Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Καταλογος μελέτης των έργων του Sergio Romiti (Μπολόνια, 1928-2000). 2 τόμοι για συνολικά 992 σελίδες, παρουσιάζει τη συνολική αρχειακή παραγωγή του καλλιτέχνη (1.640 πίνακες αντιγραφείς σε ασπρόμαυρο και 137 έργα σε χρώμα). Δελφινάκι σε μορφή εκδοτικό. Σε άριστη κατάσταση - μικρές πτυχώσεις γύρω από την τάση. Σε δημοπρασία χωρίς ελάχιστο όριο!!!!

Sergio Romiti (Μπολόνια, 14 Απριλίου 1928 – Μπολόνια, 12 Μαρτίου 2000) ήταν Ιταλός ζωγράφος. Δεν ανήκε ποτέ σε καμιά ομάδα. Ξεκίνησε να ζωγραφίζει το 1946. Από το 1947 συμμετείχε ενεργά στην καλλιτεχνική ζωή. Ο Μοντάλε τον είχε χαρακτηρίσει “αναγνωρίσιμο ανάμεσα σε χίλιους”.

Βιογραφία

Το ίδιο θέμα σε λεπτομέρεια: Σοσιαλιστικός ρεαλισμός.
Ήδη από το 1946 αφοσιώθηκε στη ζωγραφική. Η είσοδός του στην καλλιτεχνική ζωή χρονολογείται στο 1947, ενώ η τελική καλλιτεχνική βάπτιση το 1948 όταν εκθέτει στην Πρώτη Εθνική Έκθεση Σύγχρονης Τέχνης στη Μπολόνια. Μεγάλη έκθεση γιατί συμμετείχαν όλοι οι καλλιτέχνες της μεσαίας γενιάς (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) και ακόμη περισσότερο επειδή υπήρξε αφορμή για μια βροντερή στάση του Togliatti ενάντια στην μοντέρνα τέχνη ως είδος τέχνης που δεν συμφωνεί με το ιδεώδες του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Μετά τη συγκεκριμένη κριτική οι καλλιτέχνες διασπάστηκαν: αυτοί που ήθελαν να σώσουν τα πράγματα -όπως ο Guttuso- και αυτοί που ήθελαν να διεκδικήσουν το δικαίωμα - όπως η Ομάδα Forma - να εγγραφούν στο κόμμα αλλά να εκφραστούν με νέο τρόπο. Ο Romiti δεν παίρνει θέση, μη έχοντας απαιτήσεις ούτε ρεαλισμού ούτε σουρεαλισμού, και ακόμα μη εγγεγραμμένος στο κόμμα. Την επόμενη χρονιά εκθέτει στη Γκαλεριά ντελ Σεκόλο της Ρώμης με Vacchi και Barnabè. Το 1954 κερδίζει βραβείο αγοράς στην δεύτερη έκδοση του βραβείου Spoletto.

Παραμένει στο προσκήνιο της ιταλικής σκηνής τέχνης και το 1960 αποκτά ατομική αίθουσα στην Μπιεννάλε της Βενετίας. Μετά τη δεκαετία του ’60 θα φέρει στο άκρο τον καλλιτεχνικό του δρόμο. Ακόμη και αν δεν απομακρύνθηκε ποτέ από τη γενέτειρα πόλη, επιχειρεί μια σύντομη περίπατη και ζώντας απομονωμένος, αποφασίζει να τερματίσει τη ζωή του στις 12 Μαρτίου 2000.

