Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

Anton Kaestner 的独一无二的原创画作，直接来自工作室。
#319 - M - 「来自内在的光」。

3毫米厚的有机玻璃板上的喷涂丙烯酸。
打印中的透明度
这个画面不是印刷品。它是一件具有“多层次”原始作品，具有类似树脂涂层的光亮“光泽”效果，独一无二。

尺寸 : 英寸 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm 无框。

这幅画没有框架。
建議使用德國品牌 Nielsen 的優質鋁製框架，參考編號 34 Natura 514 Oak（英吋 0.23 * 1.38 / 0.6 * 3.5 公分），可在出貨時額外支付 90 歐元（含增值稅）。

作品在背面签名。
附有一份真实性证明。
配送由保险保障。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家和作家，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜展出。更多信息和选择请访问 www.antonkaestner.com。

下一次展览 - 洛桑 2026年3月


传记

我出生於瑞士日內瓦，在家鄉美麗的自然風光和豐富的文化底蘊中長大。我的家庭非常重視創造力，而我已故的祖父是一位工匠和藝術家，他的影響在我心中埋下了種子，最終成就了我畢生的熱情。
在1993年，我开始私下创作，尝试用无数丙烯颜料在A4和随后的A3笔记本上作画——我一直觉得大尺寸画面像是直接向你冲来，居高临下、令人生畏，而小幅作品却能唤起更多的热爱。我最初被非具象绘画和抽象表现主义所吸引。
随着时间的推移，尽管我自认为是无神论者，我也逐渐对具有灵性内涵的材料产生了好感，因为它们与我对于人类存在以及自然与生命更深层次真理的探索产生了共鸣。

然而，真正成為藝術家並非一蹴可幾。

三十多年來，我從事國際商務工作，足跡遍佈全球，從美國到摩洛哥、比利時，橫跨亞洲，直到法國。這些旅行拓寬了我的視野，讓我接觸到多元的文化影響。無論走到哪裡，我都會深入體驗當地的藝術氛圍，感受每個地方的創作活力。
儘管我將重心放在事業上，但藝術始終是我生命中不可或缺的一部分，它靜靜地在我內心深處湧動。近三十年來，繪畫成了我一種隱密的冥想方式──一種讓我擺脫塵世喧囂、專注於內在世界的方式。

我一直從繪畫中獲得極大的滿足感。每一幅新作都是一趟旅程，讓我能夠檢驗自己的創造力，探索新的技法，並體驗真實的人生百態。我一直希望透過我的藝術，為他人帶來一次與美的真誠邂逅，讓他們有機會從不同的視角看待世界，並反思自己的人生。

在2023年，从商业生涯退休后，我全身心投入到绘画中。我在巴黎建立了自己的工作室，开始完全献身于我的艺术。到2024年末，我正式开启了公开的艺术生涯，令我惊讶的是，我的作品很快获得认可，进入欧洲各地的私人收藏，尤其是在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

在2025年年底，我搬到了诺曼底地区利斯厄的一间空置祭室里的更大工作室。


艺术简历

我的首个个人展览《Échos》于2024年末在巴黎举行，展示了一种与传统绘画技法不同的独特艺术方式：我使用丙烯颜料、金属颜料和喷涂，在回收的挤出式有机玻璃（Perpex）背面作画。这种材料轻巧、表面光滑、光亮，有时
脆弱的表面。这一过程使我在作品发展过程中看不到成品。我在整个过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可以用来打破理性！——来引导结果、我所创造的层次与镜面效应，并为作品最终暴露时的启示和发现留出空间。但要明确：在我的作品中，机会从不决定结局；充其量，机会只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能。这种与摄影的揭示/固定过程相呼应的方法既具挑战性又解放。构图的价值通过层次和透明度得到丰富，同时又赋予每件作品一种“禁欲式”的特质：当我在寂静与光线中停驻并识别出“不可简化的必然性”时，我就感到满足——也就是我们在停止静默与光线后最可能发现的东西。

