小林雅美陶瓷花瓶——蓝绿色釉面，带有树枝图案，现代风格 - 瓷器 - Masami Kobayashi - 日本 - 平成時期（1989年至今）

– 小林雅美：国际知名的笠间陶艺家，拥有丰富的欧洲展览经历
优雅的锥形造型，配以蓝绿色底釉和奶油色釉料装饰，描绘自然主义的树枝。
– 高度18厘米×直径7厘米，适合用作插花或雕塑点缀的理想比例。

一些陶瓷作品要求立即填充，而另一些则觉得本身已足够完整，其形状和表面装饰共同构成一个无需添加任何元素的整体。由小林正美创作的这个花瓶就属于后者——完全自足，但如果你选择在其中放置一枝单独的树枝，它也会显得格外欢迎。

小林在日本工作室陶艺的丰富传统中工作，在那里，功能性器皿与雕塑作品之间的界线故意模糊。1952年出生于北海道，他曾在中野幸司的指导下，在笠间陶艺地区接受培训，之后建立了跨越四十年的卓越国际事业。他的审美感受源自自然界——不是通过字面表现，而是通过暗示和节奏。这只花瓶清楚地展示了这种方法：纤细、逐渐变细的形态，从较宽的底部升起，直至轻微外翻的瓶口，比例既稳定又富有动感。

小林在当代日本陶瓷领域的突出之处在于他在欧洲广泛获得的非凡认可。自1990年代中期以来，他的作品在欧洲各地展出——从德国汉堡和汉诺威，到巴塞罗那的Casa Batlló，再到芬兰的赫尔辛基画廊，尤其是在巴黎。2004年至2008年间，他的作品经常在卢浮宫旋转木马广场的著名沙龙展出。2006年，他在法国国家陶瓷博物馆Sèvres展出，这是欧洲最重要的陶瓷机构之一，也是法国国家陶瓷博物馆。其作品已被德国多家博物馆永久收藏，尤其是在巴黎的Cernuschi博物馆——专门收藏亚洲艺术的法国首都博物馆——于2013年收购了他的作品。

这只花瓶上的釉面展现出相当的技术掌控。底层釉似乎是蓝绿色，可能是通过在还原气氛中加入氧化铜制成——一种极易变幻的配方，能根据窑炉条件和粘土的不同，呈现出从深绿松石色到柔和灰绿色的各种色调。在这里，小林达到了介于海色与森林色之间的色彩，随着光线的变化而微妙地转变。在此之上，涂覆了一层渐变的奶油色泥浆，底部较深，向肩部逐渐变浅。这种效果仿佛海岸线，或许也像清晨的雾气在山谷中弥漫。

最引人注目的元素是沿表面蜿蜒而上的树枝图案。用同样的奶油色滑面，但以故意而自信的笔触施绘，它呈现出书法般的风格——那种只能一次完成、无法修正的标记。树枝结构在植物学上是合理的，但并不追求科学的精确：或许是光秃秃的冬季木材，或是夏季生长的骨架残骸。它创造出垂直的动态，既呼应花瓶逐渐变细的形状，又引导视线向上，同时稳固了整体的构图。

高度为18厘米、直径7厘米的花瓶，属于一种可以称为‘沉思尺度’的尺寸——既足够在架子或壁龛上显现存在感，又不至于占据过多空间。日本花器特有的细长颈部设计，鼓励简约的布置：一枝花、一点叶子，甚至什么都不放。在当代室内设计中，尤其受到斯堪的那维亚或日本极简主义影响的空间，这样的作品既可以作为雕塑，也可以作为容器。

表面呈现出光滑亮丽的光泽，没有明显的裂纹或烧制缺陷。釉面过渡清晰，显示出细心的施釉和良好的烧制控制。没有明显的缺口、裂缝或磨损。边缘整齐，整体状况显示出该件经过细心的处理和存放。整体来看，几乎处于完美状态。

小林在欧洲的展览历史悠久，尤其是他多次亮相于西方装饰艺术的历史中心巴黎，这体现了其作品的国际吸引力。欧洲的收藏家和机构，拥有从塞弗尔瓷器到工作室陶艺运动的悠久陶瓷欣赏传统，一直认可他作品的品质和美学一致性。对于日本工作室陶艺的收藏者，尤其是那些关注具有真正跨文化认可的作品的人来说，小林的作品既具有审美价值，又拥有在国际陶瓷界的已知出处。

如果你欣赏日本工作室陶艺，喜欢静静观察所带来的满足感；如果你重视那些被欧洲主要机构认可的艺术家的作品，那么这个花瓶提供了一个引人注目的机会。

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