Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työstä.
#295 - XL - „Mirror #1“.
Suihkuakryyliä 3 mm:n Perpex-levylle.
Tämä maalaus ei ole printti. Kyseessä on alkujaan utoa „monikerroksinen“ teos, jonka kiiltävä, lakkaisen näköinen lopputulos muistuttaa lasikäsittelyn resinimaista ilmettä ja on ainutlaatuinen.

Koko: 34,3 tuumaa x 24,2 tuumaa x 0,12 tuumaa / 87 cm x 61,5 cm x 0,3 cm ilman kehyksiä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Laatuinen kehys saksalaisen Nielsenin alumiinikehys, viite 34 Natura 514 Oak (tuumissa 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla lähetyksen yhteydessä lisämaksusta 150 € ALV kera.

Teos on signeerattu takana.
Sivun mukana tulee todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely – Lausanne, toukokuu 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaani luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä. Luovuus oli perheessä arvostettua, ja kiitollisesti muistan myöhäisheräjän isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan, jonka vaikutus istutti siemenet sille, mitä lopulta tulisi elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloitin yksityisen maalaamisen, kokeilin lukemattomia akryyleja A4- ja sitten A3-kirjoihin – olen aina kokenut, että isot kuvat tulvivat suoraan päälle, dominoivat ja pelottavat, kun taas pienemmät teokset voivat herättää paljon suurempaa rakkautta. Ensimmäinen suuntautumiseni oli ei-representaatiivinen maalaus ja abstrakti ekspressiivisyys.
Ajan myötä, vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisten materiaalien suuntaan, sillä ne resonoivat olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimukseni kanssa.

Kuitenkin tieni todella taiteilijaksi ei ollut välitön.

Kolmen vuosikymmenen ajan tavoitin kansainvälistä liiketoiminnan uraa, joka vei minut ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni ja altisti minut monipuolisille kulttuurivaikutuksille. Minne tahansa meninkin, uposin itseni paikallisten taide-elämysten keskelle ja annoin luovuuden energian jokaisessa paikassa.
Huolimatta liiketoimintasuunnitelmasta, taide on aina ollut osa minua, hiljaa kytenä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaamisesta tuli minulle eräänlainen salaista mietiskelyä – tapa paeta maailmasta ja keskittyä sisäiseen itseeni.

Olen aina saanut valtavasti tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta toivon tarjota muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, kun lopetin liiketoimintaurani, omistin itseni täysin maalaamiselle. Perustin studion Pariisiin ja aloin omistautua kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopussa julkinen taiteellinen urani alkoi, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta, löytäen paikkansa yksityiskokoelmissa ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Vuoden 2025 lopussa muutti isompaan studioon tyhjässä liturgiakeskuksessa Lisieuxissä, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen soolonäyttelyni, „Échos“, järjestettiin Pariisissa lopussa 2024 ja esitti ainutlaatuisen lähestymistavan taiteeseen, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: Maalaan akryyleillä, metallisilla ainesosilla ja suihkeilla kierrätetyn ekstruudoidun pleksilasin (Perpex) takaosalle – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus herkkä pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä työtä kehityksen aikana. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotain, mitä toivotan. Saan hyödyn irti ”satunnaisista kokeiluista” – mikään ei ole tabu johtamaan lopputulosta, kerroksia ja peilikuvia, joita luon, ja annan tilaa paljastumiselle ja löytämiselle, kun teos lopulta on esillä. Mutta todettakoon: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; korkeintaan sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset “sattumat” ovat mahdollisia vain paljon kurinalaisuutta noudattamalla. Tämä lähestymistapa, joka kuvaa sekä paljastuksen/ kiinnittymisen prosessia valokuvauksessa, on sekä haastavaa että vapaannuttavaa. Teoksen koostumuksen arvoa lisää kerrokset ja läpinäkyvyydet, mutta se antaa jokaiselle teokselle myös “askeettisen” laadun: olen tyytyväinen, kun tunnistan “ratkaisemattomat tarpeet”, eli mitä todennäköisesti löydämme hiljaisuudessa ja valossa pysähdyttäessä.

Pidän lähestymistapaani tahallisen yksinkertaisena. Ei “tunteita” eikä “teoreettista käsitteistöä”, vaan olemisen kokemus. Ei nopeaa kulutusta eikä “älyllistämistä/älyllistä omistamista”, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden tutkimista, sen visuaalisia ja näkymättömiä tarinoita; taiteeni on etsintä “elämästä elämän ytimessä”, siitä mitä Alain Damasio kutsuu “le vifistä.” Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ilman kohdetta. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsensä esineitä. Tästä syystä niillä ei ole sisältöä, eikä merkitystä, eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolon syytä, päämäärää tai tarkoitusta. Tietysti töissäni saatetaan ajoittain muistuttaa lasimaalauksen kautta läpinäkyvyyden ja kirkkauttakin, mutta ne ovat yhä likimääräisesti abstrakteja. Lisäksi pleksilasi antaa maalaamiselle hohtavan ihon, josta näkee oman siluettinsa, jonka jokainen katsoja näkee erilaisena. Jokainen teos toimii kuin hillitty peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osienkään tarve vaativat vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien ja kokonaisuuden suhteessa – „yhteen kuvan yksityiskohta on aivan uusi kuva“ – nähdään katsojien tekevän omat sisäiset matkansa.

