Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Yksittäinen teos, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus suoraan työtilasta.
#355 - S - "Hommage à Richter in Paris".

Spray-akryyliä pleksilasilevylle 3 mm.
Läpinäkyvyydet tulosteessa.
Tämä maalaus ei ole printti. Kyse on alkuperäisestä "monikerroksisesta" teoksesta, jonka kiiltävä, resinmäinen lopputulos on ainutlaatuinen.
Valkoinen on todellisuudessa valkoisempaa kuin valokuvassa.

Koko: 9,1 x 12,6 x 0,12 tuumaa / 23 x 32 x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Saksalaisen Nielsen-merkinnän laadukas kehys alumiinista, viite 34 Natura Blanc tai Matthopea (tuuma: 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositeltu ja saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksusta 70 € ALV sis.

Teos on signeerattu takaa.
Mukana Authenticity Certificate –sertifikaatti.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvataiteilija ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoa sekä valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely - Lausannessa toukokuussa 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaatani luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden keskellä. Luovuus oli arvostettua perheessäni, ja edesmenneen isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan, vaikutus kylvötti halun, joka lopulta on tullut elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloitin yksityisen maalaamisen, kokeilin lukemattomia akryylivärejä A4- ja sitten A3-kirjoitusvihkoihin – olen aina tuntenut, että suuret kuvat tulevat suoraan päin, dominoivina ja pelottavina, kun taas pienet teokset voivat inspiroida paljon enemmän rakkautta. Ennen pitkää minua vetosi ei-figuratiivinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, ollessani itse ateisti, kehitin myös rakkauden henkisiin aineksiin, sillä ne resonoivat ihmisolemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin taiteilijaksi kasvaminen ei ollut välitöntä.

Kolmen vuosikymmenen aikana loin kansainvälisen liiketoiminnan uran, joka kuljetti minua ympäri maailmaa Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani avarsi näkökonttani, altistaen minut erilaisille kulttuurivaikutteille. Minne kahdutin, upposin paikallisiin taide-elämyksiin ja annoin luovan energian jokaisessa paikassa.

Liiketoimintani keskittyen huolimatta taide on aina ollut osa minua, hiljalleen kytenä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaus oli minulle eräänlainen salainen meditaatio – tapa paeta maailmasta ja keskittyä sisäiseen minään.

Olen aina saanut suurta tyytyväisyyttä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjota muille vilpittömän mahdollisuuden kohdata kauneutta, nähdä maailma uudesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, kun lopetin liiketoiminnan, omistin itseni täysin maalaamiselle. Perustin työtilani Pariisiin ja aloin antaa itseni kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 loppuun mennessä julistin julkisen taiteellisen urani ja hämmästyksekseni työni sai nopeasti tunnustusta, löytäen paikan yksityiskokoelmista koko Euroopassa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutin isompaan ateljeeseen vanhan liturghin kátokseen Lisieuxissä, Normandiassa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksinäyttelyni, “Échos”, järjestettiin Pariisissa loppuvuodesta 2024 ja esitteli omaleimaisen lähestymistavan taiteeseen, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallisilla pigmenteillä ja suihkutuksilla kierrätetyn extrudoidun pleksipinon (Perpex) takapuolelle – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotain, mitä tervehdin. Saan “satunnaisia kokeiluja” –kaikki käy – ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peiliefektejä, jotka luon, ja antaa tilaa ilmestymiselle ja löytämiselle kun teos lopulta julkistetaan. Mutta olkaamme selkeitä: kuviissani sattuma ei tee päätöksiä; korkeintaan sattuma esittää kysymyksiä; merkittävät “yhteensattumat” ovat vain suurimman kurinalaisuuden kautta mahdollisia. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen paljastus-/kehitysvaihetta, on haastava ja vapauttava. Tekijänoikeuksien arvoa täyttää kerroksien ja läpinäkyvyyksien täydennetty vaikutus, antaen jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen onnellinen, kun tunnistan “välttämättömät sisällöt”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei “tunne” eikä “teoreettinen käsitys”, vaan olemisen kokemus. Ei “nopea kulutus” eikä “älyllistäminen / älyllinen omistaminen”, vaan tietoisuuden laajentaminen ja todellisuuden sekä sen näkyvien että näkymättömien tarinoiden tutkiminen; taiteeni on pyrkimys elämään elämän ytimeen, mitä Alain Damasio kutsuu “le vif”.
Vaikka nostalgia on aina kuulunut teoksiini, maalaukseni ovat olemukseltaan ilman kohdetta. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsensä esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei ole olemassaolon syytä, päämäärää tai tavoitetta. Vaikka teokseni saattavat joskus herättää lasimaalauksen läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat käytännössä täysin abstrakteja. Lisäksi pleksilasi antaa maalaukselle kimaltavan ihon, josta voi kurkistaa oman siluetin, joka eri katsojille näyttää erilaiselta. Jokainen teos toimii kuin huomaavainen peili: se elää, muuttuu, näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus edellyttää vain empatiaa. Toivottavasti “läheisille” yksityiskohdille – että yksittäinen kuva on täysin uusi kuva – sekä “etäisyydelle koko kokonaisuudesta” luovat katselijoille mahdollisuuden lähteä omille sisäisille matkoilleen.