Η Μπολόνια του Sergio Romiti
Ποιητική
Ξεκινώντας από μια προσωπική νεο-ικαστική προσέγγιση (πρώτες δεκαετίες του ’50), ο Romiti επηρεάζεται από τον εκφραστικό και ποιητικό κώδικα του συντοπίτη του Giorgio Morandi. Το 1954 στην περιοδική έκδοση Paragone ο κριτικός τέχνης Arcangeli συμπεριλαμβάνει -λανθασμένα- τον δικό μας ανάμεσα στους Τελευταίους Φυσικούς. Ζωγράφος με δύσκολη ερμηνεία, μπορεί να τοποθετηθεί μεταξύ του Morandi και του ιχνύματος ή - όπως έλεγε ο ίδιος - μεταξύ Morandi και Paco Rabanne. Πράγματι, η τέχνη του χρησιμοποιεί το μεταφορικό στοιχείο του αντικειμένου ως προκώνο: το αντικείμενο της παρατήρησης επαναφέρεται στις έργα φιλτραρισμένο από μιά πνευματική διάσταση που υπερισχύει έναντι του αρχικού σημείου εκκίνησης. Το αντικείμενο που επαναφέρει χίνεται σαν απόσταγμα και παρουσιάζεται με ένα οξύ άρωμα, που συναισθηματικά αποτυπώνει την επιδρομή που διαλύει το αντικείμενο. Η επίθεση θα αποδειχθεί συστηματική από το 1955. Προηγουμένως, η νοητική και δομική διάταξη των έργων του είναι πολύ ισχυρή. Μετά, η δομή χάνεται, η διάκριση αντικειμένου-φόντου αρχίζει να μην είναι απόλυτα ευκρινής, το ογκώδες αντικειμενικό σώμα επεκτείνεται και συμπυκνώνεται. Η αφαίρεση, πέρα από το αντικείμενο, αρχίζει να αφορά και τα χρώματα: από τα κόκκινα των κρεοπωλείων του 1948-1949, στα μπλε και πράσινα των κουζινών με ράφια, των τραπεζιών και αργότερα των σιδερωτηρίων, οδηγείται το 1960 στο λευκό-μαύρο, επιλογή συνεπή που συνεχίζεται μέχρι το 1965, χρονιά που οι χρωματικές πινελιές, οι μάζες, είναι σχεδόν μαύρες και οι αραιές πατινάδες φωτός - ενός γκρίζου ήσυχου - διακόπτουν την πορεία ενός τούνελ μέσα στο οποίο έχει εισέλθει ο καλλιτέχνης με αναφυή αβεβαιότητα. Τώρα το αντικείμενο απορροφάται από το φόντο, από το αντικείμενο πέρασε στο κενό, οι απαλά πινελιές μεταφέρουν ένα χαμηλό φάσμα. Πρόκειται για μια πορεία που ταυτόχρονα προωθούν και ο Ungaretti και ο Montale στο πεζό τους, ένας συγγραφέας, ο τελευταίος, που θα ορίσει τη ζωγραφική του Romiti ως “αναγνωρίσιμη ανάμεσα σε χίλιους”. Τώρα ο καλλιτέχνης παύει να ζωγραφίζει, ίσως επειδή θεωρεί ότι έχει φτάσει στο μηδέν του δρόμου του ποιητικού του πορείας. Αλλά, αδυνατώντας να μείνει μακριά από τη ζωγραφική, επανέρχεται σε αυτήν προσεκτικά προσπαθώντας να συνεχίσει σε ήδη φαινομενικά διακόπτονται σιδηροδρομικές γραμμές του 1965. Το 1976 είναι η σημαντική αναδρομική έκθεση στον Νόστορα στη Μπολόνια επιμελημένη από τον Maurizio Calvesi. Μετά από αυτή τη χρονολογία, απογοητευμένος από την αδιανόηση των έργων της τελευταίας περιόδου ασκείται από μια πικρή συναισθηματική θύελλα που τελικά τελειώνει με την επιθυμία της ζωής του το 2000. Το 2006 ο Οικοδομικός Οργανισμός της Bologna οργανώνει μια αναδρομική γι’ αυτόν, προτείνοντας και ανέκδοτα έργα. Το 2008 συμπληρώνεται η 80ή επέτειος από τη γέννησή του.