En väitä omaavani kaikkia vastauksia enkä halua olla liikaa ylimpiöity siitä, mitä voidaan saavuttaa. Ytimeen kuuluu yksinkertaisesti tyytyväisyys jatkuvaan epäilyyn ja kasvuun. Jokainen uusi luomus on vastakkainasettelu omien rajojeni kanssa, pakottaen minut hioimaan taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mihin pystyn. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, keino herättää merkityksellisiä keskusteluja, etsintä niin täydellistä maalia, ettei sitä tarvitse meitä.

Kohokohtaisesti: epämuodikkaan aikakauden on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: “Päivittäinen harjoitus lisää näkemisen intoa.”

Kokonaisuudessaan koherenssi käytännössä

Nykytaiteen maisemassa, jossa konsepti ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, joita ei määritä ylivertaisuus vaan läsnäolo. Maalaukseni – kiiltävät värin ja valon kentät pleksilasin sisällä – ovat pitkän ja harkitun tutkimuksen hiljaiset tulokset. Minulle todellinen fokuksen kohde ei ole lopullinen kuva sinänsä, vaan sen heräämisen mahdollistava hiljainen vuorovaikutus ajatuksen ja prosessin välillä.

Tämä käytäntö pohjautuu kolmeen ylittämättömään aikomukseen:

Ensimmäinen on vetäytyminen oletetusta merkityksestä. Kun kuvaan teoksia “ilman esinettä” ja joilla on „ei sisältöä, ei merkitystä, ei tarkoitusta“, toivon keventävän narratiivisen odotuksen purkamista. Se on kutsu astua syrjään tulkitsemisesta ja kohti suorempaa katselun tyyppiä.

Tämä johtaa toiseen aikomukseen: elämänkokemuksen primaarisuus. Tuohon avoimeen tilaan yritän asettaa sen, mitä ajattelen olevan “olemisen kokemusta.” Teos muuttuu hiljaiseksi tapahtumaksi, joka koetaan – valo, läpikuultavat kerrokset ja katsojan oman katseen heijastus voivat muuttaa sitä. Kuten usein huomautan, teos “elää, se muuttuu, se näkee.”

Kolmas on, missä idea kohtaa käden: prosessi kehon ajattelun ilmentymänä. Pleksilasin takasivu maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö, jossa antaa periksi. Se on tietoinen vapautuminen kontrollista luomisen teossa. Asetan olosuhteet, mutta luovutan lopputuloksen, antaen maalauksen tulla itsensä objektiksi, joka paljastuu täysin vasta kun se on valmis. Tämä on hiljainen rinnakkaisuutta valokuvauksen kehitykselle – potilas odotus siitä, mitä tapahtuu tässä ja nyt.

Näitä aikomuksia ylläpitävät pienet lempeät paradoksit, jotka pitävät työn elossa:

Sattuma ja kurinalaisuus
Puhun “merkityksellisistä ‘sattumuksista’”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisesti asetettujen rajoja pitkin. Sattuma on toivotettu vieras, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viestintä ilman viestiä
Toivon voivani “kommunikoida jotain” teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettavaa ei ole väite, vaan tila – valo, hiljainen läsnäolo, havaittava stillaus.

Nostalgia Nykyhetkestä
Työntekijä kätkee pehmeän nostalgian, joka kuitenkin on yllättävän suunnattu nykyhetkeen: kaipaus “korvaamattomiksi tarvikkeiksi”, joita löytyy hiljaisuudesta ja valosta – puhtaan läsnäolon toive, jonka työ itsessään tarjoaa hiljaisesti.

Ponnistelu ja vaivattomuus
Prosessi vaatii tasaisen huomion, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi „tullut omalla ajallaan esiin.“ Vetäydyn kohti sitä, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen alkanut tuntea, että “epämuodikkaan aikakauden on vasta alkanut.” Käytäntöni nojaa Art Informel -henkeen, ehkä vähemmän tuskaa ja enemmän rauhaa – epämuodikkuutta, jossa sattuma ei ole katkio, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sydämessä on etsiminen le vif – elävän ydin. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta ennemmin kuin älyllistämistä. Yleisesti valittu melko pieni mittakaava on tarkoitettu edistämään intiimiyttä, ei spektakkeleita.

Loppujen lopuksi tämä on yksittäisen taiteilijan polku. Biografiani, prosessi ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä pyrkimystä. Olen todennut, että käytäntö, joka perustuu hiljaiseen paradoksiin, ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua vastustuskyvyksi.

Anton Kaestner