Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

独一无二的原作，由 Anton Kaestner 直接来自工作室。
#295 - XL - “ Mirror #1 ”。

3mm 的 Perpex 压克力喷涂画板。此画不是印刷品。它是一件原作的“多层次”作品，表面呈现出接近树脂涂覆的光泽效果，独一无二。

尺寸：英寸 34,3 × 24,2 × 0,12 / cm 87 × 61,5 × 0,3，未装框。

此画不包含框架。
德国 Nielsen 品牌的高品质铝制框，参考 34 Natura 514 橡木（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发运时可选配，额外价格为 150€ 含税。

画作在背面签名。附带真迹证书。运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士籍画家、雕塑家及作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士及迪拜等地展出。更多信息及作品选择，请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 2026 年 5 月，洛桑。

传记

我在日内瓦出生，成长于我的祖国的自然美景与丰富文化之中。创意在我的家庭中被推崇，而对我的影响最大、最终点燃我人生热情的，是我的已故祖父——一位工匠与艺术家。1993 年，我开始私下创作，尝试在 A4、再到 A3 的笔记本上使用无数丙烯颜料——我一直觉得大画面会直截了当地向你冲击，威压而令人生畏；而小型作品则能激发更多爱意。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认为无神论者，但我也逐渐偏好与灵性材料相关的创作，因为它们与我对人类存在及自然与生命更深真理的探索产生共鸣。

然而，要真正成为一名艺术家并非一蹴而就。

三十多年来，我一直从事国际商务职业，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时，横跨亚洲与法国。我的旅途拓展了我的视野，使我接触到各种文化影响。无论走到哪里，我都沉浸于当地艺术景观，积极参与各地的创作能量。尽管我的工作重心在商业，但艺术始终在我心中静静涌动。近三十年来，绘画成为我一种秘密的冥想方式——一个脱离世俗、专注于自我的途径。

我一直在绘画中找到极大的满足感。每一件新作都是一次旅程，在其中我检验创造力、探索新技法、亲身经历真实体验。通过我的艺术，我一直希望给他人带来真诚的美的邂逅，提供一个从不同角度看待世界、反思自身生活的机会。

2023 年，在从商界退休后，我全心投入绘画。我在巴黎建立了工作室，并开始全身心投入艺术。到 2024 年底，我迈向公开的艺术生涯，出人意料地作品很快获得认可，广泛进入欧洲私人收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025 年底，我搬到诺曼底利锡（Lisieux）的一间空置祭衣室中的更大工作室。

艺术履历

我的首次个人展览“Échos”于 2024 年末在巴黎举行，呈现一种与传统绘画技巧不同的独特艺术方式：我在回收的挤出式有机玻璃（Perpex）的背面，使用丙烯、金属颜料和喷涂进行作画，表面轻盈、光滑、光泽感强，且有时脆弱。这一过程使得我在创作时无法直接看到作品的进展。整个创作过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可以打破理性框架——来引导结果、层次与镜像效果，并在作品最终展出时留出启示与发现的空间。但要明确：在我的画中，机会并不决定结局；最多也只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能实现。这种方法与摄影的呈现/定格过程相呼应，既具挑战性又带来解放。作品的构图价值通过多层和透光性得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”特质：当我在寂静与光中停下脚步、察看时，我能认出那些“不可简化的必需品”。

我故意把方法保持简单。不以情感为驱动，也不以理论概念为目标；而是以“生存的体验”为核心。不追求“快速消费”或“知识化/掌握”，而是扩展意识、探索现实及其可见与不可见的故事。我追求对“生命本身之核”的艺术探寻，正如 Alain Damasio 所说的“le vif”。尽管怀旧感一直是我作品的一部分，但我的画作并非有明确对象。像所有物体一样，它们本身就是对象，因此既没有内容、也没有意义或目的。它们就像树、动物、人或日子，同样没有生存理由、终结或目的。尽管我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力玻璃为画面提供了一层闪耀的表皮，观者可以从中瞥见自己的轮廓，而且每位观者看到的轮廓都不同。每件作品都像一个隐秘的镜子：它会活起来、会改变、会看见。光、色彩与质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，只需要同理心。希望在“局部细节近看”的乐趣——一个画面的细节也完全可以成为一幅新画——与“整体的距离”之间的张力，能够鼓励观众展开属于自己的内省之旅。

我并不自称掌握所有答案，对能达到的事物保持谦逊。简单来说，我在不断质疑与成长的过程里寻找满足感。每一次新创作都是一次对自我极限的对话，驱使我不断完善技能、探索更广阔的可能。对我而言，绘画是一门日常技艺，一种探索，一种促进有意义对话的方式，是一条追求完美无须我们的颜料之路。非正式时代才刚刚开启。

如让·巴赞所言：“日常练习放大了观看的热情。”

关于我实践中的连贯性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我力求创作出一件不以显著性取胜，而以在场感定义的作品。我的画作——在压克力玻璃内闪耀的色与光的场域——是经过长时间、认真探究的安静结果。对我而言，真正的焦点并非最终图像，而是促成其出现的思想与过程之间的静默互动。

这一实践建立在三项一致的意图之上。

第一，是从被强加的意义中撤退。把作品描述为“无对象”，并声称“既无内容、也无意义、也无感”，我希望轻轻松开对叙事的期望。这是一次远离解码的邀请，走向更直接的观照。

这引出第二个意图：对“有 lived 体验”的至上性。把“存在的体验”放置在那片开放空间中。作品不再是需要被诠释的对象，而是一个静默的事件——被变换的光线、半透明的层次，以及观者与自身凝视相遇时的微弱反射共同塑造。正如我常说，作品“活着、它在改变、它在看”。

第三个，是理念与手的结合：过程即具体现实的思想。将画在有背面的压克力玻璃上，在没有视觉反馈的情况下作画，是一种放手的身体实践。在创作过程中有意识地放弃控制。我设定条件，但放弃结果，让画作成为自成一体的“对象”，只有完成时才完全显现。这与摄影冲洗的静默并行——对“此时此地”到来的等待。

坚持这些意图的，还有一些温和的悖论，支撑着我的工作：

机会与纪律
我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们仅在严格边界内成为可能。机会是受欢迎的客人，但结构是用心构建的。

无信息的沟通
我希望通过我所称的无意义的作品，传达某种东西。也许所共享的并非陈述，而是一种状态——光的纹理、安静的存在感、可感知的静默。

对当下的怀旧
作品中有一种柔软的怀旧，然而这怀旧直指现在：对“静默与光”中发现的“不可简化的必需品”的渴望——一种作品本身悄然给予的纯粹在场感。

努力与从容
这一过程需要稳定的专注，但追求的结果应有自发的、仿佛“自然而然地出现”的感觉。我被那种看似完全必然的事物所吸引。
以此精神，我逐渐体会到“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受过艺术非形式精神的影响，或许较少的焦虑、多一些平静——一种把机会视为协作者的非正式性。

其核心，是对“le vif”——活生生的核心的追寻。作品更趋向直接体验，而非知识化。常选择的克制尺度，是为了鼓励亲密而非炫耀。归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程与我的反思不是分离的线索，而是同一追求的组成部分。我发现，建立在安静悖论之上的实践并非脆弱。通过纪律和清晰，这种张力可以成为一种韧性来源。

Anton Kaestner