Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

单件， Anton Kaestner 的原创绘画，直接来自工作室。
#385 - S - "Chromatic MR10"。

喷绘丙烯酸在3mm 丙烯酸板上完成。
这幅画不是印刷品。它是一件原作的“多层次”作品，具有近似树脂涂覆的光泽度，呈现出独一无二的效果。
印刷透明度。

尺寸：9.1英寸 × 12.6英寸 × 0.12英寸 / 23 × 32 × 0.3 cm 无框。

本画不带框。
德国 Nielsen 品牌铝质高品质画框，规格编号 34（英寸 0.23 × 1.38 / 0.6 × 3.5 cm），在运输时可额外购买，价格为 70€ 含税。

作品背面签名。
附带真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是位于巴黎的瑞士画家、雕塑家与作家。他的作品在整个欧洲、瑞士和迪拜展出。更多信息及可选作品，请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 卢塞恩，2026 年5月7-10日。

传记

我出生于瑞士日内瓦，在祖国的自然美景与文化底蕴环绕中长大。家族重视创造力，而我的已故祖父是一位工匠与艺术家，他的影响为我后来的人生热情埋下种子。
1993 年起，我开始私下绘画，尝试在 A4 及 A3 笔记本上使用无数种丙烯颜料——我一直觉得大画面会直截了当地冲击你，压迫感十足；而小作品则能激发更多的爱意。我最初被非 figurative、抽象表达主义所吸引。
随着时间的推移，尽管我自认是无神论者，我也逐渐偏爱与灵性相关的材料，因为它们与我对人类存在及自然与生命的更深真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。
三十多年来，我从事国际商业职业，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。我的旅程拓宽了视野，使我接触到各类文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，投入当地的创造活力。
尽管以商业为主，但艺术一直是我的一部分，在心底静静地酝酿。近三十年里，绘画成为我的一种秘密冥想方式——一条让自己远离尘世、专注于自我的途径。

我一向从绘画中获得极大满足感。每一件新作都是一段旅程，让我测试创意、探索新技法、以真实体验来生活。通过我的艺术，我始终希望为他人提供对美的真切邂逅，帮助人们从另一种角度看待世界并反思自身生活。

2023 年，在从商业生涯退休后，我完全投身于绘画。我在巴黎建立了工作室，开始全身心地投入艺术。到 2024 年底，我正式开启公开艺术生涯，出乎意料地作品迅速获得认可，被收藏在欧洲各地的私人收藏中，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025 年底，我搬到诺曼底吕维约斯的一处空置祭室里，迁入更大的工作室。

艺术履历

我的首次个人展览《Échos》于 2024 年底在巴黎举行，展示了一种不同于传统绘画技法的独特艺术方法：我在回收的挤压丙烯玻璃（Perpex）的背面，用丙烯、金属颜料和喷涂进行绘画，表面轻盈、光滑、光泽感强，偶尔脆弱。这一过程使我无法在创作过程中看到成品的进展。我在创作时没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我要让“随机实验”——一切都可探索，来推动结果、层次与镜面效果的形成，并在最终公开展出时留出揭示与发现的空间。但需要明确的是：在我的作品里，偶然性并不决定结局；最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在极高的自律下才可能出现。与摄影的揭示/定影过程相呼应，这种方式既具有挑战性也带来解放感。构图的价值通过层次与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲感”：当我在静默与光线中停下并察看时，能识别出“不可简化的必需品”。

我故意让自己的方法保持简洁。既不强调“情感”也不追求“理论观念”，而是强调存在的经验。既不追求“迅速消费”，也不过度 intellectualization/知识化，而是扩展意识、探索现实及其可见与不可见的故事，我的艺术始终在追求“生活在生命核心处”的境界，正如 Alain Damasio 所称的“le vif”。尽管怀旧一直是我作品的一部分，但我的绘画没有具体对象。像所有物体一样，它们也是自成一体的对象，因此既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们像事物、树木、动物、人与日子，既没有存在的理由、也没有终点或目的。虽然我的作品有时会唤起彩色玻璃的透明度与光辉感，但几乎完全是抽象的。此外，压克力玻璃为画作赋予了一层闪耀的皮肤，能够映出观者自身轮廓，而且每位观者都不尽相同。每件作品都像一面不显眼的镜子：它会生动、会改变、会看见。光、色彩、纹理、缺失的部分的互动，只需要移情作用。希望“近景细节”与“整体距离”之间的互动，能促使观众展开自我内省之旅。

我并不声称掌握所有答案，也愿意对可达到的成就保持谦逊。简单来说，我在不断的质疑与成长中寻找满足感。每一个新创作都是一次与自我极限的对话，促使我提高技艺、进一步探索我能实现的可能。对我而言，绘画是一项日常的技艺，一种探索，一种引发有意义对话的方式，一种追求完美无须我们的颜料之法的绘画。非正式时代才刚刚开始。

正如 Jean Bazaine 所言：“日常实践放大了看见的热情”。

关于我创作的一致性

在当代艺术的格局中，观念与形式同等重要，我力图创作出一种并非以显赫为定义，而以“存在”来定义的作品。我的画作——在丙烯玻璃内闪耀的色彩与光的场域——是长时间、深思熟虑的探究的安静结果。对我来说，真正的关注点不在最终图像，而在于使其显现的思考与过程的安静互动。

这一实践基于三个一致的意图。

第一个是对强加意义的撤回。通过将作品描述为“无对象”且“既无内容亦无意义”，我希望温和地放松叙事的期望。这是一种从解码转向更直接观看的邀请。

这引出第二个意图：以生活经历为首要。把“存在的体验”放置于这一开放空间中。作品不再是被解读的对象，而是一个安静的事件，被光线的变化、半透明的层叠和观者凝视时的微弱倒影所塑造。正如我常说的，作品“活着、在变、在看”。

第三点是理念与手的结合：过程即体现的思想。反向在丙烯玻璃上作画、没有视觉反馈，是一种放手的身体实践。它是在创作过程中的有意识放弃控制。我设定条件，但交出结果，让画作成为我所谓的独立“自有之物”，只有在完成时才完全呈现。这与照片冲洗过程在某种程度上形成了沉默的对比——耐心等待“此时此地”所到来之物。

坚持这些目标的同时，存在一些温和的悖论，支撑着这项工作：

巧合与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才可能。巧合是受欢迎的客人，但结构是用心构筑的。

无信息的沟通
我希望通过被称为无意义的作品“传达某些东西”。也许所传达的不是一个声明，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感知的宁静。

对当下的怀旧
作品中弥漫着柔和的怀旧，但它指向当下：对“沉默与光”中所发现的“不可简化的必需品”的向往——对纯粹在场的渴望，作品本身静静提供。

努力与自然而然
这过程需要稳定的专注，但追求的结果应当具备自我独立感，仿佛“自然而然地出现”。我向往看起来无可避免之物。

以此精神，我逐渐觉得“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了非正式艺术派精神的影响，或许少些痛苦多些平静——一种将巧合视为伙伴而非断裂的非正式性。

其核心是对“ le vif ” 的追寻——生命的生动核心。作品倾向于直接的体验而非知识化。常用的克制规模旨在促进亲密感，而非壮观。

最终，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的反思并非分离的线索，而是同一追求的组成部分。我发现，以静默的悖论为根基的实践并非脆弱。通过自律与清晰，这些张力可以成为我所相信的韧性来源。

Anton Kaestner