Μια επόμενη ανάγνωση. Από τη δεκαετία του ’60, ο Sergio Romiti επιχείρησε να επαναφέρει στη ζωγραφική έναν χώρο που αισθανόταν ότι διακυβευόταν από το “perdre pied” (όπως το ορίζει ο κριτικός Tapié) της κυρίαρχης τέχνης της εποχής: το Informel. Σταδιακά κατέληξε σε μια μεγαλύτερη “βαρύτητα” χωρίς να παραμελήσει ποτέ στη μορφή την “ελαφρότητα” - και ακόμη την “ασφάλεια” - που του ήταν συμπεριφέρων. Οι πίνακες της πρώτης δεκαετίας του ’60 (αναμφίβολα μιλούμε για τον προηγούμενο αιώνα) συνήθως παρουσιάζουν ένα απαλό γκρι χρώμα, με πτέρυγες μαύρου ή κόκκινου. Η δήλωση αντίθεσης προς τη γλυπτική τέχνη του κόστισε ωστόσο τη δική της κατηγορία από ορισμένους κριτικούς ότι «είναι κατά της μόδας». Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας γίνεται πιο εμφανής στη ζωγραφική του (που είχε διατηρήσει, κατά το δυνατόν, μια “ταπεινότητα του πράγματος” ακόμα και στην πιστή μετάφραση των παραδοσιακών εργαλείων της ζωγραφικής, και ακόμη στο μικρό ή μεσαίο μέγεθος) ένας είδος σκληρότητας της γραμμής, που δείχνει μια ώθηση να “περιορίσει” το Informale χωρίς ωστόσο να υιοθετήσει τον Ρεαλιστικό, ή μια συνθετική δομή όπου το σχήμα φαίνεται σχεδόν γεωμετρικά επικαλυμμένο στην απόδοση των έργων: το σχήμα, σε αυτόν, παραμένει εγγενές και αναγκαίο στην “καρδιά” των συνθέσεων, όπου διακρίνονται οι “φρένα” (και οι “επιταγές”, και οι “τριξίματα”: ο “δυναμισμός”, συνολικά) με τα οποία ο καλλιτέχνης είχε αρχίσει να αναφέρεται σε σχέση με αυτά τα έργα, τα οποία χαρακτηρίζονται ως “μαύρα” λόγω του χρώματος που κυριαρχεί. Οι ειδικές στρωματοποίηση και διαλυτικά, οι απροσδόκητες εκρήξεις ή οι σκοτεινότητες αυτής της τέχνης θα μπορούσαν επίσης να υποδηλώνουν τους πολύπλοκους κινήσους της ψυχής, με τη μετάφραση αυτής της εσωτερικής δραστηριότητας που δόθηκε το όνομα “ρεύμα συνείδησης”. Αλλά, όταν λαμβάνονται υπόψη οι τότε παραδοχές, ο Romiti εννοούσε κυρίως να ασκήσει βία σε αυτήν τη “τέφρα” όπου η ζωή χάνει την ιδιαιτερότητά της και κινδυνεύει να γίνει, ακριβώς, σκόνη, ή διάλυση, ή τέφρα, μη συμπιεσμένη επαρκώς από την κριτική/μορφολογική παρέμβαση του καλλιτέχνη, πριν από τη τελική κατάρρευση που είναι ο θάνατος, δηλαδή πριν από την ολοκλήρωση (όσο το δυνατόν περισσότερο) του ταλέντου που κληρονόμησε ο καθένας από τη γέννηση. Και