Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

单件原创画作，Anton Kaestner 的原作，直接来自工作室。
#197 - S - " Backwash 2 ".
一幅昨年在澳大利亚展出的漂亮小画。

以喷雾丙烯涂在3mm厚的有机玻璃板上。
本画并非印刷品。它是一件原创的“多层次”作品，呈现出近似树脂涂覆的光泽效果，极为独特。

尺寸：英寸 9.1 × 12.6 × 0.12 / 公分 23 × 32 × 0.3，无框。

本画不带框出售。
德国 Nielsen 品牌铝制高品质画框，参考型号 34 Natura 白色或哑光银色（英寸 0.23 × 1.38 / 公分 0.6 × 3.5），在发货时可选购，附加费用为 70€ 含税。

作品签名在背面。
附赠真伪证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位居于巴黎的瑞士画家、雕塑家与作家。他的作品在整个欧洲、瑞士及迪拜展出。更多信息及选项，请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 洛桑，2026年5月。

传记

我在瑞士日内瓦出生，成长在祖国自然之美与文化底蕴之中。创意在我的家庭中被重视，正是我的已故祖父——一位工匠与艺术家——的影响，点燃了我人生最终的热情。
1993年，我开始私下作画，尝试用无数丙烯颜料在A4再到A3 的笔记本上作画——我一直觉得大画面会正面向你、压倒性且令人生畏，而小画则更易激发、激发出更多热爱。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间的推移，尽管我自认是无神论者，但我也产生了对精神性材料的偏好，因为它们与我对人类存在及自然与生活深层真理的探索相呼应。

然而，真正成为艺术家的路并非一帧就成。

三十余年来，我从事国际商业生涯，跨越全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。我的旅程拓宽了视野，让我接触到各种文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，感受每个地方的创造力。
尽管商业生涯占据中心位置，艺术始终在我内心深处静静涌动。近三十年来，绘画成为我秘密的冥想方式——让我远离尘世、专注于内在自我。

我一向在绘画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一段旅程，我可以在其中测试创造力、探索新技法，并切身体验真实情感。通过我的艺术，我一直希望为他人提供一次真诚的美的相遇，让人以不同的视角看世界，并反思自身生活。

在2023年，从商业生涯退休后，我彻底投入绘画。我在巴黎建立自己的工作室，开始全身心地投入艺术。到2024年底，我正式开展公众艺术生涯，出人意料地迅速获得认可，作品被送往欧洲各地的私家收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利与荷兰等国。

2025年底，我搬到诺曼底卢西厄的一座空置圣器室改成更大的工作室。

艺术简历

我的首次个人展览“Échos”于2024年末在巴黎举行，展现了一种与传统绘画技法截然不同的独特艺术手法：我在回收挤压式丙烯玻璃（Perpex）的背面绘画，使用丙烯、金属颜料以及喷涂，表面轻盈、光滑、光泽，有时脆弱。这一过程使我在创作过程中无法直接看到作品的发展。创作过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切皆可放手让理性失灵——引导作品的结果、层次与镜面效果，并在最终展出时为灵感与发现留出空间。但要明确的是：在我的画作中，机会不会作为决定因素；机会最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能发生。这一与摄影揭示/定影过程相呼应的做法，既具挑战性又带来解放。构图的价值通过叠层与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”的品质：当我在静默与光中停下、看清楚时，所见的“不可简化的必然性”便成为我欣赏的对象。

我有意识地保持方法的简洁。既不强调“情感”，也不强调“理论构想”，只强调“存在的体验”。既不追求“快速消费”，也不走向“知识化/知识占有”，而是追求意识的扩展与现实的探索——看见与看不见的故事。我的艺术是对“生命在生命的核心”的探索，正如 Alain Damasio 所说的“le vif”。尽管怀旧情绪始终伴随我的创作，但我的画作并无具体物体。像所有物品一样，它们也是自我之物。因此，它们既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们像树木、动物、人与日子等一样，既没有存在的理由，也没有终点和目的。尽管我的作品有时会让人联想到 stained glass 的透明度与光泽，但它们几乎完全属于抽象。此外，压克力玻璃为画面提供了一层闪光的皮肤，观者的身影在上面若隐若现、每位观者都不同。每一件作品都像一个隐性的镜子：它会“活着、变化、看见”。光、色彩、质感之间的相互作用，以及缺失部分的存在感，都需要观者的共鸣。希望在“细节近观”的乐趣（画面中的一个细节也可能成为一幅全新的画作）与“整体远观”的关系之间，能够促使观者展开自我内省之旅。

我并不声称掌握所有答案，也愿对可达成的成就保持谦逊。简单来说，我在不断质问与成长的过程中获得满足。每一件新作都是一次对自身极限的对照，促使我精进技艺、继续探索更多可能。对我而言，绘画是一种日常的手艺、一种探索、一种激发有意义对话的方式、一种追求完美到无需我们的存在的绘画之道。非正式时代才刚刚开始。

正如 Jean Bazaine 所说：“日常练习放大了对看见的热情。”

关于我创作的一致性

在当代艺术的图景中，概念与形式同等重要，我力求创作的作品不以显著性为定义，而以“在场感”来体现。我的画作——在有机玻璃内的色与光的波动——是对长期、深思熟虑的探询的静默结果。对我而言，真正的焦点并非最终图像，而是使其浮现的思想与过程之间的安静互动。

这一创作实践建立在三项一致的意图之上：

第一，是从被强加的意义中抽离。通过将作品描述为“无物件”并声称“既无内容、亦无意义、亦无意义感”，我希望柔和地松动对叙事的期望。这是对分解解读的邀请，走向更直接的观看。

这引导出第二个意图：以亲身体验为首要。把我所理解的“存在的体验”放入这一开放空间。作品不再只是被解读的对象，而是一种被感受的安静事件——在不断变化的光、透明的层次和观者凝视自我时的微弱倒影中被塑造。正如我常说的那样，作品“在活着、在改变、在看见”。

第三是理念遇见手艺的时刻：把过程视作具体现象的思想。对作品进行反向绘画、在没有视觉反馈的条件下作画，是一种放手的身体实践。它是在创作过程中的有意识放弃控制。我设定条件，但放手让结果自然显现，使画作成为一个独立的“自体对象”，只有完成时才会完全显现。这是一种与摄影冲洗过程的静默并行——耐心等待“此时此地”到来的何物。

坚持这些意图，存在几则温和的悖论，支撑着这项工作：

随机性与自律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才可能。机会是被欢迎的客人，但结构是用心建立的。

无信息的沟通
我希望通过自称无意义的作品“传达某种东西”。也许所传达的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、安静的存在、可感知的静默。

现在的怀旧感
作品中带有柔和的怀旧气息，但它似乎指向现在：对“静默与光”中所发现的“不可化简的必然性”的向往——作品本身悄然提供的纯粹在场感。

努力与自然实现
这一过程需要持续的专注，但目标是达到一种看起来自洽、仿佛“自然而然出现”的结果。我被那种看起来完全不可避免的状态所吸引。

带着这种精神，我逐渐感到“非正式时代才刚刚开始。”我的实践受艺术非形式精神的影响，或许更少痛苦、更多平静——一种把偶然视为不破裂的、安静的协作者的非正式性。

其核心是对“le vif”的追寻——那生命的活力。这项工作倾向于直接经验而非理性化。我的常用适度尺寸旨在促使亲密感，而非喧嚣。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的反思不是分离的线索，而是一个共同追求的组成部分。我发现，以安静的悖论为根基的实践并非脆弱。通过纪律与清晰，这种张力可以成为我所相信的韧性源泉。

Anton Kaestner