Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

珍品，Anton Kaestner 的原创绘画，从画室直接出品。
#484 - M - "风景 #2"。

3mm 厚有机玻璃板上喷涂丙烯酸颜料（抗紫外线）。此幅作品非印刷品。它是一件原作的“多层次”作品，表面呈现近似树脂涂覆的光泽感，独特且光亮。

尺寸：约 17.3 英寸 x 12.6 英寸 x 0.12 英寸 / 44 x 32 x 0.3 cm，无框。

此画不带框。德国 Nielsen 品牌的高质量铝框，参考 34 520，白橡木贴面（英寸尺寸 0.23 x 1.38 / 0.6 x 3.5 cm），在发运时可选购，额外价格为 90€ 含增值税。

画作背面签名。
附带证书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位居住在巴黎的瑞士画家、雕塑家与作者。他的作品在欧洲、瑞士及迪拜等地展出。更多信息及作品选择，请访问 www.antonkaestner.com。

近个人展览 - 2027 年 1 月日内瓦。

传记

我生于瑞士日内瓦，成长在祖国自然之美与文化底蕴之中。家庭重视创造力，是我的已故祖父——一位工匠与艺术家——的影响，种下了日后成就我毕生热情的种子。
1993 年，我开始私人绘画，尝试在 A4、再到 A3 的笔记本上使用无数种丙烯颜料——我一直觉得大画面会直接冲击你，显得支配性强、令人生畏；而小幅作品能激发更多爱意。我最初被非具象绘画与抽象表现主义所吸引。
随着时间推移，尽管我自认是无神论者，但我也逐渐偏爱与灵性材料的共鸣，因为它们与我对人类存在及自然与生命真理的探索相契合。

然而，真正成为艺术家的路并非一蹴而就。
三十多年间，我从事国际商务，足迹遍及全球，从美国到摩洛哥、比利时、跨越亚洲与法国。旅行拓宽了视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，与每个地方的创造能量互动。
尽管事业重心在商业领域，艺术始终是我内心的一部分，安静地在表面下酝酿。近三十年，绘画成为一种秘密的冥想——让我从世俗中解脱，专注于自我。

我始终在绘画中找到巨大满足感。每一件新作都是一次旅程，我在其中测试创造力、探索新技法、以真实体验来生活。通过我的艺术，我始终希望向他人提供对美的真诚邂逅，让人以不同角度看待世界、反思自身生活。

2023 年退休后，我彻底投身于绘画，於巴黎设立工作室，开始全身心投入艺术。2024 年底正式对外开启公开艺术生涯，作品迅速获得认可，进入欧洲各地私人收藏，尤其在德国、葡萄牙、比利时、意大利和荷兰广泛落户。

2025 年底，我搬到诺曼底里斯约市的一个空置教堂圣器室里，搬入更大的工作室。

艺术简历

我的首场个人展览《Échos》于 2024 年底在巴黎举行，呈现了一种与传统绘画技法迥异的艺术表达：我以丙烯、金属颜料及喷涂在回收的挤压有机玻璃（Perpex）的背面进行绘画——这一表面轻盈、光滑、光泽感强、有时也较脆弱。这一过程使我无法在绘画进行时观察作品的外观，我在创作过程中没有视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机实验”——一切都可以用来打乱理性！它们引导着最终成果、层次与镜像效果的形成，并为作品最终展出时的顿悟与发现留出空间。不过必须明确：在我的作品中，机遇从不决定结局；最多是提出问题；有意义的“巧合”只有在高度自律下才会发生。这种以摄影的显现/固定过程为回响的创作方式既具挑战性又带来解放感。作品的构图价值通过层次与透明感得到丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”的品质：当我在静默与光中停住时，发现的“不可简化之必要性”才是我真正要遇见的东西。