όμως, το “δυναμικό” των έργων του φαίνεται όλο και πιο πολύ σαν η “άλλη όψη” μιας έλξης που, όπως εκείνη η αντίθετη προς το Informel, μπορεί να λειτουργήσει καταστροφικά στη ζωή: μπορεί να επηρεάσει τουλάχιστον ως μια διαφορετική “πειραματική αμαρτία”. Πράγματι, αν ο ένας ή ο άλλος παλμός (εκείνος, πιο “ζωντανός”, της κίνησης, ή ο “στατικός” παλμός της τέφρας) γίνει υπέρμετρος, “έξω από το μέτρο”, ή αν επικρατήσει η μόνη φωνή, ορφανή, του παρόντος, πάνω από κάθε άλλη φωνή: τότε θα υπερισχύσει η φθορά της τρέχουσας ιστορικής περιόδου, που έχουν θρηνήσει πολλοί μελετητές. Στον Romiti ωστόσο υπάρχει η ανάγκη, διαλεκτική και ζωτική, να επαναφέρει τα αντικείμενα της “πραγματικότητας” (που ήδη είχαν «χαθεί» στις πλέον συνηθισμένες και αναγνωρίσιμες μορφές) σε μια νέα ευαισθησία προς το βλέμμα του. Αλλά σε αυτά τα χρόνια, μόνο η σκιά και το φως φαίνονται να έχουν πάρει τη θέση τους. Κατά τη διάρκεια ολόκλητης της δεκαετίας ’70 προσπαθούν τα έλαια να επιβληθούν με μια “απόλυτη παρούσα” ποιότητα, με ό,τι επιθετικό μπορεί να συνεπάγεται. Στα τελευταία δύο δεκαετίες βρισκόμαστε σε μια αγωνιώδη κατάσταση της ύπαρξής του, εναλλάσσεται μεταξύ φωτός και σκότους, που τα έργα αποκαλύπτουν, και παρόμοια αποκαλύπτονται, αλλά λιγότερο ελκυστικά (όπως είχε συμβεί για τη προηγούμενη δεκαετία) από μια ιδέα της ζωής, για να το πούμε, ενιαία και πιο ριζοσπαστικά “εξτρεμιστική”. Υπάρχει ακόμα η “οδύσσεια του αντικειμένου”, και υπάρχει - μερικές φορές υπερβολικός - ο “κινητήρας” (με την “περηφάνεια του να τον αποδεχτείς”!). Υπάρχει ωστόσο, δίπλα σε ορισμένες υπερβολικές εκδηλώσεις συναισθηματισμού ή λιγότερη “διαύγεια”, έντονο κάλεσμα σε έναν ορίζοντα “άλλο”, μεταφυσικό. Πράγματι, με την επανάκτηση μιας “ευτυχίας της ζωγραφικής”, όπου το παρόν - ποτέ αναπόφευκτο - πρέπει να γίνει εργαστήριο των άλλων εποχών της ζωής μας, γίνεται πλέον πιο έντονη η διάσταση του “είναι” παράλληλα με εκείνο που, με αντίθεση, θα μπορούσε να ονομαστεί το “γίγνεσθαι”. Αυτή η διάσταση γίνεται πιο ορατή στα πρόσφατα ακρυλικά, ακριβώς λόγω της λαχτάρας του ζωγράφου να ανακτήσει, όσο το δυνατόν ευρύτερα, “όλη την πραγματικότητα”: underground - και φαντασίες πιο “ταπεινά” και παιδικά, και πεποιθήσεις στο υπερβατικό, και ξανά “κίνηση” και ενσάρκωση - συμπεριλαμβάνονται.

