André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Αυτό το αφηρημένο γλυπτό του διακεκριμένου Ελβετικού καλλιτέχνη Αντρές Ράμσεϊερ (1914-2007) αγοράστηκε γύρω στα μέσα του 1970 απευθείας από τον καλλιτέχνη και αποτελεί χαρακτηριστικό δείγμα του ύφους του, που επηρεάστηκε έντονα από την γεωμετρική αφαιρετικότητα του Χένρυ Μουρ. Το έργο της περιόδου αυτής εστιάζει στην αλληλεπίδραση μεταξύ «γεμάτου και κενου», ενώ το κυκλικό τρύπημα στο γλυπτό αποτελεί κλασικό στοιχείο της φόρμας του. Παρόλο που πολλά από τα γνωστότερα έργα του έχουν χυτευθεί σε μπρούντζο, εργαζόταν επίσης με πέτρες όπως μάρμαρο και αλβαστής. Το συγκεκριμένο κομμάτι φαίνεται να έχει κατασκευαστεί από μαρμάρινη ποικιλία που έχει λείψει σε γυαλισμένη επιφάνεια. Το γλυπτό είναι αριθμημένο 1/1 και φέρει το χαρακτηριστικό μονογράμμα του. Οι διαστάσεις είναι 28 εκ. σε μήκος, 18 εκ. σε ύψος και 12 εκ. σε βάθος. Οι τελευταίες 3 φωτογραφίες απεικονίζουν παρόμοια έργα από την ίδια περίοδο.

Κτήση
Εργοστάσιο του καλλιτέχνη
Οικογένεια van Vliet, Αϊντχόβεν (1971)

ΣΗΜΑΝΤΙΚΟ !!
Η μαύρη μάζωδης βάση ΔΕΝ περιλαμβάνονται εξαιτίας του βάρους (>25 kg) εκτός αν το γλυπτό παραληφθεί.

Αντρέ Ράμσεϊερ
Για τον Αντρέ Ράμσεϊερ η γλυπτική ήταν πραγματική κλήση: «Δεν μπορούσα να κάνω τίποτα άλλο. Υπακούσα σε μια εσωτερική κλήση.» Μια κλήση που προσπάθησε να απαντήσει, όχι χωρίς πόνο: «Στοχεύεις σε έναν στόχο που όλο και απομακρύνεται όσο πλησιάζεις. Ο καλλιτέχνης πάντα υστερεί σε ό,τι θα ήθελε να πετύχει. Είναι πηγή πόνου και ταυτόχρονα πηγή έμπνευσης», είπε σε ηλικία 90 ετών στη Dominique Bosshard (στο Neuchâtel Express, 31 Ιανουαρίου 2004).

Αφού φοίτησε υπό τον Léon Perrin (1886-1978) στο La Chaux-de-Fonds και παρακολούθησε μαθήματα στις Ελεύθερες Ακαδημίες του Μονμηρτά και του Μονπαρνάς στο Παρίσι, ο Αντρέ Ράμσεϊερ αντιμετώπισε το ανθρώπινο σώμα σε ένα στιλ που αντανάκλαγε τον θαυμασμό του για ηλικιώματα όπως ο Ροντιν (1840-1917) και ο Μαϊιόλ (1861-1944). Το τελευταίο ρεαλιστικό έργο του γλύπτη είναι «Το Μουσείο» (ή «Το Μπάντι»), το οποίο βλέπει προς την πισίνα στο κέντρο του επίσημου κήπου μπροστά στο Hôtel DuPeyrou στη Νιουσαταίλ. Ήταν ένα σημαντικό ορόσημο στην καριέρα του: πρώτον επειδή ήταν η πρώτη μεγάλη επίσημη ανάθεση του, και δεύτερον επειδή το έργο προκάλεσε αντιπαραθέσεις. Ο Αντρέ Ράμσεϊερ έπρεπε να υπερασπιστεί το έργο έναντι μιας ομάδας αντιπάλων που επέμενε στην παραδοσιακή τέχνη. Πέντε χρόνια χρειάστηκαν μέχρι να αποκαλυφθεί το έργο, παρότι το αρχικό σχέδιο του γλύπτη χρονολογούνταν από το 1948.

