Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

单件，Anton Kaestner 的原创绘画，直接来自工作室。
#345 - S - " Vertical 3".
在3mm 丙烯酸板上用喷漆作画。
这幅画不是印刷品。它是一件原创的“多层次”作品，具有近似树脂涂覆的亮光“光泽”效果，这是独一无二的。
印刷透明度说明。

尺寸：英寸 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm 无框。

此画不配框。
德国 Nielsen 品牌铝制高品质框，型号 34（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发运时可选购，追加价格 70€ 含税。

作品背部签名。
附带一份真迹证明书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家及作家，现居巴黎。其作品在欧洲、瑞士及迪拜等地展出。更多信息及作品选项，请访问 www.antonkaestner.com。

下次展览 - 洛桑 2026 年 5 月。

传记

我出生在瑞士日内瓦，在祖国的自然之美与文化丰富中成长。创造力在我的家庭里受到重视，而我的已故祖父是一位工匠与艺术家，他的影响像种子一样埋下，将来会成为我一生的热情。
1993 年，我开始私下创作，尝试在 A4 与 A3 笔记本上使用众多丙烯颜料——我一直觉得大幅作品直来自心灵，气势压迫、令人敬畏，而小型作品则更容易激发爱意。我最初被非具象绘画和抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管自认是无神论者，我也逐渐偏好与人类存在及自然与生命的深层真理相呼应的精神材料。

然而真正成为艺术家的路并非一帆风顺。
在三十多年里，我从事国际商业职业，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时，穿越亚洲与法国。我的旅程扩展了我的视野，使我接触到广泛的文化影响；无论走到哪儿，我都投身当地艺术场景，与当地创造力交流。
尽管以商业为主，但艺术始终静静地在我心中发酵。近三十年来，绘画成了我秘密的冥想方式——帮助我从世界中解放自己、专注于内在自我。

我一向在绘画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一段旅程，让我测试创造力、探索新技术、进行真实的体验。通过我的艺术，我始终希望为他人提供一种真诚的美的邂逅，让人从不同角度看见世界、思考自己的生活。

2023 年，在从商业事业退休后，我全身心投入绘画。我在巴黎建立了工作室，开始完全献身于艺术。到了 2024 年底，我正式开启公众艺术生涯，令我惊喜的是，作品很快获得认可，进入欧洲各地的私人收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

到 2025 年底，我搬到了诺曼底里斯约（Lisieux）的一间空置侺圣堂内的更大工作室。

艺术简历

我的首次个人展览“Échos”于 2024 年末在巴黎举行，展示了一种区别于传统绘画技法的独特艺术方法：我以丙烯、金属颜料与喷雾，在回收的挤压丙烯玻璃板（Perpex）的背面作画，表面轻盈、光滑、光泽且有时脆弱。这一过程使我在创作中无法直观看到作品的进展——在过程之中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可以用来打破理性，让结果、层次与镜像效果成为可能，并在作品最终展出时留给观者启示与发现的空间。但请明确：在我的画面中，机遇从不支配决定；最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律之间才可能发生。这种方法，与摄影的启示/定格过程产生共鸣，既具有挑战性又解放性。通过层次与透视的结合，作品的构图价值被丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲感”：当我们静默而光线相遇时，看到的往往是“不可简化的必需品”。

我坚持让自己的方法尽量简单。既非“情感”亦非“理论构想”，而是存在的体验。既非“快速消费”亦非“理性化/知识所有”，而是意识的扩展，探究现实及其可见与不可见的故事。我的艺术是对“生命本身的生活”之追寻，正如阿兰·达马西所说的“le vif” 。虽然怀旧一直贯穿于我的作品，但我的画作并不具物像。像所有物品一样，它们自身即是对象，因此既没有内容，也没有意义、也没有道理。它们像树木、动物、人与日子，既没有存在的理由，也没有终点或目的。尽管我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明与光亮，但它们几乎 wholly 抽象。更重要的是，丙烯板让画面具备闪烁的表皮，观者的身影会在其中浮现，而每个新观者看到的轮廓都不同。每件作品都像一个低调的镜子：它会生长、它会改变、它会看见。光、色彩与质感的相互作用，连同缺失的部分，也只需要共情。希望在“近景细节—细节本身就是一幅新画作”的游走，以及“整体距离”之间的张力，能够促使观者展开自我反思的旅行。

我不声称自己掌握所有答案，也愿对能力保持谦卑。简单来说，我在不断的质疑与成长中找到满足感。每一次新创作都是一次对自我极限的对抗，促使我精进技法、探索更多可能。对我而言，绘画是一门日常的技艺，一次探索，一种引发有意义对话的方式，一种追求完美到无需我们的颜料。这一非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴赞所说：“日常的练习让看见的热情成倍增长。”

在我的实践中的一致性

在当代艺术的景观中，概念与形式同等重要，我寻求创作出以“在场感”而非“突出性”为定义的作品。我的画作——在丙烯玻璃内闪耀的色彩与光的场域——是长期而谨慎探究的安静成果。对我而言，真正的焦点不在于最终形象，而在于促成其浮现的思考与过程的安静互动。

这与三个一致的意图相连。

第一是回撤对意义的强加。通过描述作品为“无对象”，并声称“既无内容、亦无意义、亦无道理”，我希望温和地削弱叙事的期望。这是一次从解读走向直接观察的邀请。

这引出第二个意图：以 lived experience（活 lived 经验）为首要。把“存在的体验”放入这一开放的空间，使作品不再是被解读的对象，而是一个安静的事件，被感受—在不断变化的光线、透明层次、以及观者凝视时的微弱反射中塑形。正如我常说的，作品“活着、改变、看见”。

第三个是理念遇到手的时刻：过程即体现思维的身体化。逆向在丙烯玻璃背面作画、无视觉反馈，是一种让步的物理练习。它在创作中有意识地放手控制。我设定条件，却放弃结果，让画作成为我所称的独立“自身的对象”，只有在完成时才完全显现。这也像是对摄影冲洗的静默平行——耐心等待着此刻到来。

坚持这些意图，还有一些温和的悖论支撑着这项工作：

机遇与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只在严格界限内成为可能。机遇是受欢迎的嘉宾，但结构是小心构筑的。

无信息的沟通
我希望通过我所称的无意义的作品来“传达某种东西”。也许所共享的不是一句话，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感知的宁静。

对当下的怀旧
作品中带着柔和的怀旧感，但它的目标却是现在：对在“沉默与光”中发现的“不可简化的必需品”的向往——作品本身悄然提供的纯粹存在。

努力与从容
此过程需要稳定的专注，但目标是让结果显得自主，仿佛“自然而然地出现”。我被那种看起来完全必然的事物所吸引。
在这股精神驱动下，我逐渐相信“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了 Informel 艺术精神的影响，或许更少的焦虑与更多的平静——一种把机遇视为不打断而是安静协作者的非正式性。

核心在于寻找 le vif——生命的活力之核。作品趋向直接体验而非理性化。我的常选低调规模旨在促进亲密感，而非视觉轰动。

归根到底，这只是一位艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的反思并非分离的线索，而是一个共同追求的不同部分。我发现以安静的悖论为根基的实践不必脆弱。通过纪律与清晰，这些张力可以成为我相信的韧性来源。

Anton Kaestner