André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

这件由著名瑞士艺术家安德烈·拉姆斯耶（André Ramseyer，1914-2007）的抽象雕塑大约在1970年直接从艺术家处购买，并成为他风格的典型特征，深受亨利·摩尔（Henry Moore）的几何抽象影响。他在这一时期的作品集中表现了“实体与空灵”之互动，雕塑中的圆形洞口是他审美语言中的经典元素。尽管他许多知名作品都是铸铅青铜，但他也使用大理石、鲨口玉等石材。这件特定作品似乎是抛光大理石制成。该雕塑编号为1/1，带有他标志性的字母组合。尺寸为长28厘米、高18厘米、深12厘米。最后三张照片是同一时期的类似作品。

来源
艺术家工作室
埃因霍温的Vliet家族（1971）

重要！！
由于重量（>25千克），除非现场提取，否则黑色实底座不予配附。

安德烈·拉姆斯耶
对安德烈·拉姆斯耶来说，雕塑是一种真正的天职：“我别无他法。我顺从内心的召唤。” 一个他试图回应、并非没有痛苦的召唤：“你追寻的目标在你越靠近时越远离。艺术家总是没能达到自己原本想要达到的东西。这是痛苦的源泉，同时也是灵感的源泉。”他在90岁时对Dominique Bosshard（载于Neuchâtel Express，2004年1月31日）这么说。

在La Chaux-de-Fonds学习了Léon Perrin（1886-1978）并在巴黎的蒙马特及蒙帕纳斯自由学院参加过课程后，拉姆斯耶以人体为题材，创作出展现他对罗丹（1840-1917）与马依洛（1861-1944）等大师崇敬的风格。他最后的具象作品是《水中之泳者》，俯瞰新城纽绍市Hôtel DuPeyrou中花园的泳池。这一作品成为他职业生涯中的重要里程碑：首先是因为这是他第一次获得重要官方委托，其次因为这件作品引发了争议。安德烈·拉姆斯耶必须为其辩护，反对的群体坚持传统艺术。尽管原始项目早在1948年就已提出，但作品在公开揭幕前历经五年。

在奥西普·扎德基恩（Ossip Zadkine，1890-1967）工作室度过一段时间后，安德烈·拉姆斯耶逐渐走向抽象。他所雕刻的成对人物形象被简化、精炼为更干净的形式，身体之间留有空隙。他这样解释自己的发展：

“是在1948年，水中之泳者在Hôtel DuPeyrou之后，我才开始远离具象艺术。经过在巴黎的一年，我与雕塑家Ossip Zadkine合作。在他的影响下，我慢慢发展到一种我所渴望的自由形式。扎德基恩仍然是具象雕塑家，但他对人体采取了自由化的处理，我也采纳了这种自由，例如在《安慰》（现今矗立于比尔-比嫩的广场中央的雕塑）中；它仍是男性与女性的身体，但被以极大的自由处理。”¹

当拉姆斯耶涉入抽象时，这种艺术形式在广大公众甚至许多艺术家（如Charles L’Eplattenier 1874–1946、Léon Perrin 1886–1978和Paulo Röthlisberger 1892–1990）之间遭到严厉评判。拉姆斯耶透露，后者在巴黎居留期间曾有非象征派绘画的冲动，但最终放弃了。「面对马里诺·马里尼的雕塑，他甚至对我说：‘这不适合我们。’」至于莱昂·佩林，则将自己这位前学生的作品评价为“幼稚，几近败坏！”²

拉姆斯耶朋友的画家，如Georges Froidevaux与Claude Loewer，同样走向抽象艺术，也遭遇同样的不理解：纽绍城与汝拉地区从五十年代起在现代艺术舞台上崭露头角；雕塑家安德烈·拉姆斯耶是最早敢于离开具象艺术的人之一，并为圆形的探索赋予了个人维度，即使他的作品还带有让人回响于让-阿尔普或亨利·摩尔（他在1950年在伯恩美术馆发现）之风格的影子。

这些形式探索越来越具有创新性，但也冒着伤害纽绍城公众感情的风险——当时的公众对抽象艺术仍多不接纳。因此，1960年日内瓦快报在新揭幕的冬夏保险大厦立面雕塑之后写道：“对那些感兴趣的人——我们相信人群相当多——我们要指出，大厦立面上的铜质花纹，其雕作者Ramseyer所命名的题名为‘Envol’（飞升），这点值得知道。”³ 雕塑家希望作品再次融入建筑。拉姆斯耶在《纽绍报》《Neuchâtel Feuille d’Avis》中解释道：“对于这座极具现代感的建筑而言，目标是选取一个简单的、适合户外、在远处即可看清、甚至对行驶中的汽车也易辨认的花纹。我选择了一个圆的组合，以对比建筑的竖线和横线。必须制造出一种上升的节奏，与立面的巨大向上运动以及需要装饰的长方形墙相协调。我想强调的是，这件作品——我把它命名为《飞升》——并非代表什么。它只是一个雕塑元素，人人只应看到形态与节奏的游戏。现代建筑需要现代雕塑。”⁴

拉姆斯耶创造了无数纪念性作品，并与建筑产生了动态对话。他始终力求融入地点精神，玩味空间、光线和材料。根据Olivier Bauermeister的说法，拉姆斯耶的雕塑“逐步地在需要的空间中生成它们应有的连续起始与结束。”5

安德烈·拉姆斯耶通过对圆形的变体进行多样化，找到了独特的路径。对他而言，“球体是所有线条之美的象征……”他还赋予“空灵之魔力”一个核心位置，让物质与非物质的极端在作品中相遇。艺术家常说他的作品在空间中展开，仿佛空间也在感染它们。他希望它们“由内部发光”。1979年的关于这位艺术家的专著中，Marcel Joray写道：“由圆形诞生的形体，象征天空；由正方形的切割诞生的形体，象征大地，正在彼此繁衍。圆将成为拉姆斯耶所有雕塑的核心形式，力求达到符号化的、超凡物质。”雕塑家在L’Express（2004年1月31日）重复强调这一点：“在一件艺术品中，有物质、空间、光、以及你能赋予它的一切技艺。但还必须有一个额外的、关键的维度，我会称之为精神性。艺术品会发出自身的振动。”

1988-1990年的《Cantata of Gates of Day》系列在他的作品中占据独特地位。拉姆斯耶多次经过他邻居、一位石匠所存放的花岗岩板。他某天突然想把这些板块切割成建筑形式，并附上细腻的雕刻，向材料本身致敬。这一做法引起不少人的不安，甚至他自己也曾感到挣扎。

安德烈·拉姆斯耶多次就其作品发表言论，接受访谈与演讲。他还为1994年Éditions du Griffon出版的该画家专著的第二部撰写了文本。