我故意保持方法简单。既不强调“情感”，也不追求“理论观念”，而是体验存在本身。既不追求“快速消费”，也不追求“知识化/知识拥有”，而是拓展意识、探索现实及其可见与不可见的故事，我的艺术是一种对“生活之核心生活”的追求，正如阿兰·达马西所称的“le vif”。尽管怀旧一直是我作品的一部分，但我的绘画并非有对象的物品。像所有物一样，它们本身就是对象，因此它们既没有内容，也没有意义，也没有意义感；它们就像事物、树木、动物、人或日子，既没有存在的理由，也没有终极目的。虽然我的作品有时会让人联想到彩绘玻璃的透明与光泽，但它几乎始终保持抽象。更重要的是，压克力板为画面提供了一层闪烁的皮肤，能让观者 glimpse 自己的轮廓，而每位新观众所看到的轮廓都不同。每件作品都像一面隐秘的镜子：它在生长、在变化、在观看。光、色彩、质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，只要有共鸣就足矣。希望“近景细节”与“整体距离”之间的对比，能鼓励观者开启自己的内省之旅。

我不声称掌握所有答案，也希望对能够实现的事保持谦逊。简单来说，我在不断质疑与成长的过程中找到满足感。每一件新作都是一次自我极限的挑战，促使我完善技巧、进一步探索我的能力。对我而言，绘画是一门日常技艺、一种探索、一次激发有意义对话的方式，一种寻找如此完美以至于不需要我们存在的颜料的追求。非正式时代才刚刚开始。

正如让·巴赞所说：“日常训练放大了对观看的热情。”

关于我创作的一致性

在当代艺术的景观中，观念与形式同等重要，我寻求创造的作品不是以突出性为定义，而是以“在场感”为定义。我的画作——在有机玻璃内闪耀的颜色与光场——是经过长时间、深思熟虑后的一种安静成果。对我来说，真正的焦点不是最终图像，而是使其显现所需的安静思想与过程的相互作用。

这种实践基于三条对齐的意图。

第一是从强加的意义中撤回。通过将作品描述为“无对象”，并声称“既无内容、亦无意义、亦无意义感”，我希望温和地削弱对叙事的期待。这是一种引导人们走开解码、走向更直接凝视的邀请。

这引出了第二个意图：以亲身体验为首要。进入这一开放空间，我试图放置我所称的“存在的体验”。作品不再是需要被解读的对象，而是一个需要被感受的安静事件——在光线变化、半透明的层次、以及观者与自己目光相遇的微弱反射中形成。正如我常说，作品“它在生活、它在变化、它在观看”。

第三个是理念与动手相遇：过程即身体化的思维。反向在有机玻璃上绘画、在没有视觉反馈的情况下工作，是一种放手的身体实践。它是在创作过程中自觉放弃控制的一种行为。我设定条件，但放弃结果，使画作成为我所称的“自有对象”，只有完成时才会完全显现。这与摄影冲洗的静默平行——耐心等待“此时此地”所到来的事物。

坚持这些目标，还有一些温和的悖论支撑着这项工作：

巧合与纪律并存
我谈及“有意义的‘巧合’”，但它们只有在谨慎的边界中才可能。巧合是受欢迎的客人，但结构是用心建造的。

无信息传达的沟通
我希望通过自称“无意义”的作品来“传达某种东西”。也许所传达的并非陈述，而是一种状态——光的纹理、安静的存在、以及观者凝视时的明显静默。

对当下的怀旧
作品中有一种柔和的怀旧感，但它的目标是当下：对“静默与光”中所发现的“不可简化之必要性”的渴望——渴望着作品本身静静给出的纯粹在场感。

努力与自如并进
创作需要稳定的关注，但目标是让结果显得自足，仿佛是“自然而然地产生”。我倾向于那些看起来不可避免的结果。

在此精神下，我深感“非正式时代才刚刚开始”。我的实践汲取自艺术非公式派精神，或许少些焦灼、多些平静——一种并非断裂、而是安静合作的非正式性。

其核心是对“le vif”的追寻——生命的活力。作品倾向直观体验而非知识化。常选的低调尺度旨在提倡亲密感，而非视觉冲击。归根结底，这只是某位艺术家的路径。我的传记、我的过程、我的思考并非分离的线，而是一场共同的追求。我发现以安静的悖论为基础的实践并不脆弱；通过自律与清晰，这些张力可以成为我所相信的韧性之源。

Anton Kaestner