André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

这件由知名瑞士艺术家安德烈·拉姆泽耶（André Ramseyer，1914-2007）创作的抽象雕塑大约在1970年直接从艺术家处购得，是其风格的典型代表，深受亨利·摩尔几何抽象的影响。该时期他的作品聚焦于“满与空”的互动，雕塑中的圆形洞口是其语言中的经典元素。尽管他许多知名作品以青铜铸造，他也尝试过大理石、石膏等石材。这件具体作品似乎采用了抛光的大理石。该雕塑标记为1/1并配有其标志性署记。尺寸为长28厘米、高18厘米、深12厘米。最后三张照片为同一时期的类似作品。

来历
艺术家工作室
埃因霍温的弗利特家族（1971）

重要!!
由于重量超过25公斤，黑色厚实底座不包含在内，除非现场自取。

安德烈·拉姆泽耶
对安德烈·拉姆泽耶而言，雕塑是他真正的天职：“我别无他物，我遵循内心的召唤。”这是他试图回应的召唤，过程伴随痛苦：“你追寻的目标在你靠近时似乎越来越遥远。艺术家总是在自己想达到的境界前感到不足。这是一种痛苦的源泉，同时也是灵感的源泉。”他在90岁时对多米尼克·博沙德（Dominique Bosshard）（《卢森雪山快报》，2004年1月31日）如此回忆。

他在洛桑的莱昂·佩林（Léon Perrin, 1886-1978）导师之下学习，后来又在巴黎蒙马特和蒙帕纳斯的自由学院上课，安德烈·拉姆泽耶在人体形态的处理上，反映了他对罗丹（1840-1917）和梅洛（1861-1944）等大师的崇敬。画家雕塑家的最后一件具象作品是《浴者》，它俯瞰涌泉酒店花园中心的泳池。这是他职业生涯中的一个重要里程碑：首先因为这是他接受的第一件重大官方委托，其次因为此作品引发争议。拉姆泽耶不得不为之辩护，对手依然坚持传统艺术。尽管雕塑家的原始计划早在1948年就已定下，但直到五年后才揭幕。

在奥西普·扎德金（Ossip Zadkine, 1890-1967）工作室度过的时光之后，安德烈·拉姆泽耶逐渐走向抽象。他所塑造的成对人物形象逐渐简化、精炼，其身体之间留有空隙。他这样阐释自己的发展：

“是1948年，在《浴者》之后，我开始远离具象艺术。去巴黎一年后，我与雕塑家奥西普·扎德金共事。在他的影响下，我慢慢发展出一种我一直渴望的自由形式。”扎德金仍然是具象雕塑家，但他对人体带来了一些自由，我也接受了这些自由，如在《安慰》里，现今位于比埃尔-比恩城中央广场；仍然是男性和女性的身体，但处理方式更加自由。”¹

当拉姆泽耶涉入抽象艺术时，这一艺术形式遭到大众乃至许多艺术家如查尔斯·莱帕特尼耶（Charles L’Eplattenier, 1874–1946）、莱昂·佩林（Léon Perrin, 1886–1978）和保罗·吕特利斯贝格（Paulo Röthlisberger, 1892–1990）等的严厉批评。拉姆泽耶说，最后一位在巴黎居留期间曾有冲动去创作非具象画作，但最终放弃了。他甚至对我说：“在马里诺·马里尼的雕塑前站着，他对我说：‘这不适合我们。’”至于佩林，他对这位前弟子如今的作品评价为“童稚，几乎堕落！”²

拉姆泽耶的友人画家，如乔治·弗鲁伊德沃（Georges Froidevaux）和克洛德·洛赫维尔（Claude Loewer），同样对抽象艺术这一方向难以理解，尼沙城的公众根本不看，也跟不上节奏。然而，自五十年代起，汝拉与纳焦地区在现代艺术阶段的出现颇为耀眼；雕塑家拉姆泽耶是最早敢于摆脱具象艺术并将圆形探索赋予个人维度的人之一，即便他的作品也带有让-阿尔布风格或亨利·摩尔的回声（他在1950年在伯恩艺术博物馆首次接触到）。

这些形式探索愈发创新，但也冒着伤害尼沙城公众情感的风险，尼沙城报纸在1960年对墙面上的几何雕塑发表了报道：
“对感兴趣的人——我们相信很多人——请注意，雕塑家拉姆泽耶在冬泰尔保险大厦外墙的铜质图案名为‘Envol（飞翔）’，以此提醒大家这一点。”³ 雕塑家希望再度将作品融入建筑中。拉姆泽耶在《努舍特报》解释道：
“对于这座极具现代感的建筑，目标是选择一个简洁的、适合户外、从远处就能看清、也能让驾车经过的人看见的图案。”他选择了一种圆曲线的组合，与建筑的竖直和横向形成对比，需营造上升的节奏，顺应立面的巨大向上运动和需要装饰的长方形墙面。他强调这件作品——我称之为“飞翔”——并非有什么象征意义，而是一个雕塑元素，人们应仅看到形态与节律的互动。现代建筑需要现代雕塑。”⁴

拉姆泽耶创作了无数纪念性作品，并与建筑发生了一种动态对话。他始终致力于融入地点的精神，玩转空间、光线和材料。根据奥利维耶·鲍斯迈斯特（Olivier Bauermeister）的说法，拉姆泽耶的雕塑“逐渐在需要的空间中生成，呈现出一个不间断的起始与终结运动。”5

安德烈·拉姆泽耶通过在圆形的变体中改变比例，找到了独特的路径。对他来说，“球体是所有线条中最美的……”他还把“空灵的魔力”置于中心位置，这种空洞感居住并渗透着形态。物质与非物质的对立在此汇聚。艺术家常说他的作品在空间中展开，空间也在渗透作品。他希望作品“从内部发光”。在他于1979年的艺术家专著中，马塞尔·乔莱（Marcel Joray）写道：“源自圆的形态，象征天空；源自正方形切面的形态，象征大地，彼此繁衍。圆形将成为拉姆泽耶所有雕塑的核心形式，追求达到这一标志，即灵化的物质。”雕塑家在(L’Express, 2004年1月31日)重复强调这一点：“在一件艺术作品中，存在物质、空间、光，以及你能投入的所有技艺。但还应有一个我称之为精神层面的额外维度。艺术作品会发出自身的振动。”

“日之门”系列（Cantata of Gates of Day，1988-1990）在他的作品中占有独特的位置。安德烈·拉姆泽耶多次沿着邻居的一位石匠收藏的花岗岩板走过，某日他突然有冲动要在这些板上雕刻建筑形式，并添加微妙的刻纹，以致敬材料本身。这种做法曾让许多人感到不安，连艺术家本人也曾为此苦恼。

安德烈·拉姆泽耶多次在访谈与讲座中谈及他的作品。他还撰写了1994年由Éditions du Griffon出版的专著第二部分的文本。