Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

独一无二的作品，Anton Kaestner的原创画作，直接来自工作室。
#319 - M - "内在之光"

3毫米压克力板上的喷涂丙烯酸。
打印中的透明度
这个画面不是印刷品。它是一件具有多层次的原创作品，其光亮的“glossy”效果，类似于涂覆树脂的质感，是独一无二的。

尺寸：英寸 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm 无框。

这幅画不带框架。
推荐使用德国品牌 Nielsen 的优质铝制框架，参考编号 34 Natura 514 Oak（英寸 0.23 * 1.38 / 0.6 * 3.5 厘米），可在发货时额外支付 90 欧元（含增值税）。

作品在背面签名。
随附一份真实性证明。
交付由保险保障。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家和作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜展出。更多信息和选择请访问 www.antonkaestner.com。

下一次展览——洛桑 2026年3月。


传记

我出生于瑞士日内瓦，在故乡美丽的自然风光和丰富的文化底蕴中长大。我的家庭非常重视创造力，而我已故的祖父是一位工匠和艺术家，他的影响在我心中埋下了种子，最终成就了我毕生的热情。
1993年，我开始私下创作，拿着无数丙烯在 A4 笔记本上尝试，后来转到 A3 笔记本——我一直觉得，大幅画面像是直接向你冲来，居高临下、令人望而生畏，而小型作品则更能唤起人们的爱意。我最初被非具象绘画和抽象表现主义所吸引。
随着时间的推移，尽管我自认是无神论者，我也逐渐对灵性材料产生了喜爱，因为它们与我对人类存在的探索以及对自然和生命深层真理的追寻产生了共鸣。

然而，真正成为一名艺术家并非一蹴而就。

三十多年来，我从事国际商务工作，足迹遍布全球，从美国到摩洛哥、比利时，横跨亚洲，直至法国。这些旅行拓宽了我的视野，让我接触到多元的文化影响。无论走到哪里，我都会深入体验当地的艺术氛围，感受每个地方的创作活力。
尽管我将重心放在事业上，但艺术始终是我生命中不可或缺的一部分，它静静地在我内心深处涌动。近三十年来，绘画成了我一种隐秘的冥想方式——一种让我摆脱尘世喧嚣、专注于内心世界的方式。

我一直从绘画中获得极大的满足感。每一幅新作都是一次旅程，让我能够检验自己的创造力，探索新的技法，并体验真实的人生百态。我一直希望通过我的艺术，为他人带来一次与美的真诚邂逅，让他们有机会从不同的视角看待世界，并反思自己的人生。

2023年，退休于我的商业生涯后，我全身心投身绘画。我在巴黎建立了自己的工作室，开始将全部精力投入艺术创作。到2024年底，我正式开启公开的艺术生涯，令我惊讶的是，我的作品很快得到认可，进入欧洲各地的私人收藏，尤其是德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

到2025年年底，我搬到了诺曼底省里斯约的一间空置圣器室里的一个更大工作室。


艺术简历

我的首次个人展览，题为《Échos》，于2024年末在巴黎举行，展示了一种与传统绘画技法不同的独特艺术方式：我在回收的挤出式有机玻璃（Perpex）背面使用丙烯颜料、金属颜料和喷涂剂进行绘画，这是一种轻巧、光滑、光泽的表面，而且有时
脆弱的表面。这个过程阻碍了我在作品发展过程中看到它的方式。我在过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许「随机实验」——一切都可用来让理性失效！——来引导结果、我创造的层次与镜面效应，并为作品最终暴露时的启示与发现留出空间。但要明确：在我的画面中，偶然从不决定结局；最多，偶然提出问题；有意义的「巧合」只有在高度自律的前提下才有可能发生。这种与摄影的揭示/定影过程呼应的做法既具挑战性又具解放感。构图的价值通过层次与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种「禁欲」的品质：当我们在沉默与光中停下时，可能会发现的东西。

我故意把方法保持得非常简单。既不是“情感”也不是“理论观念”，而是存在的体验。既不是“快速消费”，也不是“理性化/理智掌握”，而是对意识的扩展与对现实的探索，以及对它的可见与不可见故事的探索，我的艺术是对“生命之核心的生命”的追寻，正如阿兰·达马西奥所称的“le vif”。

