Mateo Orduña Castellano (1915-1989) - Bodegón

Γεννήθηκε σε ένα χωριό του δήμου Almoster la Real (Οβιέδο), μέσα σε μια οικογένεια με περιορισμένους πόρους. Υπότροφος του Υπουργείου Δημόσιας Εκπαίδευσης και Καλών Τεχνών, μετακόμισε το 1932 στη Χuelva για να εισαχθεί στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Χuelva, υπό την διεύθυνση του Ισπανού ζωγράφου από τη Μάλαγα José Fernández Alvarado, τότε διευθυντή του Μουσείου Καλών Τεχνών της πόλης. Με τον θάνατο του Fernández Alvarado, το 1935, χάνεται και η Ακαδημία και τα όνειρα του νεαρού Ορντούν (Orduña), παρά τις προσπάθειες συνέχειας του Brunt, μέχρι το 1936, και μετέπειτα του Pedro Gómez και Enrique García Orta. Από εκεί και πέρα, ο Orduña αντιμετώπισε τη ζωή εν μέσω των τραγικών γεγονότων που σκιάζουν την Ισπανία. Με το τέλος του Ισπανικού Εμφύλιου Πολέμου και μετά την αποχώρηση από τη ζωή του υπαλλήλου γραφείου, αφοσιώθηκε επαγγελματικά στη ζωγραφική.
Το 1942 απέσπασε τους πρώτους καρπούς στην έκθεση Τέχνη και Ανάπαυση, κατακτώντας το πρώτο βραβείο. Από το 1944 εξέθεσε σε Χουέλα, Σεβίλλη, Μπιλμπάο και Ουέσκα: ο Orduña άφησε τη σκληρή κλασική ζωγραφική, με αέρα εβδομηνταφυγερή, αυστηρή, καθώς και τη λατρεία του για τις ρεαλιστικές διδασκαλίες του δασκάλου του Fernández Alvarado, για να βυθιστεί στην ιμπρεσιονιστική ελευθερία, στην παράταξη του Σορόγκα/Sorolla (σύγχρονη αναφορά).
Η ιδέα του ταξιδιού, της κατάκτησης κόσμων και της γνώσης — ζήτημα όχι εύκολο στην μεταπολεμική Χουέλα — οδήγησε σε μια σύντομη αλλά έντονη περίοδο συνεχών αναζητήσεων, ανθρώπινου και καλλιτεχνικού ορισμού. Μεταξύ 1949 και 1953 ο Orduña διαμόρφωσε το σημαίνον του ζωγραφικού νοήματος μέσα από μια ζωντανή επίδειξη φωτός και χρώματος, μήτρα του έργου του, και μια μεγάλη εκφραστική δύναμη με καθαρή ανάμνηση του τελευταίου Γκόγια.
Για είκοσι χρόνια, περίοδος που εκτείνεται από το 1954 έως το 1974, διαμορφώθηκε το ώριμο έργο του, με δικό του σφραγίδα. Μετά από έκθεση στη Χιχόν, Μαδρίτη, Ταγγέρ, Τετουάν, Γιβραλтар, Χερές, Σεβίλλη και Βαρκελώνη, με τεράστια επιτυχία κριτικών και κοινού, ο Orduña επέστρεψε στη Χουέλα με το σήμα του μεγάλου ζωγράφου, και μαζί με αυτό, την ανάλογη αναγνώριση από την κοινωνία του, που τον βοήθησε να θεωρείται ως ο “ζωγράφος της Χουέλα”, υπερνικώντας ονόματα όπως ο Pedro Gómez, García Vázquez, Labrador, Vázquez Díaz ή Caballero.
Ταξίδεψε στην Ελβετία, όπου γνώρισε το έργο των Vieira da Silva και Nicolas Staël, και στην Ιταλία, χώρα όπου διαμένει αρκετούς μήνες. Το 1965 πήγε στη Νέα Υόρκη και δεν γύρισε μέχρι το 1968, μετά από ένα σύντομο διακοπτικό έκθεσης στο Πουέρτο Ρίκο. Αυτή η εκτεταμένη περίοδος χαρακτηρίστηκε από μια εσωτερική προσέγγιση στο κριτήριο και στη θέα της φύσης και των ανθρώπων, όπου όλα τελούν υπό μια επιθετική, ωμή και φεβουλη, ταυτόχρονα πολύ κομψή, εκφραστική σύνθεση, που πλησίαζε κάποιες στιγμές την abstraction.
Από το 1973 η παραγωγή του γέμισε με βάθος και ησυχία, και εγκατέλειψε τις πλαστικές και βιοτικές ανησυχίες του παρελθόντος. Σε αυτές τις στιγμές αποκαλύπτεται η επιρροή του Cézanne και του Vázquez Díaz πιο συγκεκριμένα, παρόλα που, σε ορισμένες στιγμές, ο ζωγράφος της Ουνθούμπα αναζητά νέες πλαστικές ανησυχίες που εκτείνονται από τον ποιητικό ρεαλισμό της Σεβίλλης έως ένα μετα-ρεαλιστικό σουρεαλισμό.
Με τον θάνατό του, η τέχνη της Χουέλα έχασε ίσως τον πιο ανήσυχο και απρόβλεπτο ζωγράφο της. Μετέφρασε σχεδόν όλες τις πλαστικές γλώσσες του πρώτου μισού του 20ού αιώνα χωρίς να βλάψει την απεικόνιση των αντικειμένων και τις προσωπικές χρωστικές και συνθετικές υπογραφές τους.