Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

单件作品，Anton Kaestner 的原作画作，直接来自工作室。
#485 - M - " 风景 #1 ".

喷涂丙烯在3毫米有机玻璃板上（抗UV）。这幅画不是印刷品。它是一件原作作品，采用多层次技术，呈现出光泽“glossy”的效果，接近树脂涂层的光泽感，是独一无二的。

尺寸：英寸 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm，未装裱。

此画作不带框。
德国 Nielsen 品牌铝制高质量框，参考号 34 520，选用白橡木贴面（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发运时可供选择并额外收费 90€ 含税，推荐使用。

作品背面签名。
附带鉴定证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是位于巴黎的瑞士画家、雕塑家及作家。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜广泛展出。更多信息与选购请访问 www.antonkaestner.com。

个人展览即将到来 - 2027年1月在日内瓦。

传记

我出生于瑞士日内瓦，成长在家乡的自然美景与文化丰富之中。家人重视创造力，我已故的祖父既是工匠也是艺术家，他的影响在我心里埋下了日后成为艺术人生的种子。
1993年起，我开始私下创作，试验了无数丙烯材料，起初在A4和后来的A3笔记本中尝试——我一直觉得大幅作品会直接冲击你，显得高傲而令人生畏，而小型作品往往能激发更多爱意。最初我被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管自认是无神论者，我也逐渐偏爱灵性材料，因为它们与我对人类存在及自然与生活深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。
三十余年间，我从事国际商务，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地直至法国。我的旅程拓宽了视野，让我接触到各种文化影响。无论走到哪里，我都潜心融入当地艺术场景，感受各地的创造力。
尽管事业较为专注，但艺术始终是我的一部分，在内心深处静静孕育。近三十年来，绘画成为我秘密的冥想方式——一种从尘世解脱、回归内在自我的途径。

我始终在绘画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一次旅程，让我测试创意、探索新技法、体验真实。通过艺术，我一直希望为他人提供真诚的美的邂逅，帮助人们从不同角度看待世界，反思自我生活。

2023年，退休后我全身心投身绘画，在巴黎建立工作室，开始专注于艺术创作。到2024年末，我正式开启公共艺术生涯，令我惊喜的是，作品迅速获得认可，藏家遍布欧洲各地，尤其是德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025年末，我搬到诺曼底吕贝斯的一个空置的圣器室改建成更大的工作室。

艺术简历

我的首个个人展“Échos”于2024年末在巴黎举行，展现了一种与传统绘画技法截然不同的艺术表达：我以丙烯、金属颜料及喷涂在回收的挤压丙烯酸板（Perpex）背面进行创作，表面轻盈、光滑、光泽，有时甚至脆弱。这一过程使我在作品进展过程中难以直观看到成品，我在创作中没有视觉反馈或控制——这是我乐于接受的。我允许“随机实验”——一切都可以用来打乱理性，让层次与镜面效果在作品揭示时呈现出惊喜。但请明确：在我的画面中，偶然不会决定一切；最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律下才会发生。这种与摄影的揭示/定影过程呼应的创作方式既具挑战性又充满解放感。构图的价值通过层次与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”的品质：当我们在寂静与光线中停留时，发现那些“不可化简的必需”便足以感到欣慰。

我有意保持方法的简单。既非“情感”也非“理论概念”，而是对存在的体验。既非“快速消费”也非“知识化/知识拥有”，而是意识的扩展与对现实及其可见与不可见故事的探索——我的艺术是在追寻“生活在生活核心”的过程，正如阿兰·达马西所称的“le vif”（生气勃勃的活力）。尽管怀旧在我的作品中始终存在，但我的画作没有具体的物体。像一切对象一样，它们自身就是对象，因此它们没有内容、意义或目的；它们就像树、动物、人或日子，也没有存在的理由、终点或目标。尽管我的作品有时会让人联想到彩色玻璃的透明度与光亮，但它几乎完全是抽象的。此外，丙烯玻璃为画面提供了一层闪烁的皮肤，观者能从中窥见自己的轮廓，且每位新观者看见的轮廓与前者不同。每件作品都像一面谨慎的镜子：它会生长、它会改变、它会“看见”。光、色、质地的相互作用，以及缺失部分的呈现，只需要共情力。希望画面中的“细节对近处”的互动——某一张画的细节也是一幅全新的画——与“整体的距离感”的互动，能够引导观者开启自己的内省之旅。

我不声称自己掌握所有答案，也愿意对能达到的事物保持谦逊。简单地说，我在不断的质疑与成长的过程中找到满足感。每一次新创作都是一次对自我极限的对话，促使我精进技艺、探索更广的可能。对我而言，绘画是一门日常的技艺、一种探索、一种促使有意义对话的途径、一种对完美颜料的追求，以至于它无需我们就能存在。非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴泽恩所说：“日常练习放大了看见的热情”。

关于我实践中的连贯性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我力求创作出一类作品，其定义不在于突出，而在于在场。我的画作——在丙烯玻璃内闪烁的色彩与光线场——是长期而深思熟虑探究的安静结果。对我来说，真正的聚焦不在最终图像，而在于使之出现的思维与过程的安静互动。

这一实践建立在三项一致的意图之上。

第一，是“对被强加的意义的退出”。通过将作品描述为“无物件”、“既无内容亦无意义”，我希望温和地放宽叙事的期待。这是一种鼓励走出解读、转向更直接的凝视的邀请。

这引出了第二个意图：对‘经历的优先性’。在这一开放空间中，我试图放入我所认为的“存在体验”。作品不再是一个被解读的对象，而是一个安静的事件，需要被感受——由不断变化的光、半透明层次以及观者与自己凝视交汇时的微弱反射所塑造。正如我常说的，那件作品“活着、它在变化、它在看着”。

第三点，是理念遇见手的地方：把过程当作具象的思想。把画面画在丙烯玻璃的背面，缺乏视觉反馈的作业，是一种放手的物理实践。它是在创作中有意识地放弃控制。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“自有物件”，只有完成时才完整展现。这与摄影冲洗的无声平行——耐心等待“此刻此地”到来。

坚持这些意图的还有一些温和的悖论，支撑着这项工作：

机遇与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只在严格的界限内才成立。机会是受欢迎的来宾，但结构是用心建构的。

无信息的交流
我希望通过我称之为“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所共享的不是一个声明，而是一种状态——光的纹理、静默的在场、可感知的静止。

对当下的怀旧
作品中带有柔和的怀旧感，但它的目标却是当下：对在“寂静与光”中发现的“不可化简的必需”的渴望——一种纯粹在场的愿望，作品本身也在静静提供。

努力与从容
过程需要稳定的专注，但目标是形成一种自我生成的结果，仿佛自然而然地出现。我被看起来完全不可避免的状态所吸引。

在此精神下，我愈发认知到“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了 Informel 艺术精神的影响，或许少了些焦虑、多了些平静——一种非正式性，其中机遇不是断裂，而是安静的合作者。

其核心是对“le vif”（生机、活力）的追寻。作品倾向于直接的体验而非知识化。常选的适中尺度旨在促进亲密感，而非炫目场面。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程与我的反思并非分离的线，而是一个共同追求的部分。我发现，建立在安静悖论基础上的实践并不脆弱。通过纪律与清晰，这些张力可以成为我所相信的韧性来源。

Anton Kaestner