我故意把方法保持得尽可能简单。既不是“情感”也不是“理论观念”，而是存在的体验。既不是“快速消费”也不是“理性化/知识化”，而是意识的扩展与对现实的探索，以及它的可见与不可见的故事。我的艺术是在寻找“生命之心的生命”，也就是阿兰·达马西奥所称的“le vif”。虽然怀旧始终是我的作品的一部分，但我的画却没有对象。如同所有物体一样，它们是自体的对象。因此，它们既没有内容，也没有意义，也没有道理；它们就像事物、树木、动物、人，或日子，既没有存在的理由，也没有终点，也没有目的。虽然我的作品有时会唤起彩绘玻璃的透明与光亮，但它几乎完全是抽象的。而且，亚克力玻璃为画作提供了一层闪耀的外皮，观者可以在其中瞥见自己的轮廓，而每一位观看者看到的都不同。每一件作品都像一面隐秘的镜子：它在生长、在变化、在观看。光、色彩、纹理之间的交错，以及缺失部分的空白，也只需要同理心。希望“近景细节”的博弈——一张画面的一个细节可以成为一张全新的画作——与“整体距离”的博弈，能够鼓励观者踏上自我内省的旅程。

我不自称拥有所有答案，也希望对能实现的成就保持谦逊。简单地说，我在不断提问与成长的过程里找到满足。每一次新的创作都是与自我的极限对话，推动我打磨技艺，进一步探索我能完成的事物。对我而言，绘画是一门每日的技艺，一次探索，一种激发有意义对话的方式，一场对完美颜料的追求，到了它无需我们的时候。非正式的时代才刚刚开始。

正如 Jean Bazaine 会说的：“日常练习放大了观察的热情。”



关于我在实践中的连贯性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我寻求创作的作品不是以显著性来定义，而是以存在感来界定。我的画作——在有机玻璃中闪耀的色彩与光线的领域——是经过长久而深思熟虑探究的静默结果。对我而言，真正的焦点并非最终图像本身，而是促成它浮现的思想与过程之间的静默互动。

这一做法基于三项一致的目标。

第一种是对强加意义的撤回。通过将作品描述为“无对象”，并声称“既没有内容，也没有意义，更没有意义感”，我希望温和地放松叙事的预期。这是一种邀请，鼓励人们远离解码，转向一种更直接的凝视。

这引出第二个意图：亲身经历至上的原则。把我所认为的“存在的体验”置入那个开放的空间。作品不再是一个需要被解读的对象，而是一个需要被感受的安静事件——由不断变化的光线、半透明的层次，以及观者对自己目光的微弱映照所塑造。正如我常说，作品“活着，它在变化，它在观看。”

第三点是理念与手相遇的地方：以身体化的思考来进行过程。 在有机玻璃的背面作画，未提供视觉反馈地工作，是一种放手的身体性实践。 这是在创作过程中的有意识的放权。 我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“自成一物”的独立对象，只有完成时才彻底显现。 它与摄影冲洗的过程相似，是一种对“此时此地”到来的事物的耐心等待的无声平行。

坚持这些意图的是一些温和的悖论，它们支撑着这项工作：

机遇与自律
我谈及有意义的“巧合”，但它们只有在谨慎的边界内才可能。偶然是受欢迎的客人，但结构是用心构建的。

没有信息的沟通
我希望通过我称之为“无意义”的作品来“传达某种东西”。或许所分享的不是一个陈述，而是一种状态——光的质感、宁静的存在、显而易见的静默。

对现在的怀旧
作品中弥漫着柔软的怀旧感，然而它出人意料地指向现在：对在“沉默与光”中所发现的“不可简约的必需品”的渴望——一种作品本身静默提供的纯粹在场的愿望。
努力与从容

这个过程需要持续的专注，但目标是获得一种看起来自发出现的结果，仿佛它是“自然而然地出现”。我被那种感觉完美必然的结果所吸引。
本着这种精神，我渐渐觉得“非正式的时代才刚刚开始”。我的实践受到了 Informel 艺术的精神影响，或许少了些痛苦，多了些平静——一种非正式性，在其中偶然并非断裂，而是一个安静的合作者。

本质上，这是对“生机”的追寻——活生生的核心。作品更偏向直接的体验，而非理性化。 我常选择的朴素尺度，旨在促进亲密感，而非喧嚣的场面。
最终，这不过是一位艺术家的道路。我的传记、我的过程、以及我的反思并非分离的线索，而是同一个追求的一部分。我发现，植根于安静悖论的实践并不必脆弱。通过自律与清晰，我相信，这样的张力可以成为韧性的源泉。

Anton Kaestner