Πηγές: Ο κριτικός Giovanni Maria Accame πρόσφατα παρουσίασε στο Circolo Artistico της Μπολόνια ορισμένα έργα του Sergio Romiti κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του θανάτου του. Το κείμενο της παρουσίασης τοποθετείται σε έναν δίσκο CD στο Γκαλεριά Circolo.

Από το κείμενο του G. M. Accame “L'equilibrio minacciato”: “Sergio Romiti και η εικόνα του μέλλοντος”, του G. G. R.

Ακόμη σήμερα, βρισκόμαστε σε μια φάση που θα μπορούσε να χαρακτηριστεί ως αρωρή ή ερασιτεχνική στη χρήση του γραπτού λόγου. Γι’ αυτό έχω μεγάλη τήρηση να αυτοκαλέσω τον εαυτό μου “ποιήτρια” που θα προσκολληθεί με τα λόγια του συζύγου μου Sergio Romiti στους πίνακες του. Και ωστόσο είμαι ανάγκη να το κάνω – με περιορισμένα παραδείγματα όσα έχω γράψει, και εκθέτοντας τον εαυτό μου σε κατηγορίες ματαιοδοξίας, ή ακόμη χειρότερα – ειδικά για αυτό που φάνηκε, στα χρόνια μας μαζί, μια σημαντική και ασυνήθιστη εμπειρία “σχέσης”. Ούτε παραιτούμαι από αυτήν την προσέγγιση με σκοπό πέρα από το κέντρο της (δεκαετίες ’60/’70) των “θραυσμάτων σκέψης” που εξετάζει ο Giovanni M. Accame (και από Gisella Vismara) με τόση οξυδέρκεια και συμμετοχή, για να τολμήσω μέχρι τα τελευταία χρόνια της δραστηριότητας του Romiti (δεκαετίες ’80/’90): εργασίες και έργα πιο απρόβλεπτα, μπορεί να λέγαμε, αλλά γεμάτα από μια δημιουργική έρευνα που δοκιμάστηκε μέχρι τέλους πριν φανεί ως φαινομενικά παραμελημένη, και πρόσφατα αναδεικνύεται σε μια έκθεση επιμελημένη από Michela Scolaro στην Fondazione Del Monte Bologna. Είναι ακριβώς αυτά τα χρόνια – στις έργα που ωριμάζουν σε αυτό το περίοδο – που για τα δικά μου μάτια διακρίνω την αντίληψη του Accame σχετικά με το “κίνημα” που φαίνεται να κινεί τα ίδια τα έργα. Και που παράγει μια ταλάντωση, ανάμεσα στην ιδέα του “δυναμισμού” και αυτή του “ακινησίας” (ή της αχρονολογίας) της Ουσίας, φέρνοντας στο προσκήνιο μια “αφήγηση συνταγής” που δεν είναι πλέον αυτή της κλασικής τέχνης (όπως εξάλλου δεν υπήρχε πλέον στις προηγούμενες έργα): έχει εξαφανιστεί το “κόκκινο νήμα της αφήγησης” και τα πάντα έχουν γίνει “μη-νοητικά” (έτσι όπως τη διατυπώνει περίπου ο Mario Lavagetto στο έργο του “Quel Marcel!”). Το “κίνημα” και η “διακοπή” στον Romiti βρίσκουν μια αντιστοιχία στις άπειρες διακλαδώσεις και μεταμορφώσεις της Ίδης στον Proust – προς το παρόν ο ίδιος επιδιώκει να χτίσει μια μη ψευδαισθητική “παραμονή”. Τολμώ να αντλήσω για τη ζωγραφική του Romiti μια κριτική παράμετρο παρόμοια με αυτή που μου υπέδειξε ο Lavagetto, καθώς και να επιβεβαίωσω ότι το συρριπτώνειν του εαυτού του και του δικού του κόσμου, από κάποιον κατήγορο (δεν είναι απαραίτητο, ειδικά για έναν καλλιτέχνη η ακρόαση, και ακόμη η αγάπη, προς τον εαυτό του;) λαμβάνει χώρα και σε αυτόν για να απορροφήσει βαθύτερα το άλλο και τον κόσμο όλων (“je qui n’est pas moi” όπως αναφέρεται από τον Lavagetto για τον Proust, ως και “je est un autre” από τον Rimbaud, αναφέρεται από την M. Scolaro για τον Romiti). Το χαρακτήρα του (όπως και, τουλάχιστον εν μέρει, το “κλίμα αισθητικό της εποχής”) επιβεβαιώνεται στις περιστασιακές και ενσυνείδητες σκέψεις που προσφέρονται τώρα στον αναγνώστη (σε μια μορφή “μικρότερης γλώσσας” που αναφέρει ο Accame) που συνδέονται, μαζί με τις μεγαλύτερες εκφράσεις της ζωγραφικής του, με την απειλή της ισορροπίας του τίτλου. Αλλά… ισορροπία απειλητική, βεβαίως, όχι χάθηκε. Ίσως ακόμη και διασωθεί για μια πιο συνεπή προσέγγιση στην πραγματικότητα: ο Romiti, κατά συνέπεια, τόσο εύγλωττα “εκκρεμεί” απέναντι στη σύγχρονη (και την κλασική) έχει μεταδώσει μέσω της τέχνης του μια “σταθερή” εικόνα του μέλλοντος, αφήνοντάς μας κληρονομιά την απτή “έγκριση” - πιο ευκρινώς αντιληπτή στα “μαύρα έργα” - των καμβάδων του 20ού αιώνα, ποτέ μη χωριστή από την ανάγκη διατήρησης μιας μνήμης που δεν επικεντρώνεται μόνο στον εαυτό της, της τέχνης μας στους αιώνες. Ο Romiti δεν έχει χαθεί πουθενά φαινομενικά στον δρόμο που διήνυσε, δεν πρόδωσε ποτέ την πιο εσωτερική, αλλά συχνά παραπλανημένη κλήση που καλεί, ακόμα και γι’ αυτό που εγώ ονομάζω “σχέση” (και που αποτέλεσε για εμάς ένα είδος μη εκούσιας παραγωγής ζευγαριού για μια ολόκληρη ζωή) μια της ζωής έκρηξη από τον βίο στα χρονικά της τέχνης. Και αντιθέτως.