尽管怀旧一直是我作品的一部分，但我的画作是无对象的。像所有对象一样，它们也是自身的对象。因此，它们既没有内容，也没有意义，亦无意义感；它们就像事物、树木、动物、男人，或日子，同样没有存在的理由、没有终点，也没有目的。

虽然我的作品有时会唤起彩色玻璃的透明与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力玻璃为画作提供了一层微光的皮肤，可以映出观者的轮廓；对于每一位新观者来说都是不同的。

每一件作品就像一面隐秘的镜子：它会活起来、它会变化、它会看见。光、色彩、纹理的互动，以及缺失部分的互动，也只需要同理心。希望“近景的细节”——画面的一处细节就是一幅全新的画——与“整体的远景”之间的博弈，能够鼓励观众开启自己的内省之旅。

我并不声称自己掌握所有答案，也希望对能够实现的事保持谦逊。简单地说，我在不断提问和成长的过程中找到满足感。每一个新创作都是与自我的极限对话，推动我打磨技能、进一步探寻我能实现的可能。对我而言，绘画是一门日常的技艺，一次探索，是激发有意义对话的方式，是对追求完美到不需要我们的颜料的追寻。非正式时代才刚刚开启。

正如 Jean Bazaine 会说：“日常练习放大了对观察的热情。”



关于我在实践中的连贯性

在当代艺术的领域里，理念与形式同等重要，我希望创作的作品不是以显著性来定义，而是以存在感来定义。我的画作——在丙烯酸板中的色彩与光线的闪耀场域——是经过长时间而慎重探究的安静结果。对我来说，真正的聚焦点并非最终的图像本身，而是促成它出现的思想与过程之间的安静互动。

这一做法基于三项一致的意图。

第一点是对被强加意义的撤离。通过把作品描述为“无对象”并且“既无内容，也无意义，亦无感”，我希望温和地松动对叙事的期待。这是一种从解码走向更直接观看的邀请。

这引出了第二个意图：直接生活经验的至上性。Into that open space, I try to place what I think of as an “experience of being.”
在那片开放的空间里，我试图安放我所理解的“存在之经验”。
这件作品不再是一个需要被解读的对象，而是一个被感知的静默事件——由不断变换的光线、半透明的层次，以及观者凝视自我时微弱的反射所塑造。As I often note, the piece “lives, it changes, it sees.”
正如我常常指出的，那件作品“活着、在变化、在看见。”

第三点是理念与手的相遇：把过程当作具身的思想。 在有机玻璃背面作画，在没有视觉反馈的情况下工作，是一种放手的身体实践。它是在创作过程中的有意识放弃控制。我设定条件，但放弃结果，允许画作成为我所称的“独立的自身之物”，只有完成时才会完全显现。这与摄影冲洗的过程形成一种无声的平行——耐心等待“此时此地”到来的事物。

坚持这些初衷的是几处温和的悖论，支撑着这项工作：

机遇与自律
我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们只有在谨慎的边界内才有可能。机会是受欢迎的客人，但结构是用心构建的。

没有信息的沟通
我希望通过我称之为无意义的作品来“传达某种东西”。也许所分享的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、安静的存在、可感知的静默。

对当下的怀旧
作品中弥漫着一种柔和的怀旧感，但它出于好奇地指向当下：渴望在“沉默与光”中找到的“不可简化的必需品”——对纯粹在场的渴望，而这一切正是作品本身静默地提供的。
努力与从容

这个过程需要稳定的专注，但目标是让结果看起来像是自然而然地出现、具有自主性。我被那种看起来完全不可避免的感觉所吸引。
本着这种精神，我渐渐觉得“非正式的时代才刚刚开始。”我的创作受到 Art Informel 精神的影响，尽管也许少一些痛苦、多一些平静——一种非正式性，在其中偶然并非断裂，而是一个安静的合作者。

其核心在于对“le vif”的追寻——活的核心。作品倾向于直接的体验而非理性化。我常选择的朴素尺度旨在促进亲密感，而非壮观。
归根结底，这只是一个艺术家的成长路径。我的传记、我的创作过程，以及我的反思并非分离的线索，而是同一追求的一部分。我发现，扎根于安静悖论的实践并不脆弱。通过自律与清晰，这种张力可以成为——我相信——韧性的源泉。

Anton Kaestner