Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

独一无二的 Anton Kaestner 原作画，直接来自工作室。
#386 - S - " Chromatic MR11 ".

喷涂丙烯酸在3mm 厚的有机玻璃板上。
这幅画不是印刷品。它是一件原作“多层次”作品，呈现出类似树脂涂覆的亮泽“glossy”效果，独一无二。
印刷透明度如实披露。

尺寸：英寸 9,1 × 12,6 × 0,12 / 公分 23 × 32 × 0,3 无框。

此画无框出售。
德国 Nielsen 品牌铝制高品质画框，型号34（英寸 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm），在发货时可按追加金额70€ 含税提供，可选配。

作品背部签名。
附带真迹证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士籍画家、雕塑家和作者，现居巴黎。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜等地展出。更多信息与选择请访问 www.antonkaestner.com。

下一场展览 - 2026 年 5 月 7–10 日，洛桑。

传记

我在瑞士日内瓦出生，在家乡的自然之美与文化底蕴环绕中长大。家庭重视创造力，我的已故祖父是一位工匠与艺术家，他的影响为我日后的人生热情播下种子。
1993 年起，我开始在私人环境中作画，尝试大量 A4 与 A3 笔记本上的丙烯酸颜料——我一直觉得大幅作品会直接向你冲来，压倒性而令人生畏，而小型作品往往能激发更多的爱与灵感。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认为无神论，但我也逐渐钟情于精神性材料，因为它们与我对人类存在及自然与生命的深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。
三十余年来，我从事国际商业生涯，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时，横跨亚洲与法国。我的旅程拓宽了视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，并与各地的创造能量互动。
尽管事业重心在商业，但艺术一直是我内在的一部分，在心底静静地 simmer。近三十年来，绘画成为我秘密的冥想方式——一种让自己脱离尘世、聚焦内在自我的路径。

我始终在绘画中找到巨大的满足感。每一件新作都是一次旅程，我可以在其中测试创造力、探索新技法、亲身经历真实的体验。通过我的艺术，我一直希望给予他人一次真诚的美的邂逅，让他们从不同角度看待世界、反思自己的生活。

2023 年，退休于我的商业生涯后，我完全投入到绘画中，在巴黎设立工作室，开始全身心地奉献于艺术。到 2024 年底，我正式开启公开的艺术生涯，令我惊讶的是，作品很快获得认可，进入欧洲各地、尤其是德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰的私人收藏。

2025 年底，我搬到了诺曼底里库斯市一座空置的圣器室内，搬到一个更大的工作室。

艺术履历

我的第一次个人展览《Echoes》，于 2024 年底在巴黎举行，展示了一种与传统绘画技巧不同的独特艺术方法：我在回收的挤压有机玻璃（Perpex）背面，用丙烯、金属颜料与喷涂来作画，表面轻盈、光滑、光泽且有时脆弱。这一过程让我无法在作品创作过程中看到成形的画面。我在过程中没有视觉反馈或控制——这正是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可尝试，以打断理性的束缚，指引最终的效果、层次与镜像效果，留出在作品最终展出时揭示与发现的空间。但是要明确：在我的画中，偶然不会决定结果；最多是偶然提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能发生。这种与摄影揭示/定影过程相呼应的方式既具有挑战性又解放性。构图的价值通过层次与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”的品质：当我在沉默与光中停下并识别出“不可削减的必然”时，我感到欣慰。

我故意保持方法的简单。既不强调“情感”，也不强调“理论构想”，而强调“存在的经验”。既不追求“快速消费”，也不追求“知识化/知识所有”，而是追求意识的扩展与对现实及其可见与不可见故事的探索；我的艺术是一种对“生命本身的生命”的探索，一种对艾兰·达玛西所称的“le vif”的追问。尽管怀旧始终是我作品的一部分，但我的画作本身并没有具体对象。像所有对象一样，它们本身就是对象，因此既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们像树、动物、人或日子，既没有存在的理由，也没有终点或目的。虽然我的作品有时会让人联想到圣玻璃的透明性与明亮感，但它几乎完全是抽象的。此外，压克力板赋予画作一种闪烁的皮层，在其中可以瞥见自己的轮廓，对每位新观者而言都不同。每件作品都像一个低调的镜子：它在活着、在变化、在看着。光、色彩与质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，也只需要共鸣。希望“近景细节”的玩法——一幅画的细节本身就是一幅全新的图像——与“整体距离”的互动，能够鼓励观者走向自我内省的旅程。

我并不声称掌握所有答案，也愿对能实现的事保持谦逊。简而言之，我在不断质疑与成长的过程里找到满足感。每一次创作都是一次对自我的挑战，促使我改进技巧，深入探索我还能实现的可能。对我而言，绘画是一门日常的工艺，一种探索，一种引发有意义对话的方式，是一种追求“如此完美以至不再需要我们”的绘画。非正式时代才刚刚开始。

正如让-巴赞所说：日常练习放大了对观看的热情。

关于我的创作一致性
在当代艺术的景观中，概念与形式同等重要，我力求创作出一种不以显赫为目标、而以存在感为定义的作品。我的画作——在有机玻璃中闪烁的色光场——是长期而深思熟虑探索的安静结果。对我来说，真正的重点不是最终图像本身，而是促成它出现的思想与过程之间的安静互动。

这一创作原则落在三项一致的意向上。

第一，是从被强加的意义中抽离。通过描述作品为“无对象的”，并且强调“既无内容，也无意义，也无道理”，我希望温和地放松对叙事的期待。这是一次让观者走出解码、转向更直接凝视的邀请。

这引出第二个意向：以“ lived experience 的优先性”。在这一开放空间中，我试图放置我所理解的“存在的经验”。作品不再是需要被解读的对象，而是一个安静的事件，被感知——由不断变化的光、半透明层次，以及观者凝视时的微弱反射所塑形。正如我常说的，作品“活着、在变化、在看着”。

第三点，是理念遇到手的地方：过程即具象化的思想。把绘画放在有机玻璃的反面、没有视觉反馈地作画，是一种放手的身体实践。它是在创作中自觉放弃控制的行为。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“自成一物的对象”，只有完成时才会完全显现。这与摄影冲洗的安静并行——耐心等待着“此时此刻”到来。

坚持这些意向的是几组温柔的悖论，支撑着这件作品:

偶然与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才可能。偶然是受欢迎的来宾，但结构是精心构建的。

无信息的沟通
我希望通过我称作“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所共享的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感知的寂静。

对现在的怀旧
作品中有一种柔软的怀旧，然而它指向现在：对“沉默与光”中所发现的“不可削减的必然”的渴望——对纯粹存在的向往，作品本身在静默中提供。

努力与自然而然的努力
这一过程需要持续的专注，但目标是产生一种自给自足、仿佛“自然而然地涌现”的效果。我追求看起来完全不可避免的结果。
以此精神，我渐渐觉得“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了 Informel 艺术精神的影响，尽管也许少些焦虑、多一些平静——一种将偶然视为伙伴而非断裂的非正式性。

其核心是对“le vif”——生命的活力的追寻。作品更倾向直接体验而非理性化。为了促进亲密感，我经常选择较为克制的规格，而非喧嚣的场面。
最终，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的思考不是分离的线索，而是一个统一追求的一部分。我发现，建立在安静的悖论之上的创作并非脆弱。通过自律与清晰，这些张力也可以成为抵抗力的来源。

Anton Kaestner