En väitä, että minulla olisi kaikki vastaukset, enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyytyväisyyttä jatkuvassa kyseenalaistamisen ja kasvun prosessissa. Jokainen uusi luomus on minulle kahakka omien rajojeni kanssa, painaen minut hiomaan taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, keino synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, pyrkimys maaliin niin täydellisestä maalista, ettei sitä enää tarvita meitä. Epämuodollisuuden aikakausi on vasta alussa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: “Päivittäinen harjoitus lisää näkemisen intoa.”

Kohdistan koherenssini käytäntöyni

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, joiden määrittelee ei niukkuus tai suuruus vaan läsnäolo. Maalaukseni – kiiltävät värien ja valon kentät pleksilasissa – ovat pitkän ja määrätietoisen tutkimuksen hiljaiset tulokset. Minulle todellinen kohde ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka kautta se nousee esiin.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen varmistettuun tavoitteeseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kuvaamalla teoksia “ilman kohdetta” ja “ei sisältöä, ei merkitystä, ei tarkoitusta” toivon kevyesti purkavani tarinakoon odotuksen. Se on kutsu astua kauemmas dekoodaamisesta ja kohti suorempaa katsetta.

Tämä johtaa toiseen tavoitteeseen: Elätyn kokemuksen primaarisuus. Siihen avautuvaan tilaan yritän lisätä sen, mitä pidän “olemisen kokemuksena”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi kuin hiljaiseksi tapahtumaksi, joka tuntuu – muovautuen heilahtavan valon, läpinäkyvien kerrosten ja katsojan oman katseen heijastuksen kautta. Kuten usein huomaan, teos “eliö_sys, se muuttuu, se näkee.”

Kolmas kohta on idea ja käsi – Prosessi sisäistettynä ajatteluna. Maalaaminen pleksilasille päinvastoin, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen harjoitus luopumiselle. Se on tietoisen kontrollin luopumista luomisen teossa. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaisena kuin kutsun itsensä objekteksi, joka paljastuu kokonaisuudessaan vasta valmiina. Se on hiljainen parallelismi valokuvauksen kehitykselle – kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu “täällä ja nyt.”

Näiden aikomusten mukana kulkee muutama lempeä paradoksi, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Suhteistani “merkityksellisiin yhteensattumiin” puhuminen on mahdollista vain huolellisissa rajoissa. Sattuma on tervetullut vieras, mutta rakenteen rakennan huolellisesti.

Viestintä ilman sanomaa
Toivon voivani “viestiä jotain” teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole väittämä, vaan tila – valoiseen tekstiin, hiljaiseen läsnäoloon, ilmeelliseen vakauteen.

Nostalgia nykyhetkestä
Teoksissa on pehmeä nostalgia, mutta se tähtää yllättävän nyt: kaipuu “välttämättömiin sisällöihin”, jotka löytyvät “hiljaisuudesta ja valosta” – toive puhtaasta läsnäolosta, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistus ja vaivattomuus
Prosessi vaatii tasapainoista huomiota, mutta tavoittelee itsenäisenä tunturintunutta tulosta, ikään kuin se “olisi syntynyt omalla tavallaan.” Vedän puoleeni sitä, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisuuden aikakausi on vasta alussa.” Käytäntöni on velkaa Art Informel’n hengelle, ehkä hieman vähemmällä tuskalla ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuudessa sattuma ei ole rikkoutuminen, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Tämän harjoituksen ytimessä on etsiä “le vif” – elävän ytimen. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta ennemmin kuin älyllistämistä. Valitsin usein vaatimattoman koon tarkoituksellisesti edistämään intiimiyttä, ei show.
Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä säkeitä, vaan osia yhdestä tavoitteesta. Olen löytänyt, että hiljaiseen paradoksiin perustuva käytäntö ei tarvitse olla haavoittuvaa. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua vastustuskyvyn lähteeksi.

Anton Kaestner