Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työmaalta.
#188 - S - "Backwash 1".
Spray-maali akryyliä plexiglaslevylle 3 mm paksuudelta.
Tämä taulu ei ole printti. Kyse on alkuperäisestä "monikerroksisesta" teoksesta, jonka kiiltävä, resinimaista kiiltoa muistuttava lopputulos on ainutlaatuinen.

Koko: 9,1" × 12,6" × 0,12" / 23 × 32 × 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehyksiä.
Saksan laatumerkki Nielsenin alumiinikehys, viite 34 Natura White tai Matt-silver (Tuumat 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla lähetyksen yhteydessä lisämaksusta 70 € sis. alv.

Teos on signeerattu takana.
Mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Parisissa. Hänen teoksiaan on esillä kautta Europaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely – Lausannessa toukokuussa 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaassani luonnonkauniin ja kulttuurisesti rikkaan ympäristön keskellä. Luovuutta arvostettiin perheessä, ja kaukaiselta isoisältäni, käsityöläiseltä ja taiteilijalta, sain vaikutteita, jotka istuttivat siemenen siihen, mikä myöhemmin tulisi elämäni todelliseksi intohimoksi.
Vuonna 1993 aloin maalata yksityisesti kokeillen lukuisia akryyleja A4- ja sitten A3-muistikirjoissa – olen aina kokenut, että isot kuvat tulevat suoraan päälle päin hallitsevina ja pelottavina, kun taas pienet teokset voivat inspiroida paljon suuremmin rakkautta. Ensimmäisen kerran minua vetosi ei-figuratiivinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä ja vaikka pidän itseäni ateistisena, kehityin myös henkisiin materiaaleihin, sillä ne resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimukseni kanssa.

Kuitenkin todelliseen taiteilijaksi tulemiseen ei ollut suoraa tietä.

Yli kolmen vuosikymmenen ajan suoritin kansainvälistä liiketoimintaa ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiassa ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni ja altisti minut monenlaisille kulttuurivaikutteille. Minne tahansa menin, uppouduin paikallisiin taidekenttiin ja suhtausin kunkin paikan luovaan energiaan.
Liiketoimintani keskittyi, mutta taide on aina ollut osa minua, hiljaisesti hautautuneena pinnan alta. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen salainen meditaatio – keino paeta maailmasta ja keskittyä sisäiseen minäänsä.

Olen aina kokenut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma uudesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, jäätyäni eläkkeelle liiketoiminnasta, sitouduin täysin maalaamiseen. Perustin työtilani Pariisissa ja aloin omistautua täysin taiteelleni. Vuoden 2024 loppuun mennessä julkinen taiteellinen urani käynnistyi ja, yllätyksekseni, työni sai nopeasti tunnustusta ja löysi paikkansa yksityiskokoelmissa ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutimme suurempaan työtilaan, joka sijaitsee tyhjässä lisäseurakuntasalissa Lisieuxissä, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen soolonäyttelyni, "Échos", pidetty Pariisissa lopulla 2024, esitteli taiteen omalaatuisen lähestymistavan, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkumaaleilla kierrätetyn ekstruudoidun plexiglasin (Perpex) takapinnalle – kevyelle, sileälle, kiiltävälle ja joskus hauraalle pinnalle. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – ja tämän otan mielelläni vastaan. Sallin ”satunnaisia kokeiluja” – mikään ei ole kielletty, jotta syötän järkeä oikosulkuun! – ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peiliefektejä, joita luon, ja jätän tilaa ilmiölle ja löytämiselle, kun teos lopulta näytteille asetetaan. Mutta olkaa hyvä: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; enintään sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset ”yhteensattumat” ovat mahdollisia vain suurtahdon avulla. Tämä valaiseva lähestymistapa, joka resonoi valokuvauksen paljastus-/määritysprosessin kanssa, on haastava ja vapauttava. Teoksen koostumuksen arvot rikastuvat kerrost deläminen ja läpinäkyydet, mutta ne antavat jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen iloinen, kun tunnistan suuria “faktisia tarpeita”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pyrin pitämään lähestymistapani tietoisesti yksinkertaisena. Ei sekä ”tunne” että ”teoreettinen käsitys”, vaan olemassaolon kokemus. Ei kiihtynyttä kulutusta eikä älyllistämistä / älyllistä omistamista, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden, sen nähtävissä ja näkymättömässä tarinassa, tutkimista – taiteeni on etsintä ”elämästä elämän ytimessä”, niinkuin Alain Damasio kutsuu sitä “le vif”. Vaikka nostalgia on aina kuulunut teoksiini, maalaamani eivät ole esineitä. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsessään esineitä. Niinpä niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, miehet tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolon syytä tai päämäärää. Vaikka teokseni saattavat joskus herättää lasimaalauksen läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat käytännöllisesti katsoen täysin abstrakteja. Plexiglas antaa maalaukselle kimaltavan ihon, josta katsoja näkee oman siluettinsa – jokaisella katsojalla erilaisen. Jokainen teos toimii kuin huomaamaton peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osien leikit vaativat aitoa empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien ja kokonaissuhteen välinen tasapaino rohkaisee katsojia aloittamaan omat sisäiset matkansa.

