Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

独一无二的原作，由 Anton Kaestner 直接出自工作室。
#497 - M - " Djebel ".

对3mm 厚的有机玻璃板喷涂丙烯酸漆（防UV）。这幅画并非印刷品；它是一件原作的“多层次”作品，其呈现出的光泽感接近树脂涂层，具有独特的表现力。

尺寸：英寸 19,7 × 15,4 × 0,12 / cm 50 × 39 × 0,3 不含框。

此画不带框。德国 Nielsen 品牌铝制高档框架，参考 34 524，橡木饰面（英寸 0,23 × 1,38 / cm 0,6 × 3,5）或在发货时可选的其他饰面，额外价格为 90€ 含税。

作品署名在背面。
附带来源证明书。
运输由保险覆盖。

Anton Kaestner 是一位瑞士画家、雕塑家与作家，现居巴黎。其作品在欧洲、瑞士和迪拜等地展出。更多信息与选择请见 www.antonkaestner.com。

下一次个人展览——日内瓦，2027 年 1 月。

传记

我出生于瑞士日内瓦，成长在祖国自然美景与文化丰富的环境中。家族重视创造力，正是我已故的祖父——一位工匠与艺术家——的影响，播下了我终将投身艺术的种子。
1993 年起，我开始私下创作，尝试了无数的丙烯材料，写在 A4 直至 A3 的笔记本上——我始终觉得大幅画作直击心灵，气势压人，而小型作品则更易引发爱意。起初我偏向非具象画与抽象表达。
随着时间推移，尽管我自认为是无神论者，但我渐渐对精神材料产生了偏爱，因为它们与我对人类存在及自然与生命深层真理的探索产生共鸣。

然而，真正成为艺术家的道路并非一蹴而就。

三十余年来，我从事国际商务工作，周游全球，从美国到摩洛哥、比利时、亚洲与法国。旅行拓宽了我的视野，让我接触到广泛的文化影响。无论走到哪里，我都沉浸在当地的艺术场景中，与当地的创意活力互动。
尽管事业占据主导，艺术始终是我的一部分，在表面之下静静地酝酿。近三十年里，绘画成了我的一种“秘密冥想”——一条让我脱离尘世、专注于内在自我的途径。

我始终在绘画中找到极大满足。每一件新作都是一次探索之旅，我可以测试创造力、尝试新技法、用真实体验去感受。通过艺术，我一直希望向他人呈现真诚的美，提供从不同角度看世界、反思自身生活的机会。

2023 年，从商务生涯退休后，我全身心投入绘画。我在巴黎建立了工作室，开始专注于艺术。至 2024 年底，我开启了公开的艺术生涯，出乎意料地收到了广泛认可，作品进入欧洲各地的私藏，尤以德国、葡萄牙、比利时、意大利、荷兰为多。

2025 年底，我搬到诺曼底吕斯约（Lisieux）一个空置的礼拜堂里的更大工作室。

艺术简历

我的首场个人展“Échos” 于 2024 年底在巴黎举行，呈现了一种区别于传统绘画技法的独特艺术表达：我以丙烯、金属颜料和喷涂材料，在回收的挤出式有机玻璃（Perpex）的背面进行绘画——这是一种轻盈、光滑、光泽感强且有时脆弱的表面。这一过程使我在作品创作的过程中难以预见其成形。创作过程中我没有直接的视觉反馈或控制——这是我所欢迎的。我允许“随机试验”——一切都可用来打破理性约束，促成最终的层次与镜像效果，并为作品展出后带来启示与发现。
但要说清楚：在我的画中，偶然并不决定结局；充其量，偶然仅是提出问题；只有通过大量的自律，才有意义的“巧合”才有可能出现。这种接近摄影揭示/定影的过程既具有挑战性又具解放感。构图的价值在于层次与透明度的丰富，同时赋予每件作品一种“禁欲”品质：当我们停下、在光线中静默时，可以发现不可约简的必要性。

