Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

独一无二的原画，由 Anton Kaestner 直接来自工作室。
#484 - M - " Paysage #2 ".

三毫米厚的有机玻璃板上使用喷涂丙烯酸涂料（抗紫外线）。这幅画并非印刷品。它是一件原作的“多层”作品，表面呈现出类似涂覆树脂的光泽，独特且闪亮。

尺寸：英寸 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm（无框）。

此画作不带框。
德国 Nielsen 品牌铝制高品质框，编号 34 520，白橡木贴面（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发货时可按额外 90€ 含税的价格提供，供选购。

画作背面签名。随附真实性证书。运输包含保险。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家及作家，常驻巴黎。他的作品在欧洲、瑞士及迪拜的展览广泛展出。更多信息与作品选项请访问 www.antonkaestner.com。

个人展览预告 - 日内瓦 2027 年 1 月。

传记

我出生于日内瓦，瑞士。自幼就被家乡的自然之美与文化底蕴所包围。家庭重视创造力，我已故的祖父既是工匠也是艺术家，他对我的影响埋下了后来成为我毕生热情的种子。

1993 年，我开始私下绘画，尝试在 A4 和 A3 笔记本中使用无数的丙烯颜料——我一直觉得巨幅画作会直截了当地向你冲击，显得专横且令人生畏，而小型作品则能激发更多的爱意。我最初被非具象绘画和抽象表现主义所吸引。

随着时间的推移，尽管我自认是无神论者，但我也逐渐迷恋与灵性材料相关的表达，因为它们与我对人类存在及自然与生命更深层真理的探索相呼应。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。

三十多年间，我从事国际商业职业，走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时，横跨亚洲和法国。我的旅程拓宽了我的视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，感受各地的创造能量。

尽管事业繁忙，艺术始终是我的一部分，潜伏在心底。我近三十年把绘画当作一种秘密的冥想——一种逃离世界、专注于自我的方式。

我一直在绘画中获得巨大的满足。每一件新作都是一段旅程，我可以在其中测试创造力、探索新技法、并通过真实的体验来生活。通过我的艺术，我始终希望为他人提供一次真诚的美的邂逅，让人从不同的角度看待世界并反思自身生活。

2023 年，从商业职业退休后，我全身心投入绘画。我在巴黎创立了工作室，开始全身心地投入艺术。到 2024 年底，我开启了公开的艺术生涯，令我惊讶的是，作品很快获得认可，流入遍及欧洲的私人收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025 年底，我搬到诺曼底莱西厄斯的一个空置司祭室里，搬进了更大的工作室。

艺术简历

我在 2024 年底于巴黎举办的个人首展《 Échos 》 展示了一种与传统绘画技巧不同的独特艺术方式：我在回收透铝玻璃（Perpex）的背面使用丙烯、金属颜料和喷涂来作画，表面轻薄、光滑、光泽且有时脆弱。这个过程让我在创作过程中无法直接看到作品的演变，因此没有可视反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切皆可用来打破理性束缚！来引导画面的结果、层次与镜像效果，并为作品最终呈现时的启示和发现留出空间。但要明确：在我的画中，机遇并不会决定结局；最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的条件下才可能出现。这种与摄影的显现/定影过程呼应的方法既具挑战性又解放感强。构图的价值通过多层与透光性得到丰富，同时仍赋予每一件作品“禁欲”质感：当我在寂静与光线中停下来并重新认识“不可简化的必然性”时，我就感到欣慰，即我们或许会在这时发现什么。

我刻意保持方法的简约：既非“情感”也非“理论概念”，而是“存在的经验”。既非“快速消费”，也非“理性化/理性占有”，而是提升意识、探索现实及其可见与不可见的故事；我的艺术是一场对“生活本身之核心”的追寻，正如 Alain Damasio 所说的“le vif”。尽管怀旧感一直是我作品的一部分，但我的画作没有具体的对象。像所有对象一样，它们本身就是对象。因此，它们既没有内容，也没有意义，更没有意义的目的。它们像事物、树木、动物、男人、日子等一样，既没有存在的理由，也没有终结，也没有目的。虽然我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明度与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力板赋予绘画一层闪烁的皮肤，让人可以在其中瞥见自己的轮廓，而对每一位新观众都各不相同。每件作品都像一面隐形的镜子：它会活着、会改变、会看见。光、色彩和纹理之间的互动，甚至是缺失的部分，也只需要共鸣。希望在“细部近观”与“整体远观”之间的张力，能促使观者展开自我内省之旅。

我不声称拥有所有答案，也希望对能够达到的成就保持谦逊。简单来说，我在不断质疑与成长的过程中找到满足感。每一次创作都是一次挑战我的极限，将我推向更精炼的技艺，去探索我还能实现的更多可能。对我而言，绘画是一种日常的技艺、一种探索、一种引发有意义对话的方式，一种寻找完美到不再需要我们的颜料的追求。非正式艺术时代才刚刚开始。

正如 Jean Bazaine 所言：“日常的练习会放大看见的热情。”

关于我实践中的一致性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我力求创作出不是以突出性为定义，而是以在场感为定义的作品。我的画作——在压克力玻璃内闪耀的色彩与光场——是长期而有目的的探究的安静结果。对我来说，真正的焦点并非最终的画面，而是让它显现的思想与过程之间的安静互动。

这一实践基于三项协调一致的意图。

第一是从强加的意义中撤离。通过将作品描述为“无对象”且“既无内容、亦无意义、亦无道理”，我希望温和地放松对叙事的期望。这是一种引导观者走出解码、走向更直接的观看的邀请。

这引出第二个意图：以 lived experience 的至上性。让那片开放的空间中，成为我所谓的“存在的体验”的容纳之所。作品变成对观者的解释意义较少的安静事件，而是通过不断变化的光、半透明的层次与观看者凝视自己的微光反射所塑造的体验。正如我常说的那样，作品“活着、会改变、会看见”。

第三点是理念与手的结合：过程即 embodied thought。将画在压克力玻璃背面、在没有视觉反馈的情况下作画，是一种放手的身体实践。是一种在创作过程中的主动放弃控制。我设定条件，但放弃结果，使画作成为我所称的“自成一体的对象”，只有在完成时才完全显露。它是摄影显影的静默平行——对“此时此地”到来的事物的耐心等待。

坚持这些意图的，是几个温和的悖论，支撑着这项工作：

机遇与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们仅在谨慎的边界内才可能。机遇是受欢迎的客人，但结构是用心建立的。

无信息的沟通
我希望通过我称之为无意义的作品“传达某种东西”。也许所传达的不是一种陈述，而是一种状态——光的质地、安静的存在、可感知的静默。

对当下的怀旧
作品中带着柔和的怀旧感，但这怀旧感出自于此刻：对“沉默与光”中所发现的“不可简化的必然性”的渴望，对完美存在的渴望，作品本身默默地给予。

努力与从容
这一过程需要稳定的注意力，但目标是达到自立的、仿佛“自然而然地产生”的结果。我追求看起来完全不可避免的状态。

在此精神下，我渐渐觉得“非正式的时代才刚刚开始”。我的实践受 informs 艺术 Informel 的精神影响，或许更少的痛苦、更多的平静——一种让机遇不是破口，而是安静的合作者的非正式性。

其核心是对“le vif”—— 活的核心 的追寻。作品倾向于直接经验而非理性化。常选的低调尺寸旨在促进亲密感，而非视觉轰炸。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的反思并非分离的线索，而是一个共同追求的组成部分。我发现，建立在安静悖论之上的实践并非脆弱。通过纪律与清晰，这样的张力可以成为我相信的韧性源泉。

Anton Kaestner