Mateo Orduña Castellano (1915-1989) - Bodegón

Γεννήθηκε σε ένα χωριό του δήμου Almoster la Real (Huelva), μέσα σε μια οικογένεια με μετριότατους πόρους. Υποτροφία από το Υπουργείο Δημόσιας Εκπαίδευσης και Καλών Τεχνών, μετακινήθηκε το 1932 στη Χουέλβα για να εισαχθεί στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Χουέλβα, υπό τη διεύθυνση του Πορτογάλου ντεράθη, του ζωγράφου από τη Μάλαγα José Fernández Alvarado, τότε διευθυντή του Μουσείου Καλών Τεχνών της πόλης. Με το θάνατο του Fernández Alvarado, το 1935, χάθηκε και η Ακαδημία και οι ελπίδες του νεαρού Όρντουνα, παρά τις προσπάθειες συνέχειας του Brunt, μέχρι το 1936, και αργότερα του Pedro Gómez και Enrique García Orta. Από τότε, ο Orduna (Orduña) αντιμετώπιζε τη ζωή μπροστά στα τραγικά γεγονότα που σκίαζαν την Ισπανία. Με το τέλος του Εμφυλίου Πολέμου και αφού εγκατέλειψε τη ζωή του υπαλλήλου, αφοσιώθηκε επαγγελματικά στη ζωγραφική.
Το 1942 απέκτησε τους πρώτους καρπούς στην έκθεση Τέχνη και Ανάπαυση, κατακτώντας το πρώτο βραβείο. Από το 1944 εκθέτει σε Χουέλβα, Σεβίλλη, Μπιλμπάο και Ούεσκα: ο Orduna άφησε τον αυστηρό κλασικίστικό χαρακτήρα της ζωγραφικής, με ρομαντισμό της δεκαετίας του εβδομήντα, σεμνότητα, καθώς και τη λατρεία του προς τις ρεαλιστικές διδασκαλίες του δασκάλου του Fernández Alvarado, για να βυθιστεί στην ιμπρεσιονιστική ελευθερία, στη γραμμή του Σορόγια.
Η ιδέα του ταξιδιού, της κατάκτησης κόσμων και της γνώσης —ζήτημα όχι εύκολο στην Χουέλβα της μεταπολεμικής περιόδου— οδήγησε σε μια σύντομη αλλά έντονη περίοδο συνεχών αναζητήσεων, ανθρώπινης και καλλιτεχνικής αυτοπροσδιορισμού. Μεταξύ 1949 και 1953 ο Orduna καθόρισε το καλλιτεχνικό του νόημα μέσα από μια εκρηκτική παράσταση φωτός και χρώματος, μήτρα του έργου του, και μια μεγάλη εκφραστική δύναμη με σαφή ανάμνηση στον τελευταίο Γκόγια.
Για είκοσι χρόνια, η περίοδος που εκτείνεται από το 1954 μέχρι το 1974, διαμορφώθηκε το ώριμο έργο του, δικής του σφραγίδας. Μετά από εκθέσεις στη Χιχόν, Μαδρίτη, Ταγέρ, Τετουάν, Γιβραλτάρ, Χερέθ, Σεβίλλη και Βαρκελώνη, με μεγάλη αποδοχή κριτικής και κοινού, ο Orduna επέστρεψε στη Χουέλβα με τον τίτλο του μεγάλου ζωγράφου και μαζί με αυτό, με το αντίστοιχο αναγνώρισμα της κοινωνίας του, που τον βοήθησε να θεωρηθεί ως «ο ζωγράφος της Χουέλβα», ξεπερνώντας ονόματα όπως ο Pedro Gómez, García Vázquez, Labrador, Vázquez Díaz ή Caballero.
Έκανε ταξίδι στη Σιέρα, όπου γνώρισε το έργο της Vieira da Silva και του Nicolas Staël, και στην Ιταλία, χώρα στην οποία διέμεινε για αρκετούς μήνες. Το 1965 μετακόμισε στη Νέα Υόρκη, και δεν γύρισε μέχρι το 1968, μετά από ένα σύντομο διαλείμμα στο Πουέρτο Ρίκο. Αυτή η μακρά περίοδος χαρακτηρίζεται από μια εσωτερική προσέγγιση κατά την κρίση και θέαση της φύσης και των ανθρώπων, όπου ό,τι υπήρχε προεξέχονταν σε μια επιθετική, τραχιά και πυρετώδη σύνθεση, ταυτόχρονα πολύ κομψή, με σαφή εξελικτική εξπρεσιονιστική πορεία, που σε ορισμένες στιγμές εγγράφονταν στην αφαίρεση.
Από το 1973 η παραγωγή του γέμισε με βαθιά συναισθήματα και ηρεμία, και εγκατέλειψε τις πλαστικές και ζωτικές αγωνίες του παρελθόντος. Σε αυτές τις στιγμές φαίνεται η επιρροή του Cézanne και του Vázquez Díaz πιο συγκεκριμένα, αν και σε ορισμένες στιγμές ο ζωγράφος της Οντούνφα αναζητεί νέες πλαστικές ανησυχίες που εκτείνονται από τον Sevillan ποιητικό ρεαλισμό μέχρι έναν μετα-ρεαλισμό σουρεαλιστικό.
Με τον θάνατό του, η τέχνη της Χουέλβα έχασε τον ίσως πιο ανήσυχο και απρόβλεπτο ζωγράφο της. Μετέφρασε σχεδόν όλες τις γλωσσικές εκφράσεις της πρώτης μισής του 20ού αιώνα χωρίς να πλήττει την ανάδειξη των αντικειμένων και των προσωπικών χρωματικών και συνθετικών τους αποτυπωμάτων.