André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

这件由著名瑞士艺术家安德烈·拉姆泽尔（1914-2007）创作的抽象雕塑大约在1970年直接从艺术家处购买，是其风格的典型特征，深受亨利·摩尔的几何抽象影响。此时期他的作品聚焦于“充与空”的互动，雕塑中的圆形孔洞是其语言的一种经典元素。尽管他的许多著名作品多以青铜铸造，他也使用大理石、象牙岩等石材。此件看起来似乎是抛光的大理石材质。该雕塑编号为1/1，并带有其标志性的字母组合。尺寸为长28厘米、高18厘米、深12厘米。最后三张照片为同一时期的类似作品。

来源
艺术家工作室
芬兰Vliet家族，埃因霍温（1971）

重要！！
由于重量（>25公斤），除非现场取走，否则黑色厚重底座不予提供。

安德烈·拉姆泽尔
对于安德烈·拉姆泽尔而言，雕塑是他真正的召命：“我什么也做不成其他的。我听从内心的召唤。”这是一种他力图回答的召命，过程并非没有痛苦：“你追寻的目标在你愈靠近时越发远离。艺术家始终无法达到他所希望达到的境界。这既是痛苦的源泉，又是灵感的源泉，”他在九十岁时对Dominique Bosshard（《尼研舍尔快报》，2004年1月31日）这样说。

在La Chaux-de-Fonds的La Perrin（1886-1978）教育，以及巴黎蒙马特和蒙帕纳斯的自由学院学习后，安德烈·拉姆泽尔以体现他对罗丹（1840-1917）与马伊勒（1861-1944）等大师崇敬的方式，处理人体形体。雕塑家最后的具象作品是《沐浴者》，它俯瞰位于尼研舍尔的杜佩罗酒店花园中央的泳池。这不仅是他职业生涯的一个重要里程碑——因为这是他的第一件大型正式委托作品——也因为该作品引发了争议。安德烈·拉姆泽尔不得不为一批坚持传统艺术的反对者辩护。尽管原始的雕塑计划早在1948年就已提出，但作品在公开展示前拖了五年。

在奥西普·扎德基内（1890-1967）的工作室学习后，安德烈·拉姆泽尔逐渐转向抽象。他所雕刻的成对人体形象，逐渐变得简化、 refined，身体之间留出空隙。他这样总结自己的发展：

“是在1948年，《沐浴者》后，我离开了具象艺术。后来在巴黎待了一年，与雕塑家奥西普·扎德基内合作。在他的影响下，我慢慢发展出一种向往已久的自由形态。”扎德基内仍然是一位具象雕塑家，但他对人体的处理获得了自由，这也是我所取用的，如《安慰》这座现在坐落在比埃尔—琵若广场的雕塑；仍然是男性与女性的身体，但被以极大的自由度处理。”

当拉姆泽尔涉足抽象时，这种艺术形式受到了公众的严格评判，甚至包括许多艺术家，如Charles L’Eplattenier（1874–1946）、Léon Perrin（1886–1978）和Paulo Röthlisberger（1892–1990）。拉姆泽尔回忆说，后者在巴黎停留期间曾被诱惑尝试非具象绘画，但最终放弃了。“站在马里诺·马里尼的雕塑面前，他甚至对我说：‘这不是我们的东西。’”至于Léon Perrin，他现在对这位前学生的作品评价为“幼稚，几乎是堕落！”

拉姆泽尔的朋友画家，如Georges Froidevaux和Claude Loewer，也同样走上了抽象艺术的路，却遭遇同样的误解：尼研舍尔的公众根本不愿意看。尽管如此，尼研舍尔与汝拉地区自五十年代起就已强势进入现代艺术时代；雕塑家安德烈·拉姆泽尔成为最早离开具象艺术、将圆形探索赋予个人意义的人之一，即便他的作品仍能呼应让·阿尔普或亨利·摩尔（1950年在伯恩美术馆发现）等人的影像。

这些形式探索日益创新，但也有让尼研舍尔公众的敏感度受伤的风险，因为他们对抽象艺术仍显得不太接受。1960年日内瓦邮报（Courrier de Genève）在冬图尔保险大厦外墙揭幕的一座雕塑报道中写道：
“对于感兴趣的人——且我们相信人数不少——我们要指出的是这座由拉姆泽尔雕塑家的青铜主题，取名为’Envol（飞翔）’，这点值得了解。”这位雕塑家希望再次将作品融入建筑之中。拉姆泽尔在《尼研舍尔公报》对这件事作了如下解释：
“对这座极具现代感的建筑而言，目标是选择一个适合户外、离得远也能看清、也便于驾车者看到的简单主题。”我选择了一个圆形与建筑的纵向横向对比，进而创造出一种上升的节奏，以符合立面的巨大向上运动和要装饰的长方形墙面。我要强调，这件作品——我称之为《飞翔》——并不具备任何具体象征意义。它只是一个雕塑元素，人们只需看到形与节奏的游戏。现代建筑需要现代的雕塑艺术。”

安德烈·拉姆泽尔创作了无数纪念性作品，并与建筑产生了动态的对话。他始终努力在地点的精神中融入其中，与空间、光线及当地产生共鸣的材料互动。根据奥利维耶·博尔斯迈斯特的说法，拉姆泽尔的雕塑“在不断的运动中逐渐生成它们所需的空间，仿佛没有明确的起点和终点。”

安德烈·拉姆泽尔通过在圆形形态上进行变体，找到了独特的路径。对他而言，“球体是所有线条中最美的……他还赋予了“空白的魔力”一个核心地位，让形态在其中居住并渗透。材料与非物质之间的对立在此交汇。艺术家常说他的作品在空间中展开，空间又在渗透作品。他希望作品“由内而外地发光”。在他1989年的关于这位艺术家的专著中，马塞尔·若瑞写道：“由圆形孕育而来的形态，是天空的象征；由正方形切面孕育而来的，是大地的象征，它们相互繁衍。圆形将成为拉姆泽尔所有雕塑的核心形态，努力达到符号化、灵性化的物质。”雕塑家在2004年1月31日的L’Express中再次重申这一点：“在一件艺术品中，存在物质、空间、光，以及你所能注入的所有技艺。但还需要一个额外的、本质的维度，我称之为精神性。艺术品释放出它自己的振动。”

Cantata of Gates of Day（1988-1990）系列在他的作品中占有独特的位置。安德烈·拉姆泽尔反复沿着其邻居一位石匠的花岗岩板材走过多次。某天他突然有把这些板材切成建筑形态并添加微妙刻纹的冲动，以向材料本身致敬。这种手法让很多人不安，甚至艺术家本人也曾为此苦恼。

安德烈·拉姆泽尔多次在访谈和讲座中谈及自己的作品。他还为1994年Éditions du Griffon出版的专著第二部撰写了文字。