Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

独一无二的 Anton Kaestner 原作画，直接来自工作室。
#88 - XL - "Squander"。

在3mm Perpex板上用喷涂丙烯画成。此画非印刷品，而是具有多层次的原创作品，光泽度“glossy”接近树脂涂层，呈现出独特的效果。

尺寸：英寸 24.2 x 34.3 x 0.12 / 公分 61.5 x 87 x 0.3，不含框。

此画不带框。
德国 Nielsen 品牌的铝制高质量框，型号 34 Natura 514 橡木（英寸 0.23 x 1.38 / 0.6 x 3.5 cm），在运送时可提供，额外费用为 €150 含税。

作品背面签名。
随附真伪证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家及作者，常驻巴黎。他的作品在欧洲各地、瑞士以及迪拜展出。更多信息及作品选项请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 洛桑，2026年5月。

传记

生于瑞士日内瓦，我在祖国的自然美景与文化丰饶中长大。家族重视创造力，正是我的已故祖父——一位匠人和艺术家——的影响在我心中种下了日后将成为毕生热情的种子。
1993年起，我开始私下绘画，尝试在 A4、再到 A3 的笔记本中使用无数丙烯颜料——我一直认为大幅画面会直接向你冲击，显得专横而令人生畏，而小型作品则能激发更多的爱意。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认为是无神论者，但我也逐渐偏好与精神性材料相关的事物，因为它们与我对人类存在及自然与生命的深层真理的探索相呼应。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。

三十余年来，我从事国际商务，走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。我的旅程拓宽了我的视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，与每个地方的创造能量互动。
尽管商业事业占据重点，但艺术始终是我的一部分，静静地在表面之下酝酿。近三十年间，绘画成为我的一种秘密冥想的形式——一种让自己从世界中解放、专注于内心的方式。

我一直在画画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一段旅程，在其中我可以测试创造力、探索新技法、并通过真实的体验来生活。通过艺术，我一直希望为他人带来真诚的美之邂逅，让他们从另一个角度看待世界、思考自己的生活。

2023年，告别商业生涯后，我全身心投入绘画。在巴黎建立了我的工作室，开始专注于艺术。到2024年末，我正式开启公开艺术生涯，令我惊喜的是我的作品很快获得认可，遍布欧洲的私人收藏，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰为多。

2025年底，我搬到诺曼底里斯约斯的一个空置圣事室中的更大工作室。

艺术简历

我的个人首次个展《Échos》于2024年末在巴黎举行，展示了一种与传统绘画技法不同的独特艺术方式：我在回收的挤压丙烯玻璃（Perpex）背面用丙烯、金属颜料与喷涂喷绘，创作出一种轻盈、光滑、光亮且有时脆弱的表面。这一过程使我在作品创作过程中难以预测其发展形态。我在创作过程中没有视觉反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——任何东西都可以用来打破理性，指导成果、层次与镜面效果的形成，并在作品最终展出时留有启示与发现的空间。但请明确：在我的画中，机会不会作出决定；最多，机会提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律之下才可能出现。这一方法与摄影的揭示/显影过程呼应，既具挑战性又充满解放感。构图的价值通过层次与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲般的品质”：当我在静默与光中停留时，能认识到那些“不可简化的必然性”，也就是我们可能发现的本源之所需。

我刻意让自己的方式保持简洁。既不强调“情感”，也不追求“理论观念”，而是体验“存在的经验”。既不追求“迅速消费”，也不进行“知识化/知识拥有”，而是扩展意识、探索现实及其可见与不可见的故事，我的艺术是一场对“生命在生命核心”的追寻——正如阿兰·达马西所说的“le vif”（生机）。尽管怀旧感一直是我作品的一部分，但我的绘画并非具象物。它们像一切事物、树木、动物、人与日子一样，本身即是对象，既没有内容，也没有意义与理由。尽管我的作品有时会让人想到彩绘玻璃的透明与光泽，但它几乎完全是抽象的。此外，亚克力板为画作提供了一层微光的皮肤，让人能看见自己的轮廓，而对不同的观者而言各不相同。每件作品都像一个低调的镜子：它会生活、会改变、会看见。光、色、纹理、缺失的部分之间的相互作用也只需要共鸣。希望“细节近看”与“整体远观”之间的张力，能够促使观者踏上自己的内省之旅。

我不声称自己拥有所有答案，也愿对能达到的东西保持谦卑。简单地说，我在持续的提问与成长中找到满足感。每一次新创作都是一次对自身极限的对照，推动我提升技艺、探索更广的可能性。对我而言，绘画是一门日常技艺、一种探索、一种促使有意义对话的方式、以及一场追求一种完美到不再需要我们的颜料的旅程。非正式时代才刚刚开始。

正如让· 巴赞所说：日常实践放大了对观看的热情。

关于我创作的一致性
在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我力求创作的作品并非以突出性来定义，而是以存在感来定义。我的画作——丑彩光影在丙烯玻璃中的跳动，是长期而深思熟虑探索的安静结果。对我来说，真正的焦点不在最终图像，而是在使其浮现的安静的思想与过程的互动。

这一做法建立在三项一致的意图之上。

第一，是从强加的意义中撤离。通过将作品描述为“无物件的”，并指出它们“既无内容、也无意义、也无意义感”，我希望温和地放松叙事的期望。这是一次从解码走向更直接观看的邀请。

这引出第二个意图：对“有 lived 经历”的至上性。我把一个所谓的“存在的体验”置于开放的空间中。作品变得不是一个供人解读的对象，而是一个静默的事件，被光线的变化、透明的层次以及观者自己凝视时的微弱倒影所塑造。正如我常说的：作品“活着、会改变、会看见。”

第三个，是思想与手的结合：过程即嵌入的思维。把画画在亚克力玻璃的背面，缺乏视觉反馈，是一种放手的身体实践。是在创作中有意识地放弃控制。我设定条件，但交出结果，让画作成为我所称之为“自身的对象”的独立存在，只有完成时才完全显现。它与摄影显影的静默平行——耐心地等待“此时此刻”到来。

坚守这些意图的是一些温和的悖论，支撑着这项工作：

巧合与纪律
我谈论“有意义的‘巧合’”，但它们只能在谨慎的边界内发生。巧合是受欢迎的嘉宾，但结构是用心构建的。

无信息的沟通
我希望通过我称之为“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所共享的不是一种陈述，而是一种状态——一种光的纹理、一种静默的存在、一种可感的静止。

对当下的怀旧
作品中流淌着柔和的怀旧，但它的目标却出人意料地指向现在：对“沉默与光”中所发现的“不可简化的必然性”之渴望——对于纯粹呈现的渴望，作品本身安静地给予。

努力与自如之间
这一过程需要稳定的专注，但追求一个看起来自发的结果，仿佛它“自然而然地出现”。我向往看起来极为必然的时刻。
以此为精神，我逐渐感到“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到艺术非形式派精神的影响，或许更少的痛苦、更多的平静——一种把巧合视为伙伴而非断裂的非形式性。

其核心是对“le vif”的追寻——活的本质。作品倾向于直接经验，而非理性化。为了鼓励亲密交流，我常选用较小的规模。
最终，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的反思并非分离的线索，而是一个共同追求的一部分。我发现：以安静的悖论为基础的实践并不脆弱。通过纪律与清晰，这种张力可以成为我所相信的韧性源泉。

Anton Kaestner