我故意让自己的方法保持简单。既不以“情感”也不以“理论概念”为核心，而是以“存在的体验”为主。既不追求“快速消费”，也不追求“知识化/知识所有”，而是追求意识的拓展、对现实及其可见与不可见故事的探究；我的艺术是对“生活在生活核心”的追寻，亦即阿兰·达马西所称的“le vif”。尽管怀旧一直在我的创作中占有一席之地，但我的画作本身并无对象。像所有对象一样，它们也是自成一体的对象，因此既没有内容、也没有意义、也没有道理；它们就像事物、树木、动物、人或日子，既没有存在的理由，也没有终点或目的。尽管我的作品有时会让人想到彩绘玻璃的透明与光亮，但它几乎始终保持抽象。更重要的是，有机玻璃为画作提供了一层闪烁的肌理，观看者可以从中看到自己的身影，而且对不同的观者而言各不相同。每件作品就像一个低调的镜子：它活着、它在改变、它在看。光、色彩、质感的相互作用，以及缺失部分的呈现，也需要观者的同理心。希望“近观细节——一张画的一个细节就是一幅全新的画——与远观整幅”的互动，能够鼓励观众开启自我内省之旅。

我并不声称自己掌握所有答案，也愿意对所达到的成就保持谦逊。简单来说，我在不断问询与成长的过程中找到满足感。每一次创作都是对自身极限的挑战，促使我提升技艺，探索更广的可能性。对我而言，绘画是每日的匠作、探索，也是激发有意义对话、追求一种完美到无须我们存在的绘画的方式。非形式主义的时代才刚刚开始。

如让·巴扎讷所言：“日常练习放大了看见的热情”。

关于我的实践中的一致性

在当代艺术的景观中，理念与形式同等分量，我力求创作出并非以突出性为定义，而以存在感为定义的作品。我的画作——在有机玻璃内闪烁的色彩与光线场景——是长期而慎重探究的安静结果。对我而言，真正的焦点不在最终图像，而在使其显现的思想与过程之间的静默交互。

这项实践基于三项一致的意向。

第一是从被强加的意义中抽离。通过描述作品为“无对象”且“既无内容、亦无意义、亦无道理”，我希望温和地放松对叙事的期望。这是一个引导观者远离解码、走向更直接观看的邀请。

这引向第二个意向：以 lived experience（经历的体验）为首要。把“存在感”放在开放的空间里，作品不再是一个待解读的对象，而是一个被光线、半透明的层次、以及观者与自身目光相遇时的微弱反射所塑造的安静事件。正如我常说，作品“活着、它在改变、它在看”。

第三是理念与手的结合：过程即体现为有形的思想。反向绘画于有机玻璃背面、在缺乏视觉反馈的情况下进行，是放手的身体实践。它是在创造过程中的主动控制释放。我设定条件，但放弃结果，让画作成为我所称的“独立自体之物”，只有在完成时才完全显现。这与摄影冲印的寂静平行——一种对“此时此地”到来的事物的耐心等待。

坚持这些意向，还有一些温和的悖论支撑着这门艺术：

巧合与纪律
我谈到“有意义的‘巧合’”，但它们只有在谨慎的边界内才有可能。巧合是受欢迎的客人，但结构是用心构建的。

无信息的沟通
我希望通过被我称为“无意义”的作品，传达某种东西。也许共享的不是一个声明，而是一种状态——光的纹理、安静的存在、以及观者凝望时的清晰静默。

对当下的怀旧
作品中带着柔和的怀旧，但目标却指向现在：对“ Silence and Light”中所发现的“不可约简的必需性”的渴望——对纯粹在场感的期盼，作品本身安静地提供着。

努力与从容
过程需要稳定的专注，但追求的却是自我驱动、仿佛“自然而然地显现”的结果。我被那种看起来完全不可避免的状态所吸引。
在此精神下，我逐渐觉得“非形式时代才刚刚开始”。我的实践受艺术非具象精神的影响，尽管可能少一些痛苦、更多的平静——一种让偶然并非破裂，而是安静的合作者的非正式性。

其核心是对“le vif”（生的活力）的追寻。作品倾向于直接的体验而非理性化。通常我选择的适度尺度旨在促进亲密感，而非喧嚣。

归根结底，这只是一个艺术家的路径。我的传记、我的过程与我的反思不是分离的线索，而是一个共同追求的部分。我发现，以安静的悖论为基础的实践并不必然脆弱。通过纪律与清晰，这种张力可以成为我相信的韧性源泉。

Anton Kaestner