Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

单件作品， Anton Kaestner 的原作绘画，直接来自工作室。
#378 - S - "Cities"。

喷绘在3mm有机玻璃板上的丙烯酸涂料。
这幅画不是印刷品。它是一件原创的“多层次”作品，呈现出近似树脂涂覆的光泽“glossy”，其独特性在于真实感。
印刷透明度。

尺寸：英寸 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm，未装框。

本画不带框。
德国 Nielsen 品牌的铝制高质量画框，系列编号 34（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发运时可提供，额外价格为 70€ 含税。

作品背面签名。
附带真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位在巴黎定居的瑞士画家、雕塑家与作者。其作品在欧洲、瑞士及迪拜广泛展出。更多信息与作品选择，请见 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 2026年5月 于洛桑。

传记

我出生于日内瓦，瑞士。成长在祖国的自然之美与文化丰富之中。家族重视创造力，我的已故祖父既是工匠也是艺术家，他对我的影响为我日后的人生热情埋下了种子。
1993年起，我开始私下绘画，尝试在A4、再到A3 的笔记本中使用无数丙烯颜料——我一直感觉大画作会直截了当地向你冲来、压制且令人生畏，而小型作品则能带来更多的爱。
我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自称无神论者，但我也逐渐偏爱与灵性材料相关的事物，因为它们与我对人类存在及自然与生命的深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一帆风顺。
三十多年间，我从事国际商业事业，足迹遍及全球，从美国、摩洛哥、比利时，到亚洲与法国。旅途拓展了我的视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地艺术场景中，与创造力的能量互动。
尽管事业占据焦点，艺术始终是我内心的一部分，在表面之下静静地 simmer。
将近三十年的时间，绘画成为我秘密的冥想——一种从尘世解放自我、专注于内在自我的方式。

我一向对绘画感到无比满足。每一件新作都是一次旅程，在此过程中我测试创造力、探索新技法，并通过真实体验来生活。通过我的艺术，我一直希望为他人提供一次真诚的美的邂逅，让人从不同角度看待世界、反思自身生活。

2023年，退休于商业职业后，我全心投入绘画，於巴黎建立工作室，开始全身心地投入艺术。到2024年底，我开启了公众艺术生涯，令我惊喜的是，我的作品迅速获得认可，进入欧洲各地私人收藏，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利与荷兰为多。

2025年底，我搬到诺曼底吕郞的 Lisieux 的一个空置礼拜堂的更大工作室。

艺术简历

我的首次个人展览《Échos》于2024年末在巴黎举行，展出了一种独特的艺术方法，远离传统绘画技巧：我以丙烯、金属颜料和喷涂，在回收自挤压式有机玻璃（Perpex）的背面进行绘画——表面轻盈、光滑、光泽且有时脆弱。这一过程使我难以在创作中看到作品的成长过程。我在创作过程中没有视觉反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可以用来打破常规——来指引结果、层次与镜像效应，并在作品最终展出时给人显现的机会。但要明确：在我的画作中，偶然并不决定结论；最多，偶然提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的基础上才可能出现。这一与摄影的显现/固定过程产生的共鸣，既具挑战性，也具有解放性。构图的价值通过层次与透光性得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”的品质：当我在安静与光里停下，停留在不可简化的必然性时，我就会感到欣慰。

我的方法故意保持简单。既不以“情感”也不以“理论构想”为主，而是以存在的经验为核心。既不追求“快速消费”，也不追求“理性化/对理智的占有”，而是扩展意识、探索现实及其可见与不可见的故事。我的艺术是对“生命之核心”的追寻，正如阿兰·达马西所说的“le vif”。尽管怀旧情结一直在我的作品中占有一席之地，但我的绘画没有具体的对象。像所有对象一样，它们也只是自身的对象，因此既没有内容、也没有意义、也没有道理。我的作品有时会让人联想到彩色玻璃的透明与光辉，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力玻璃为画作提供了一层闪烁的皮肤，能让观者看到自己的轮廓，随着新的观者而异。每一件作品都像一个朦胧的镜子：它活着、它在改变、它在看着。光、色、质感的相互作用，以及缺失部分的作用，只需要同理心。希望“细节近观”与“整体远观”之间的互相作用，能激励观众展开自己的内观之旅。

我不声称掌握所有答案，也愿意对可达到之事保持谦逊。简单地说，我在不断探索与成长的过程里找到满足。每一次创作都是一次自我挑战，促使我精进技巧、进一步探索自己能达到的边界。对我而言，绘画是一项日常技艺、一种探索、一种激发有意义对话的方式、对那种无需我们的颜料之完美追求的探索。非正式时代才刚刚开始。

正如让-巴赞所说：“日常实践放大了对观看的热情。”

关于我的创作的一致性

在当代艺术的语境里，理念与形式同等重要，我力求创作出并非以突出为目的，而是以“存在感”为定义的作品。我的画作——在有机玻璃内的色彩与光的闪耀场域——是长时间且有目的性探究的安静结果。对我而言，真正的焦点并非最终图像，而是让它显现的那份安静的思考与过程的互动。

这种创作建立在三个一致的愿望之上。

第一是从被强加的意义中撤回。把作品描述为“无对象”，并声称“既无内容、也无意义、也无意义感”，我希望温和地松动对叙事的期望。这是一次引导观者远离解码、走向更直接的观看。

这引出第二个愿望： lived experience 的至上性。让被打开的空间容纳我所称之为“存在的体验”。作品成为一个更像静默事件的对象来被感受——由不断变化的光线、半透明层次，以及观者与自身凝视相遇的微弱反射所塑造。正如我常说，作品“活着、它在变化、它在看着”。

第三点是理念与手的结合：把过程视为具象的思想。将绘画置于有机玻璃背面、在没有视觉反馈的情况下作画，是一种放手的身体实践。这是一个有意识地在创作中释放控制的行为。我设定条件，却放弃结果，让画作成为我所称之为独立“自身之物”的东西，只有当完成时才完全显现。这是对摄影冲洗的静默并行——耐心等待，直到“此时此地”到来。

坚持这些愿望，还有一些温和的悖论支撑着这项工作：

机会与纪律
我谈及有意义的“巧合”，但它们仅在谨慎边界内才可能。机会是一位受欢迎的客人，但结构是用心建立的。

无信息的沟通
我希望通过我所称的“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所传达的不是一个声明，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感知的静止。

对当下的怀旧
作品中带有一种柔和的怀旧感，却指向现在：渴望在“静默与光”中找到的“不可更简的必然性”——一种对纯粹在场的向往，而作品自已悄然提供。

努力与自然流露
过程需要稳定的注意力，但追求的结果应是自洒自落、仿佛“自然而然涌现”的感觉。我被那种看似不可避免的状态所吸引。
以此精神，我逐渐觉得“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了非正式美术精神的影响，或许更少焦虑、更多平静——一种将机会视为合作者的非正式性。

其核心是对“le vif”的追求——生命的活力。作品偏向直接经验而非理性化。常选取的朴素尺度意在促成亲密感、而非炫耀。
最终，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的创作过程、以及我的反思并非分离的线索，而是一个统一追求的一部分。我发现以安静悖论为基础的创作并非脆弱；通过自律与清晰，这样的张力可以成为我坚韧的源泉。

Anton Kaestner