Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

独一无二的 Anton Kaestner 原创绘画作品，直接来自工作室。
#378 - S - " Cities ".

3毫米厚的丙烯酸板上喷绘的丙烯颜料。
这幅画不是印刷品。它是一幅原作的“多层次”作品，具有近似树脂涂层的亮泽“glossy”效果，独一无二。
印刷透明度。

尺寸：约 9.1 x 12.6 x 0.12 英寸 / 23 x 32 x 0.3 cm，无框。

本画未装裱框。
德国 Nielsen 品牌铝制高品质画框，参考尺寸 34（英寸 0.23 x 1.38 / 0.6 x 3.5 cm），在发货时可额外加收 70€ 含税，供选择并可提供。

作品背面签名。
附有真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家及作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士及迪拜等地展出。更多信息及选购请见 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 2026 年 5 月，洛桑。

传记

生于瑞士日内瓦，我在祖国的自然之美与文化丰盛中成长。创意在我的家庭中被珍视，已故祖父是工匠与艺术家，他对我的影响点燃了我终将热爱的事业之火。
1993 年，我开始私下创作，尝试在 A4 和 A3 笔记本上使用无数种丙烯颜料——我一直觉得大画面会直截了当地冲击你，显得强势而令人生畏，而小作品往往能激发更多爱意。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认无神论者，但我也培养了对灵性材料的偏爱，因为它们与我对人类存在及自然与生命更深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的路并非一蹴而就。
三十余年来，我从事国际商务职业，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时、横跨亚洲和法国。我的旅行拓宽了视野，让我接触到多样的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地艺术场景中，与各地的创造能量交汇。
尽管以商业为主，但艺术始终是我的一部分，安静地在心底 simmer。
近三十年来，绘画成为我的一种秘密冥想——一种逃离尘嚣、专注于自我的方式。

我一直在绘画中获得巨大的满足感。每一件新作都是一次旅程，在其中我可以检验创造力、探索新技法、体验真实的经历。通过我的艺术，我一直希望为他人提供一段真诚的美的邂逅，帮助他们从不同的角度看待世界并反思自己的生活。

2023 年，从商业生涯退休后，我全心投身绘画。我在巴黎建立工作室，开始完全专注于艺术。到 2024 年底，我正式开启公开艺术生涯，令我惊讶的是，作品迅速获得认可，进入遍布欧洲的私人物信收藏，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰为多。

2025 年底，我搬到诺曼底吕威市 Lisieux 的一座空置的圣器室里，搬入更大的工作室。

艺术履历

我的首个个人展览《Échos》于 2024 年底在巴黎举行，呈现一种区别于传统绘画技法的独特艺术方式：我用丙烯颜料、金属颜料和喷涂，画在回收的挤压丙烯酸板（Perpex）的背面——一种轻盈、光滑、光泽且有时脆弱的表面。这一过程让我无法在创作过程中看到作品的成长效果。我在创作过程中没有直观反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切皆可为短路理性尝试的动力——来引导结果、层次与镜像效果的形成，并在作品最终展出时留给揭示与发现留出空间。但需要明确的是：在我的画面里，机会从不直接决定结论；最多，机会提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能发生。这种方法与摄影的揭示/定影过程呼应，既具挑战性又具解放感。构图的价值通过层次和透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲感”：当我在静默与光中停驻时，若能辨识出“不可约简的必需”，我就感到欣慰。

我故意保持方法的简洁：既非“情感”也非“理论概念”，而是对存在的体验。既非“快速消费”也非“理性化/理智占有”，而是意识的扩展与对现实、其可见与不可见故事的探索，我的艺术是对“生命在生命核心处”的追寻，正如 Alain Damasio 所说的“le vif”。尽管怀旧一直是我作品的一部分，但我的绘画并非具象物。像所有对象一样，它们自身即是对象，因此既不包含物质、也无意义、意义不在。它们像物体、树木、动物、人与日子，同样没有存在的理由、终结或目的。虽然我的作品有时会唤起彩绘玻璃的透明与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，丙烯酸板为画面提供了一层闪光的肤感，使观者的身影在不同观者眼前各不相同。每一件作品都如同一个隐蔽的镜子：它在生活、在变化、在观看。光、色、纹理的相互作用，以及缺失部分的呈现，只需要共情。希望“细节近观”与“整体远观”的互动，能促使观众展开自己的内省之旅。

我不声称自己掌握所有答案，也愿对所能达到的保持谦卑。简单而言，我在不断提问与成长的过程里找到满足。每一次创作都是一次自我极限的对抗，促使我精炼技艺、探索更远的可能。对我来说，绘画是一门日常工艺，一场探索，一种引发有意义对话的方式，一种追求完美到无需他人的颜料。非正式时代才刚刚开始。

正如 Jean Bazaine 所说：“每日练习放大了对观看的热情。”

关于我的创作连贯性

在当代艺术的格局中，概念与形式同等重要，我力求创作的作品不是以突出地位为定义，而是以存在感为定义。我的画作——以丙烯酸板中的色彩与光线形成的闪烁领域——是漫长而深思熟虑探究的安静结果。对我而言，真正的焦点不在最终的图像，而在于引发其出现的安静的思想与过程的互动。

这一创作实践建立在三个一致的意图之上。

第一是撤回被强加的意义。通过把作品描述为“无物体”，并称其“既无内容、亦无意义、亦无意义”，我希望温和地松动对叙事的期待。这是一个邀请，让人远离解码，走向更直接的凝视。

这引出了第二个意图：对实际经验的优先性。在这片开放空间中，我试图放入我所認为的“存在的体验”。作品不再是需要被解释的对象，而是一个需要被感受的静默事件——被变换的光线、透明的层次，以及观者与自身目光相遇时的细微反射。当我常说，作品“在活着、在改变、在观看”。

第三点是思想与手的结合：过程即体现的思考。将画在丙烯酸板的背面绘制、没有视觉反馈地工作，是一种放手的身体实践。在创作过程中有意放手对结果的控制，让画作成为我所称的独立“自身之物”，只有完成时才完全显现。这与摄影冲洗的安静平行——对“此时此地”到来的事物的耐心等待。

坚持这些意图的同时，作品中存在一些温和的悖论，支撑着这些努力：

运气与纪律
我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才有可能。机会是受欢迎的客人，但结构是用心构建的。

无信息的沟通
我希望通过被称为无意义的作品来“传达某种东西”。也许所传达的不是一个陈述，而是一种状态——一种光的纹理、一种静默的在场感、一种可察觉的宁静。

对当下的怀旧
作品中有一种柔和的怀旧 linger，但它出人意料地指向现在：对“沉默与光”中所发现的“不可约减的必需品”的渴望——一种作品本身静静提供的纯粹在场。

努力与 effortless
这一过程需要持续的专注，但目标是一个看起来自发的结果，仿佛“自然而然地出现”。我被那种看起来完全不可避免的事物所吸引。

以此精神，我逐渐认为“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了 Informel 艺术的精神影响，尽管或许没有那么的痛苦，而更趋平静——一种将机会视为协作者而非破坏者的非正式状态。

核心在于对“le vif”（生的本质）的追寻。作品倾向于直接体验而非理性化。我常选用的简约尺度旨在促成亲密感，而非炫目场面。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程与我的反思并非分离的线索，而是一个共同追求的一部分。我发现，以安静的悖论为基础的创作并不必脆弱。通过自律与清晰，这样的张力可以成为我相信的韧性源泉。

Anton Kaestner