Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

独一无二的安东·凯斯特纳原作画，直接来自工作室。
#123 - M - “熔岩 #2”。

喷涂的丙烯颜料在3mm厚的有机玻璃板上（抗紫外线）。橙色印刷的透明层。此画不是印刷品。这是一幅原作的“多层”作品，光泽亮丽的效果近似树脂涂层，独一无二。

尺寸：英寸 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm 无框。

此画不带框。
由德国品牌尼尔森（Nielsen）铝材制成的高质量框，型号 34 黑色哑光（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发货时可选，附加费用为 90€ 含税。

作品署名在背面。
附证书一份。
运送由保险覆盖。

安东·凯斯特纳是位在巴黎居住的瑞士画家、雕塑家及作者。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜等地展出。更多信息及选择請见 www.antonkaestner.com。

个人展览：2027 年 1 月于日内瓦。

Biography

我出生于瑞士日内瓦，在祖国的自然之美与文化丰饶中长大。家人重视创造力，是在已故祖父，一位工匠与艺术家，的影响下种下了我日后终身的热情。
1993 年起，我开始私下绘画，尝试无数丙烯颜料，记录在 A4 及随后 A3 的笔记本上，我一直觉得大画面会直接向你冲来，威猛而压迫；小画则更能激发情感。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间的推移，尽管我自认是无神论者，我也逐渐偏好具灵性材质，因为它们与我对人类存在以及自然与生命的深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非立即清晰。
三十余年来，我从事国际商业职业，足迹遍布全球，从美国、摩洛哥、比利时、穿越亚洲与法国。我的旅程拓宽了视野，使我接触到各类文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地艺术场景中，与每个地方的创意能量互动。
尽管工作重心在商业，但艺术始终是我的一部分，安静地在表象之下持续萌芽。近三十年里，绘画成为我的秘密冥想——一种摆脱尘世、专注自我内在的方式。

我始终在绘画中获得巨大满足。每一件新作都是一次旅程：测试我的创造力、探索新技法、以真实体验生活。通过我的艺术，我一直希望给他人带来真诚的美的邂逅，提供从不同角度看世界、反思自身生活的机会。

2023 年，退休于商业生涯后，我全身心投入绘画，在巴黎建立工作室，开始专注于艺术。至 2024 年底，我开始对外公开艺术生涯，令我惊喜的是作品很快获得认可，遍及欧洲各地、尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰的私人收藏中找到归宿。

2025 年底，我搬到北部诺曼底里斯约的一间空置的圣事室，租下更大的工作室。

艺术简历

我的首次个人展览“Échos”（回声）在 2024 年底于巴黎举办，展现了一种独特的艺术方法，远离传统绘画技法：我以丙烯、金属颜料和喷雾涂抹于回收的挤压有机玻璃（Perpex）的背面，这是一种轻、光滑、光亮且有时脆弱的表面。这一过程使我在创作时无法直观看到作品的进展。创作过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切皆可用来打破理性束缚！引导结果、层次与镜像效果的形成，并为作品公开展示时带来顿悟与发现的空间。但需要明确的是：在我的画中，偶然不会决定结局；最多，偶然提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能。这种方法与摄影的揭示/定影过程相呼应，既有挑战性又带来解放感。作品的构图价值因层次与透明度而丰富，同时让每件作品拥有一种“禁欲”质感：当我们在静默与光线中停下并察觉，我们大多会认识到那些“不可约简的必要性”的东西。

我有意保持方法的简单。既没有“情感”也没有“理论构想”，只有存在的体验。既没有“快速消耗”也没有“知识化/知识占有”，而是意识的拓展与对现实及其可见与不可见故事的探索；我的艺术是对“生活在生活核心”的追求，正如阿兰·达马西所称的“le vif”。尽管怀旧在我的作品中一直存在，但我的绘画没有对象。像所有对象一样，它们是自足的对象。因此，它们既没有内容，也没有意义，也没有道理；它们就像事物、树木、动物、人或日子，同样没有存在的理由、没有终点、没有目的。虽然我的作品有时会让人想起 stained glass 的透明度与光辉，但它几乎完全抽象。再者，透明有机玻璃为画面赋予一层闪光的皮肤，让人能隐约看到自身轮廓，这来自每位新观者的不同视角。每件作品都像一个含蓄的镜子：它“活着、在变化、在看着你”。光、色、纹理的相互作用，缺失的部分也同样需要共情。希望“细节近观的细节-一张画的某个细节就是一幅全新的画”与“整体的远观”之间的博弈，能让观者踏上自我内省之旅。

我不声称自己拥有所有答案，也愿对所能达到的保持谦卑。简单地说，我在不断提问与成长的过程里找到满足。每一件新创作都是一次自我极限的对话，促使我完善技艺，进一步探索自己能实现的边界。对我而言，绘画是一项日常技艺、一次探索、一次促发有意义对话的方式、一段对完美到无需依赖我们的颜料的追求之旅。非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴赞所说：“日常的练习放大了看见的热情。”

关于我的创作的一致性

在当代艺术的景观中，概念与形式同等重要，我寻求创作不以显著性定义，而以存在感为定义的作品。我的绘画——在有机玻璃中的颜色与光辉的闪烁的场域——是长时间且有意识的探索的安静结果。对我来说，真正的重点不在于最终图像，而在于让其出现的思想与过程的安静互动。

这一实践基于三个对齐的意图。

第一是对强加含义的撤回。将作品描述为“无对象”并且“既无內容、亦无意义、亦无道理”，希望温和地松动叙事的期望。这是一次从解码走向直接凝视的邀请。

其次是“经历的优先性”。在这一开放空间中，我设入我所称的“在场体验”。作品更像一个需要被感受的安静事件，而非待解读的对象——由不断变化的光、透明的层次，以及观者凝视自己时的微弱反射所塑造。正如我常说的，作品“活着、在改变、在看着”。

第三是理念与手的结合：过程即承载思想。把画在有机玻璃背面进行创作、无视觉反馈，是一种放手的身体实践。这是制造过程中的主动释放控制。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“独立自我的对象”，只有完成时才完全显现。这与摄影冲洗的静默并行——耐心等待“此时此刻”到来。

坚持这些意图，还伴随几个温柔的悖论，支撑着我的工作：

随机与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在谨慎的边界内才可能。偶然是受欢迎的客人，但结构是用心建立的。

无信息的沟通
我希望通过我称之为无意义的作品来“传达某种东西”。也许所分享的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感的寂静。

对当下的怀旧
作品中带着柔和的怀旧，却指向现在：对“静默与光”中所发现的“不可约简的必要性”的渴望——对纯粹在场的渴望，作品本身会静静地给予。

努力与从容
这一过程需要稳定的专注，但追求的结果应当显得自成一体，仿佛它“自然而然地出现”。我被那种看起来完全不可避免的东西所吸引。

在这种精神下，我逐渐感到“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了艺术非形式派精神的影响，或许更少痛苦、更多平静——在这是一种非正式性，巧合不是断裂，而是安静的合作者。

其核心是对“le vif”——生命之活力的追寻。作品更趋向直接体验而非理性化。我常选取的克制尺度旨在促进亲密感，而非喧嚣。归根结底，这只是一个艺术家的道路。我的传记、我的过程、我的反思不是互不相关的线索，而是一场同一追求的组成部分。我发现基于安静悖论的实践并非脆弱。通过纪律与清晰，这种张力可以成为我相信的韧性源泉。

安东·凯斯特纳