Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

独一无二的 Anton Kaestner 原作画，直接来自工作室。
#391 - S - " Chromatic MR13 ".

以3mm厚有机玻璃板为底，喷绘丙烯酸颜料。
这幅画并非印刷品。它是一件原作的“多层次”作品，具有近似树脂涂层的亮光“光滑”质感，是独一无二的。
印刷透明度可见。

尺寸：英寸 9.1 × 12.6 × 0.12 / 23 × 32 × 0.3 cm，不带框。

本画不带框出售。
采用德国 Nielsen 品牌铝制高质量画框，型号34（英寸 0.23 × 1.38 / 0.6 × 3.5 cm），在发运时可选配，追加价格为 70€ 含税。

作品背面签名。
附带真伪鉴定证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家及作家，常驻巴黎。其作品在欧洲、瑞士及迪拜展出。更多信息及选购请访问 www.antonkaestner.com。

下次展览 - 洛桑，2026年5月7日至10日。

传记

生于瑞士日内瓦，我在祖国的自然美景与文化底蕴中成长。家族非常重视创造力，正是已故祖父的影响在我的心中埋下了终将成为我毕生热情的种子。
1993年，我开始私下创作，尝试大量在A4和A3笔记本上使用丙烯颜料——我始终觉得大幅画面会直截了当、压迫感十足，而小画则更易激发爱意。最初我被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认无神论者，我也对灵性材料产生了喜爱，因为它们与我对人类存在以及自然与生命深层真理的探索共鸣。

然而，真正成为艺术家之路并非一蹴而就。
三十余年来，我从事国际商业，走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲各地再到法国。旅途拓宽了我的视野，让我接触到丰富的文化影响。无论走到哪里，我都会沉浸在当地艺术场景，感受各地的创作活力。
尽管以商业事业为主，但艺术一直是我的内在部分，悄然在心中酝酿。近三十年的绘画成为一种隐秘的冥想方式——以自我为对象，超脱尘世喧嚣。

我始终在绘画中找到巨大满足感。每一件新作都是一次旅程，让我检验创造力、探索新技法、亲身经历真实体验。通过艺术，我一直希望为他人提供一次真诚的美的邂逅，让人从新的角度看待世界、思考自身的生活。

2023年，从商界退休后，我全身心投入绘画，在巴黎建立工作室，开始专注于艺术创作。到2024年底，我正式开启公共艺术生涯，出乎意料地获得迅速的认可，作品被欧洲各地私人收藏收纳，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰为多。

2025年底，我搬入里西埃，诺曼底的一个空置圣器室，进入更宽敞的工作室。

艺术简历

我的首次个人展览《Échos》于2024年末在巴黎举行，呈现出一种与传统绘画技巧不同的独特艺术手法：我在回收挤出式有机玻璃（Perpex）的背面，用丙烯、金属颜料和喷涂进行绘画，画面轻盈、光滑、光泽且有时脆弱的表面。这一过程使我在创作过程中无法看到成品的实际形态，缺乏即时视觉反馈——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——任何事物都可能让直觉超越理性——来指引作品的结果、层次与镜像效果，并为最终展出时揭示的惊喜留出空间。但请明确：在我的画中，偶然并不决定结局；偶然最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律下才可能出现。这种方法与摄影的显影/固定过程相呼应，既具挑战性又带来解放。构图的价值通过多层与透明度得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲式”的质感：当我们在静默与光中停驻时，所能发现的“不可简化之必需”成为我欣赏的对象。

我有意保持方法的简单。既不强调“情感”，也不追求“理论概念”，而是强调存在的体验。既不追求“快速消费”，也不追求“理性化/知识化”的掌握，而是拓展意识、探索现实及其可见与不可见的故事。我的艺术是一场对“生命本身之生命”的追寻，正如阿兰·达马西所称的“le vif”。尽管怀旧在我的作品中一直存在，但我的画作本身没有具体对象。像所有对象一样，它们本身就是对象。因而，它们既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们如同事物、树木、动物、男人或日子，既没有存在的理由，也没有终结与目的。虽然我的作品有时会唤起彩绘玻璃的透明与光亮，却几乎完全是抽象的。此外，亚克力板为画面提供了一层闪光的表皮，观者的身影在其中若隐若现，因人而异。每件作品都像一个微妙的镜子：它在生活、变化、观看中自我存在。光、色、质感、缺失之处的互动都需要共情。希望在“局部细节成就新画面”的互动与“整体距离成就整件作品”的对照中，鼓励观众展开自我的内省之旅。

我不声称掌握所有答案，也愿对自身能达到的成就保持谦逊。简单来说，我在不断提问与成长的过程里找到满足。每一次创作都是一次对自我极限的挑战，促使我精进技艺、探索更广的可能。对我而言，绘画是一门日用技艺、一种探索、一种引发富有意义对话的方式、以及对如此完美到不需要我的画笔的颜料的追寻。非正式时代才刚刚开始。

正如让-巴赞所说：日常的练习放大了看见的热情。

关于我创作的一致性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等重要，我力求创作的作品不以突出为定义，而以“在场感”为定义。我的画作——在有机玻璃中闪耀的色光场——是长时间、深思熟虑探索的安静成果。对我而言，真正的焦点不在最终图像，而在使其出现的沉静的思想与过程的互动。

这一定义基于三条一致的意图。

第一条是“拒绝被强加的意义”。通过将作品描述为“无物体”且“既无内容、也无意义、亦无道理”，我希望温和地放松对叙事的期望。这是一次让观者从解码中走向更直接的观察的邀请。

这引出第二条：以 lived experience（真实体验）为至上。在那开放的空间里，我试图放入我所称的“存在的体验”。作品变成一个需要被感受的安静事件，而非待解读的对象——由变化的光线、半透明的层次以及观者与自身目光相遇的微弱反射共同塑造。正如我常说，作品“在生长、在变化、在看见”。

第三条是理念与手的结合：过程即 embodiment of thought。将绘画在有机玻璃背面、在缺乏视觉反馈的情况下进行，是一种放手的物理实践。在创作中有意识地放弃控制，允许画作成为自成一体的“对象自身”，只有完成时才完全显现。这与摄影冲洗的静默平行——耐心等待“此时此地”所到来的结果。

坚持这些理念，还有若干温和的悖论支撑着这项工作：

机会与自律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界内才可能发生。机会是受欢迎的客人，但结构是用心构筑的。

无信息的沟通
我希望通过被称为“无意义”的作品来“传达某些东西”。也许所传递的并非一个陈述，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、可感知的宁静。

对现实的怀旧
作品中有一种柔和的怀旧感，但它指向现在：对在“沉默与光”中的“不可简化之必需”的渴望——对纯粹在场感的期望，作品会静静地提供。

努力与自然而然
创作过程需要稳定的专注，但追求的结果应当是自洽的，如同“自然而然地显现”。我被那种看似不可避免的感觉所吸引。

在这份精神指引下，我逐渐觉得“非正式时代才刚刚开始”。我的实践受到了非形式艺术精神的影响，或许更少煎熬、更多从容——一种把机会视作非破裂、而是安静合作者的非正式性。

其核心是对“le vif”——生命的活性核心的追寻。作品偏向直接体验而非理性化。常选择的简小尺度旨在促进亲密感，而非喧嚣场景。

归根结底，这只是一个艺术家的个人路径。我的传记、我的过程、我的反思并非独立的线索，而是一个共同追求的一部分。我发现以安静的悖论为基础的实践并不脆弱。通过自律与清晰，这些张力可以成为韧性的来源。

安顿 Kaestner