Μετά τον χρόνο του στο εργαστήριο του Ossip Zadkine (1890-1967), ο Αντρέ Ράμσεϊερ κινήθηκε σταδιακά προς την αφαιρετική τέχνη. Οι μορφές των ζευγαριών που γλύπτει απέκτησαν απλοποιημένες, εκλεπτυσμένες μορφές, με κενά διαστήματα ανάμεσα στα σώματά τους. Εξήγησε την ανάπτυξή του ως εξής:

«Ήταν το 1948, μετά το «Το Μπάντι» στο Hôtel DuPeyrou, όταν απομακρύνθηκα από την εfigurative τέχνη. Μετά από ένα χρόνο στο Παρίι, δούλεψα με τον γλύπτη Ossip Zadkine. Υπό την επιρροή του προχώρησα με αργή εξέλιξη σε μια μορφή ελευθερίας που τόσο επιθυμούσα.» Ο Ossip Zadkine παραμένει ε Figurative γλύπτης, αλλά παίρνει ελευθερίες με το ανθρώπινο σώμα, ελευθερίες που έχω υιοθετήσει, όπως στο «Παρηγοριά», ένα γλυπτό που βρίσκεται τώρα στην κεντρική πλατεία της Biel/Bienne· είναι ακόμη το αρσενικό και το θηλυκό σώμα, αλλά με μεγάλη ελευθερία.

Όταν ο Αντρέ Ράμσεϊερ στράφηκε προς την αφαιρετικότητα, αυτή η μορφή τέχνης επικρίθηκε αυστηρά από το ευρύτερο κοινό και μάλιστα από πολλούς καλλιτέχνες, όπως ο Charles L’Eplattenier (1874–1946), ο Léon Perrin (1886–1978) και ο Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ο Αντρέ Ράμσεϊερ αναφέρει ότι ο τελευταίος, κατά τη διαμονή του στο Παρίσι, παρασύρθηκε να ζωγραφίσει μη-εικονογραφικά, αλλά τελικά τα παράτησε. «Μπροστά σε ένα γλυπτό του Marino Marini μού είπε ακόμη: “Αυτό δεν είναι δικό μας.”» Όσο για τον Léon Perrin, αξιολόγησε το έργο του παλιού του μαθητή πλέον ως «παιδικό, σχεδόν διαφθορά!»

Οι φιλικοί ζωγράφοι του Ράμσεϊερ, όπως οι Georges Froidevaux και Claude Loewer, που είχαν επίσης στραφεί στην αφαιρετική τέχνη, αντιμετώπιζαν την ίδια αδιαφορία: το κοινό του Neuchâtel απλώς δεν το προσέγγιζε. Ωστόσο, η περιοχή του Neuchâtel και Jura εισήλθαν δυναμικά στη μοντέρνα τέχνη από τη δεκαετία του 1950· ο γλύπτης Αντρέ Ράμσεϊερ ήταν από τους πρώτους που θύμισαν να φύγει από τη Ραναφητική τέχνη και έδωσε στις περιπλανήσεις του γύρω από τον κύκλο μια προσωπική διάσταση, ακόμη κι αν το έργο του έγραφε αντίλαλους του Jean Arp ή του Henry Moore (τον οποίο ανακάλυψε το 1950 στο Kunstmuseum Bern).

Αυτές οι μορφολογικές εξερευνήσεις έγιναν ολοένα και πιο καινοτόμες, με ρίσκο να προσβάλουν τα ευαίσθητα συναισθήματα του Neuchâtelois κοινού, που ακόμα έδειχνε σχεδόν αδιάφορο για την αφαιρετική τέχνη. Έτσι, η Courrier de Genève το 1960, μετά την αποκάλυψη ενός γλυπτού στη διακοσμητική όψη του κτιρίου της ασφάλειας Winterthur στη Νιουσαταίλ, έγραψε:

«Για όσους ενδιαφέρονται — και πιστεύουμε ότι πολλοί είναι — να επισημάνουμε ότι το μπρούντζινο μοτίβο στην όψη του κτιρίου, δημιούργημα του γλύπτη Ramseyer, φέρει τον τίτλο Envol (Απόδραση).» Το γλυπτό ήθελε να ενοποιηθεί με την αρχιτεκτονική. Ο Αντρέ Ράμσεϊερ εξήγησε τούτο στο Feuille d’Avis de Neuchâtel:

