Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

独一无二，Anton Kaestner 的原作绘画，直接来自工作室。
#123 - M - " Lava #2 ".

3mm 透明有机玻璃板上的喷绘丙烯酸（抗紫外线）。
橙色印刷的透明度。
这幅画不是印刷品。它是一件“多层”原作，呈现出近似树脂涂层的亮光“光泽感”，其效果独一无二。

尺寸：英寸 17,3 × 12,6 × 0,12 / cm 44 × 32 × 0,3 未裱框。

此画不带框。
德国 Nielsen 品牌的铝制高品质框架，参考号 34 Noir Mat（英寸 0,23 × 1,38 / cm 0,6 × 3,5），在发货时可额外购买，价格为 90€ 含税。

作品背面签名。
附带真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士籍画家、雕塑家与作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜广泛展出。如需更多信息及购买选项，请访问 www.antonkaestner.com。

下次个人展览 - 2027 年1月，日内瓦。

Biography

我出生于瑞士日内瓦，在祖国的自然之美与丰富的文化氛围中长大。家族重视创造力，我已故的祖父既是工匠也是艺术家，他的影响为我日后的人生热情埋下种子。
1993年，我开始私下创作，尝试大量的丙烯酸材料，起初在 A4、再到 A3 的笔记本上练习——我总觉得“大画面会直接冲向你，气势压迫、令人畏惧”，而小作品则能激发更多的爱意。我最初被非具象绘画与抽象表现主义吸引。
随着时间推移，尽管我自认是无神论者，但我逐渐偏好与精神性材料相关联的创作，因为它们与我对人类存在、自然与生活更深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一帆风顺。
在三十余年的国际商业生涯中，我走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。我的旅程拓宽了眼界，让我接触到各种文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术 scene，并与每个地方的创意能量互动。
尽管事业偏向商业，但艺术一直是我的一部分，静静在表面之下慢慢炖煮。近三十年来，绘画成为我秘密的冥想方式——一种摆脱世俗、专注自我的途径。

我一直在绘画中获得巨大的满足。每一件新作都是一段旅程，在那里我可以测试创造力、探索新技法、并体验真实的感受。通过我的艺术，我一直希望给他人带来真诚的美的邂逅，让人从另一种角度看待世界，反思自己的生活。

2023年，在从商业生涯退休后，我全身心投入绘画。我在巴黎建立了工作室，开始专注于艺术创作。到2024年底，我正式开启公开艺术生涯，令我惊喜的是，作品很快获得认可，遍布欧洲各地的私人收藏，尤其是德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025年末，我搬到了诺曼底吕斯讷（Lisieux）一座空置圣化室的更大工作室。

艺术简历

我的首次个人展览“Échos”在2024年末于巴黎举行，展示了一种独特的艺术方法，远离传统绘画技巧：我以丙烯、金属颜料及喷涂，绘于回收的挤压型有机玻璃（Perpex）背面 —— 一种轻盈、光滑、光泽，有时脆弱的表面。这一过程使我在创作中无法直观看到作品的发展。我在过程中没有视觉反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切皆可，来打破理性束缚！引导最终呈现的层次与镜面效果，并为作品最终展出时的启示与发现留出空间。但请明确：在我的画中，机会永远不是决定因素；最多只是提出问题；有意义的“巧合”需要极强的自律才能实现。这种接近摄影显影的过程既具挑战性又具解放感。构图的价值通过层次和透明度得到丰富，同时让每件作品具备一种“禁欲”的品质：当我们在安静与光线中停下脚步时，所能发现的“不可还原的必要性”成为我欣赏的对象。

我有意识地保持方法的简单性。既没有“情感”也没有“理论概念”，只有生存的体验。既不追求“快速消费”，也不追求“知识化/知识拥有”，而是追求意识的扩展与对现实、其可见与不可见故事的探索，我的艺术是对“生命最核心”的追寻，也是阿兰·达马西所称的“le vif”。尽管怀旧感一直贯穿我的作品，但我的绘画本身并无具体对象。像所有对象一样，它们是自我之物。于是，它们既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们就像事物、树木、动物、人或日子，既没有存在的原因，也没有终点或目的。尽管我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明与光亮，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力玻璃赋予画作一种闪烁的表皮，可以映出观者的轮廓，而每位新观者看到的轮廓都不同。每一件作品都是一个隐蔽的镜子：它会活、会变化、会“看”。光、色与质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，只需要共情。希望“近景细节”的玩法——一幅画的一处细节也是一幅全新画作——与“整体远景”的平衡，能促使观众展开自我内省之旅。

我不声称拥有所有答案，也愿对所能达到的保持谦逊。简单来说，我在不断质疑与成长的过程里找到满足感。每一次新创作都是一次对自我极限的对照，促使我提升技艺、进一步探索能达到的境界。对我而言，绘画是一项日常技艺、一种探索、一种激发有意义对话的方式、一种追求到达“完美到不再需要我们的颜料”的艺术。非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴赞所说：“日常实践放大了看见的热情。”

关于我创作的一致性

在以概念与形式同等重要的当代艺术生态中，我寻求创作出不以突出性为定义，而以在场感为核心的作品。我的画作——在有机玻璃中闪耀的色彩与光场——是经过长时间、深思熟虑的探究而成的安静结果。对我而言，真正的重点不在最终图像，而在于使其出现的思想与过程的安静互动。

这一创作理念基于三项一致的意图。

第一是从被强加的意义中撤离。通过将作品描述为“无对象”并强调“既无内容、亦无意义、亦无意义”，我希望温和地降低叙事的期望。这是一种邀请，让观者从解码中退开，走向更直接的观看。

这引出了第二个意图：以真实的生活经验为首要。将开放的空间留给我所称的“存在的体验”。作品不再是一个待解读的对象，而是一个静默的事件，通过不断变化的光线、透明的层次以及观者与自己注视相遇时的微弱反射来感受。正如我常说的，作品“在活着、在改变、在看”。

第三点是理念与动手的结合：过程即具身的思想。对着有机玻璃的背面作画，未获得视觉反馈，是一种放手的身体实践。创作过程是对控制的有意识放弃。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所谓的“自成之物”，只有完成时才会完全显露。这与摄影冲洗的理念呈现出一种静默的并行——耐心等待“此时此地”到来。

坚持这些目标，伴随以下几个温和的悖论，支撑着我的创作：

偶然与自律
我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才可能。偶然是受欢迎的客人，但结构是经过细心构建的。

无信息的沟通
我希望通过一件件无意义的作品来“传达某些东西”。也许所传达的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、安静的存在、可感知的静默。

对当下的怀旧
作品中有一种柔和的怀旧，然而它的目标却是现在：对在“沉默与光”中找到的“不可简化的必要性”的向往——对纯粹在场的渴望，作品本身默默地提供。

努力与轻松并存
创作过程需要稳定的专注，但追求的结果应当是自发的、仿佛“自然而然地产生的”。我被那些看似必然的时刻所吸引。

基于此，我逐渐感觉到“非正式时代才刚刚开始”。我的创作受到了非正式艺术精神的影响，或许更少的痛苦、更多的平静——一种将偶然视为协作者的非正式性。

其核心是对“le vif”——有生命的核心的追寻。作品倾向于直接的体验，而非理性化。我的常选的朴素尺度旨在促进亲密感，而非表演性。

归根到底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的创作过程与我的反思并非分离的线索，而是一个追求的组成部分。我发现以安静的悖论为基础的实践并非脆弱。通过自律与清晰，这些张力可以成为我所相信的韧性源泉。

Anton Kaestner