Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

独一无二的 Anton Kaestner 原创绘画，来自工作室直供。
#485 - M - “风景 #1”。

3mm 透明有机玻璃板上的喷涂丙烯酸颜料（防紫外线）。这幅画不是印刷品。它是一件原作的“多层”作品，呈现出接近树脂涂层的光亮“光泽感”，这是独一无二的。

尺寸：英寸 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm，未装框。

此画不配框。
德国 Nielsen 品牌铝制高质量画框，参考编号 34 520，白橡木镶板（英寸 0,23 × 1,38 / cm 0,6 × 3,5）的框架在发货时可供选择并附加 90€ 含税费用。

作品背部签名。
附带真实性证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位居住在巴黎的瑞士画家、雕塑家与作者。他的作品在欧洲、瑞士和迪拜等地展出。更多信息和作品可在 www.antonkaestner.com 查阅。

个人展览将于 2027 年 1 月在日内瓦举行。

传记

我出生于瑞士日内瓦，成长在祖国自然之美与文化之富裕的环境中。家人重视创造力，而我的已故祖父是一位工匠与艺术家，他的影响为我日后的人生热情埋下了种子。
1993 年，我开始私下创作，尝试大量的丙烯酸材料，起初是在 A4 与 A3 笔记本上实验——我一直觉得大画面会直截了当地冲击你，显得压迫与令人生畏，而小幅作品却能激发更多的热爱。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认为是无神论者，但我也逐渐喜欢上与灵性相关的材料，因为它们与我对人类存在、自然与生命深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。
三十多年间，我从事国际商业职业，走遍全球，从美国到摩洛哥、比利时，穿越亚洲与法国。我的旅行拓宽了视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都会融入当地的艺术场景，感受各地的创造活力。
尽管职业生涯以商业为主，艺术一直是我内心的一部分，在表面之下静静涌动。近三十年来，绘画成为我的一种秘密冥想——一种摆脱尘世、专注自我的方式。

我一向在绘画中感到极大的满足。每一件新作都是一次旅程，让我测试创造力、探索新技法、以真实体验来生活。通过我的艺术，我一直希望给他人带来真诚的美感体验，提供从不同视角看待世界、反思自身生活的机会。

2023 年，从商业职业退休后，我全身心投入绘画，于巴黎设立工作室，开始专注于艺术创作。到 2024 年底，我正式开启公开艺术生涯，出人意料地获得广泛认可，作品进入欧洲各地私人收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰。

2025 年底，我搬到诺曼底卢瓦伊斯的一个空的圣器室里，搬入更大的工作室。

艺术简历

我的首个个人展览“Échos”于 2024 年底在巴黎举行，展示了一种独特的艺术方法，远离传统绘画技巧：我在回收再挤压的有机玻璃（Perspex）背面用丙烯、金属颜料和喷涂进行绘画，表面轻薄、光滑、光泽，有时也较脆弱。这一过程让我在创作过程中对作品的发展没有直接视觉反馈，我在这个过程中没有视觉回路或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机试验”——一切皆可为打破理性而进行的实验——来引导作品的结果、层次与镜像效果，并为作品最终展出时的启示与发现留出空间。但需要明确的是：在我的画面中，偶然并不决定结局；最多只是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律的前提下才可能实现。这种方法与摄影的揭示/定影过程相呼应，既具有挑战性又令人解放。通过多层次与透明度来丰富构图的价值，同时赋予每一件作品一种“禁欲”的气质：当我们在寂静与光线中停留时，所发现的“不可归结的必需”成为我欣然认同的状态。

