Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

独一无二的原作，由Anton Kaestner绘于工作室直送。
#345 - S - "Vertical 3"。
喷涂丙烯酸于3mm有机玻璃板上。
此画并非印刷品。它是一件原创的“多层次”作品，具有近似树脂涂覆的光泽效果，呈现出独一无二的光亮质感。
印品透明度。

尺寸：9.1英寸 x 12.6英寸 x 0.12英寸 / 23 x 32 x 0.3 cm，不含框。

本画无框送达。
德国产品牌Nielsen铝制高品质画框，参考编号34（英寸 0.23 x 1.38 / 0.6 x 3.5 cm），在发货时可加购，价格为70€含税。

作品在背面签名。
附带真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner是一位瑞士画家、雕塑家及作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士以及迪拜展出。更多信息及选项，请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 2026年5月，洛桑。

生平

我在瑞士日内瓦出生，成长于祖国的自然美景与丰富文化之中。家庭重视创造力，我已故的祖父既是工匠也是艺术家，他对我的影响种下了日后终生的热情之种。
1993年，我开始私下创作，尝试在A4和随后A3的笔记本上涂抹无数丙烯酸颜料——我始终觉得大画面会直冲而来，压倒性且令人生畏，而小画则更能激发爱意。起初我被非具象画和抽象表达主义所吸引。
随着时间推移，虽然我自认为是无神论者，但我也逐渐喜欢上与人类存在及自然与生命的 deeper truths 共鸣的灵性材料。

然而，真正成为一名艺术家的道路并非一蹴而就。
三十多年间，我从事国际商业职业，走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。我的旅程拓宽了视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪儿，我都沉浸在当地艺术界，感受每一个地方的创造能量。
尽管商业生涯占据主导，但艺术始终是我的一部分，在心底静静燃烧。近三十年来，绘画成为我秘密的冥想——一种走出尘世、专注于内在自我的方式。

我始终在绘画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一次旅程，让我测试创造力、探索新技法、体验真实的情感。通过艺术，我一直希望为他人提供真诚的美的邂逅，让人从不同角度看待世界、反思自身生活。

2023年，告别商业生涯后，我全心投入绘画。在巴黎设立工作室，开始专注于艺术。至2024年末，我正式开启公开艺术生涯，出乎意料地迅速获得认可，作品进入欧洲各地的私人收藏，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰为多。

2025年底，我搬入诺曼底里斯耶的一个空置maidani房间改造而成的更大工作室。

艺术履历

我的首次个人展“Échos”于2024年末在巴黎举行，展现了一种独特的艺术方法，远离传统绘画技法：我将丙烯、金属颜料和喷涂涂在回收的挤压有机玻璃（Perpex）的背面，表面轻薄、光滑、光泽且有时脆弱。这一过程使我无法在创作过程中看到成品的外观，我在创作时没有视觉反馈或控制，这也正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可用来打破理性——来引导结果、层次与镜像效果，直到作品展出时揭示出来。但要说清楚：在我的画面中，偶然性并不决定结局；最多只是提出问题；有意义的“巧合”需要极高的纪律性。这一与摄影的揭示/定格过程相呼应的做法既具挑战性又具解放性。构图的价值通过叠层与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”质感：当我们在静默与光中停留时，能发现“不可简化的必需性”，也就是作品本身在探索什么。

我故意保持方法的简单。既非“情感”也非“理论概念”，而是“存在的体验”。既非“快速消费”亦非“理性化/知识化”，而是意识的扩展，探索现实及其可见与不可见的故事。我的艺术是对“生命在生命核心的活力”的追求，正如阿兰·达马西所说的“le vif”。尽管怀旧一直是我作品的一部分，但我的画作并无具体对象。像所有对象一样，它们本身就是对象。因此，它们既没有内容，也没有意义，也没有道理；它们就像树木、动物、男人、日子等一样，既没有生存的理由，也没有终点或目的。尽管我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，丙烯酸板为画面提供了一层微光的肌理，你可以在其中瞥见观者自己的轮廓，而每位新观者看到的轮廓都不相同。每件作品就像一个隐蔽的镜子：它会存在、会变化、会“看见”。光、色彩、质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，只需要共情力。希望画面在“近看细节”与“整体距离”之间的互动，能促使观者展开自我内省的旅程。

我并不声称自己掌握所有答案，对可以实现的事保持谦逊。简单地说，我在不断提问与成长的过程中找到满足感。每一个新的创作都是一次与自我极限的对话，促使我提升技艺、探索更广的可能。对我而言，绘画是一种每日的技艺、一种探索、一种激发有意义对话的方式、一种对完美涂料的追求，以致无需我们自身参与的状态。非正式时代才刚刚开始。

就像让·巴赞所说：“日常实践放大了对于观看的热情。”

关于我的创作中的连贯性

在当代艺术的语境中，概念与形式同等重要，我寻求创作的作品并非以突出性定义，而是以在场感来定义。我的画作——在丙烯酸板中的色彩与光的闪动场——是经过长期而缜密探究后的安静结果。对我而言，真正的焦点不在最终图像，而在于促成其出现的安静思考与过程之间的相互作用。

这一创作实践建立在三项一致的意图之上。

第一是从强加的意义中撤离。将作品描述为“无对象”、“无内容、无意义、无道理”，希望轻柔地削弱叙事的期望。这是一个走出解码、走向更直接观看的邀请。

这引出了第二个意图：对生活经验的首要性。在那片开放空间中，我试图放入我所理解的“存在的体验”。作品变得不再是待解读的对象，而是一个被光线、半透明层次以及观者自身凝视所塑造的静默事件。正如我常说，这件作品“活着、在变化、在看看自己”。

第三点是理念遇到手的时刻：将过程视为具身的思想。反向在有机玻璃上作画、在没有视觉反馈的情况下工作，是一种放手的身体实践。它是在创作过程中的有意识放权。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“自我之物”的独立对象，只有完成时才会完全显露出来。这与摄影冲印的静默平行——耐心等待“此时此地”到来。

坚持这些意图的还有几条温和的悖论，支撑着这项工作：

巧合与纪律
我谈论“有意义的‘巧合’”，但它们只有在谨慎的边界内才可能。巧合是受欢迎的客人，但结构是以小心为基石建立的。

无信息的沟通
我希望通过我称之为“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所共享的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、令人触心的宁静。

对当下的怀旧
作品中带着柔和的怀旧，但它却意在现在：渴望在“沉默与光”中发现的“不可简化的必需性”，渴望纯粹的在场，而作品本身则静静地提供。

勤奋与从容
这个过程需要稳健的专注，但目标是看起来自我驱动的结果，仿佛“自然而然地出现”。我追求那种看起来完全不可避免的状态。

以此精神，我逐渐体会到“非正式的时代才刚刚开始”。我的实践受到了非正式艺术精神的影响，或许没有那么多焦虑、更多的是平静——一种将巧合视为伙伴而非断裂的非正式性。

其核心是对“le vif”的追寻——活生生的核心。作品倾向于直接体验而非理性化。常选的朴素尺度旨在促进亲密，而非喧嚣。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程和我的反思并非分离的线索，而是一个共同追求的部分。我发现，根植于安静悖论的实践并非脆弱。通过纪律与清晰，这种张力可以成为我所相信的韧性来源。

Anton Kaestner