感じる palpableな静けさです。

現在への郷愁
作品には柔らかな郷愁が漂いますが、それは現在＝今に向けられたものです。沈黙と光の中で見いだされる“不可欠な必然”を求める心が、作品自身が静かに提供する純粋な現在性へと繋がります。

努力と解放
制作には一定の注意が必要ですが、結果は自律的に感じられることを目指します。必然性を感じさせるものに惹かれます。

この精神のもと、私は「インフォーマルの時代はまだ始まったばかり」と感じてきました。私の実践はアール・アンフォルムの精神に indebted ですが、苦悩よりも落ち着きが多く、偶然は断絶ではなく静かな協力者です。

根本には“le vif”—生の核を求める探求があります。作品は知的化よりも直接体験に寄り、私がよく選ぶ小さなサイズは親密さを促すためです。結局のところ、これは一人の芸術家の道に過ぎません。私の伝記、私の過程、そして私の反省は別々の糸ではなく、一つの追求の部分です。静かなパラドックスに根ざす実践は脆くである必要はありません。規律と明晰さを通じて、その緊張は私が信じるところ resilience の源になると考えています。

Anton Kaestner