«Για αυτό το εξαιρετικά μοντέρνο κτίριο, ο στόχος ήταν να επιλεγεί ένα απλό μοτίβο, κατάλληλο για υπαίθριο χώρο, ευδιάκριτο από απόσταση και ορατό και για τους οδηγούς αυτοκινήτων, ακόμη και για όσους περνούν γρήγορα. Επέλεξα ένα παιχνίδι καμπυλών που αντίθετα τονίζει τα κατακόρυφα και οριζόντια στοιχεία του κτιρίου. Ήταν αναγκαίο να δημιουργηθεί ένας αυξανόμενος ρυθμός, αποδεχόμενος τη μεγάλη ανοδική κίνηση της πρόσοψης και τον μακρύ ορθογώνιο τοίχο που έπρεπε να διακοσμηθεί. Θέλω να τονίσω ότι αυτό το έργο – το έγραψα ως “Απόδραση” – δεν αποτελεί τίποτα συγκεκριμένο. Είναι ένα γλυπτικό στοιχείο στο οποίο κανείς πρέπει να δει μόνο παιχνίδι μορφών και ρυθμών. Η σύγχρονη αρχιτεκτονική ζητά σύγχρονη γλυπτική.»

Ο Αντρέ Ράμσεϊερ δημιούργησε αμέτρητα μνημειακά έργα και εισήλθε σε μια δυναμική διαλογική σχέση με την αρχιτεκτονική. Ήταν πάντα αποφασισμένος να ενσωματωθεί στο πνεύμα του τόπου, παίζοντας με τον χώρο, το φως και τα υλικά αυτών των τοποθεσιών. Σύμφωνα με τον Ολιβέρ Μπιόερστάιμερ, τα γλυπτά του Ράμσεϊερ «παράγουν σιγά-σιγά τον χώρο που χρειάζονται, σε μια απ kontinru κίνηση από αρχή προς τέλος.»

Ο Αντρέ Ράμσεϊερ βρήκε μια αρχική πορεία διαφοροποιώντας τον κύκλο. Για τον ίδιο, «η σφαίρα είναι ο ομορφότερος από όλους τους γραμμικούς κύκλους…» Διέκρινε επίσης κεντρική θέση στην «μαγεία του κενού» που κατοικεί και διαπερνά τη μορφή. Οι αντίθετοι πόλοι του υλικού και του άυλου συγκλίνουν. Ο καλλιτέχνης συχνά έλεγε ότι τα έργα του αναπτύσσονται μέσα στον χώρο, ακριβώς όπως ο χώρος τα διαπερνά. Ήθελε να λάμπουν από μέσα προς τα έξω. Στην μονογραφία του για τον καλλιτέχνη το 1979, ο Marcel Joray γράφει: «Μορφές που γεννιούνται από τον κύκλο, σύμβολο του ουρανού, και από τομή από το τετράγωνο, σύμβολο της γης, πολλαπλασιάζονται. Ο κύκλος θα γίνει η κεντρική μορφή όλων των γλυπτών του Ράμσεϊερ, που επιδιώκουν να φτάσουν το σήμα, την αποστασιοποίηση της ύλης.» Ο γλύπτης επαναλαμβάνει αυτό το σημείο (L'Express, 31 Ιανουαρίου 2004): «Σε ένα έργο τέχνης υπάρχει ύλη, χώρος, φως, όλη η δεξιότητα που μπορεί κανείς να ρίξει. Αλλά πρέπει να υπάρχει μια επιπλέον, ουσιαστική διάσταση, που θα ονόμαζα πνευματική. Το έργο ζωγραφίζει τους δικούς του κραδασμούς.»

Η σειρά Cantata of Gates of Day (1988-1990) κατέχει μια μοναδική θέση στο συνολικό έργο του. Ο Αντρέ Ράμσεϊερ περνούσε επανειλημμένα δίπλα στα γρανιτικά φύλλα που ο γείτονάς του, ένας μάρμαρος, είχε αποθηκεύσει στο εργαστήριό του. Μια μέρα αισθάνθηκε την παρόρμηση να αποτυπώσει αρχιτεκτονικές μορφές από αυτά τα φύλλα και να προσθέσει λεπτές χαρακτικές, ως φόρο τιμής στο ίδιο το υλικό. Αυτή η προσέγγιση προκάλεσε ανησυχία σε πολλούς και ακόμη και ο ίδιος ο καλλιτέχνης βρέθηκε σε δύσκολη θέση.

Ο Αντρέ Ράμσεϊερ έχει μιλήσει πολλές φορές για το έργο του, σε συνεντεύξεις και διαλέξεις. Γράφει επίσης τα κείμενα για το δεύτερο μέρος της μονογραφίας που εκδόθηκε το 1994 από τις Éditions du Griffon.