我故意保持方法的简单性。既不强调“情感”也不强调“理论构想”，更不是“快速消费”或“知识化/知识所有”，而是对存在的体验。我的艺术并非追求广泛的知识或观念，而是对意识的扩展、对现实及其可见与不可见故事的探索——对“生命本质之核心”的追求，正如阿兰·达马索所说的“le vif”。尽管怀旧感一直是我作品的一部分，但我的画作没有具体的对象。和所有对象一样，它们自身即是对象。因此，它们没有内容、意义或意图；它们就像事物、树木、动物、人或日子，既没有存在的理由，也没有终点和目的。虽然我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明度与明亮感，但它们几乎完全抽象。此外，丙烯酸玻璃为画面提供了一层发光的外皮，让人从新观者角度窥见自己的轮廓，这一轮廓对每位观众都是不同的。每一件作品都像一个含蓄的镜子：它在生活、变化与观看者的凝视中“活着、看见、感知”光影的互动。光、色与质感以及缺失部分的相互作用，只需要同理心。希望“近看细节”与“远观整体”之间的张力，能够引导观者踏上自我反思之旅。

我并不声称掌握所有答案，也愿意对所能达到的保持谦逊。简而言之，我在不断质问与成长的过程中获得满足。每一次创作都是一次自我挑战，推动我提升技艺、探索更广的可能性。画画对我来说，是日常工艺、一次探索、一种激发有意义对话的方式、对理想的绘画追求——一种完美到无需我们参与的颜料。非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴赞所说：“日常练习放大了看到的热情。”

关于我作品的一致性

在当代艺术的语境中，理念与形式同等重要，我寻求创作的作品不是以显著性为定义，而是以“在场感”为定义。我的画作——在有机玻璃中的色彩与光的闪烁场域——是长期而审慎探究的安静结果。对我而言，真正的焦点不是最终形象，而是让其浮现的思想与过程之间的安静互动。

这一实践建立在三项一致的意图之上。

第一，是对强加意义的撤回。通过将作品描述为“无对象”，并声称“既无内容、也无意义、亦无意义”，我希望温和地放松叙事解读的期望。这是一个走出解码，走向更直接观看的邀请。

这引出第二个意图：活 lived experience 的至上。在那片开放空间中，我试图置入我所认为的“存在的体验”。作品更像是一个需要被感受的安静事件，而非需要被解读的对象——由不断变化的光线、半透明层次，以及观者凝视时的微弱反射所塑造。正如我常说，作品“活着、在变、在看”。

第三个是理念与手艺的结合：过程即具体现的思想。对有机玻璃背面作画、在没有视觉反馈的情况下进行，是一种放手的身体实践。这是有意识地在创作中放弃控制。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“自我对象”的独立存在，只有完成时才会完全显现。这也像摄影洗印的静默平行——耐心等待此刻在此时此地到来。

坚守这些意图的是一些温和的悖论，支撑着这项工作：
- 偶然与自律：我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们只有在严格边界中才可能发生。偶然是受欢迎的宾客，但结构是小心构建的。
- 无信息的沟通：我希望通过我所谓无意义的作品“传达某种东西”。也许所传达的不是一个陈述，而是一种状态——光的纹理、静默的存在、清晰的安宁。
- 对现在的怀旧情感：作品中有柔和的怀旧，但目标竟然是现在：对“寂静与光”中的“不可归结的必需”的向往——一种作品本身静静提供的纯粹在场感。
- 努力与自然而然的并存：创作过程需要稳定的专注，但力求达到自发的结果，仿佛是“自然而然地涌现”。我倾向于那些看起来完全不可避免的东西。

以此精神，我逐渐觉得“非正式的时代才刚刚开始”。我的创作受艺术无形精神的影响，或许少了些痛苦多了些平静——一种把偶然视为伙伴而非断裂的非正式性。

其核心在于寻找“le vif”——生机的核心。作品更偏向直接体验而非理性分析。我常选择的适中尺度意在促进亲密感，而非喧嚣场面。最终，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程以及我的反思并非独立的线索，而是一条统一的追求。我发现以安静的悖论为基础的实践并不脆弱。通过自律与清晰，这些张力或许会成为我所相信的韧性之源。

Anton Kaestner