En väitä, että minulla olisi vastaukset kaikkiin kysymyksiin, enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyytyväisyyttä jatkuvassa kyseenalaistamisen ja kasvun prosessissa. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minut hiomaan taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mitä pystyn saavuttamaan. Maalaaminen on minulle päivittäinen kädentaito, tutkimus, tapa synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, etsintä yhtä täydellistä maalia, joka ei kaipaa meitä. Vuorovaikutus epämuodollisen aikakauden kanssa on vasta alussa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen käytäntö lisää näkemisen intoa".

Oman käytännön johdonmukaisuus

nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeässä asemassa, pyrin luomaan teoksia, joita ei määrittele näkyvyys vaan läsnäolo. Maalaukseni – timantinomaiset värien ja valon kentät plexiglasin sisällä – ovat hiljainen tulos pitkään ja tarkoitukselliseen tutkimukseen. Minulle todellinen fokus ei ole lopullinen kuva, vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka kautta se syntyy.

Tämä lähestymistapa perustuu kolmeen linjattuun tavoitteeseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kun kuvia kuvaillaan "ei-objektina" ja niillä on "ei sisältöä, ei merkitystä, ei tunnetta", toivon keventäväni kertomuksen odotuksen purkamista. Se on kutsu astua syrjään tulkinnasta kohti suoremmin katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen tavoitteeseen: elämän kokemuksen primaarisuus. Siinähän avautuvassa tilassa yritän asettaa sen, mitä pidän olemassaolon kokemukseksi. Teos ei tällöin ole tulkittavissa oleva esine vaan hiljainen tapahtuma, jota tuntee – muuttaa valaisevan valon, läpikuultavien kerrosten ja katsojan oman katseen vastavuoron kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on siellä, missä idea kohtaa käden: Prosessi Sisäistettynä Ajatteluna. Plexiglasin takareunalle maalaaminen, visuaalisen palautteen puutteessa, on fyysinen käytäntö luopua kontrollista tekemisen aktissa. Olen tietoinen luopumisesta, asetaen edellytykset, mutta luovun lopputuloksesta ja annan maalauksen saada muodostua itsensä objektiksi, joka paljastuu täydellisesti vasta lopullisesti valmis. Se on hiljainen rinnakkaisvaihe valokuvauksen kehityksen kanssa – kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu tässä ja nyt.

Näiden tavoitteiden tukena on muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Saan puhua merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen sisällä. Sattuma on tervetullut vieras, mutta rakenne rakennetaan huolella.

Viestintä ilman sanomaa
Toivon välittäväni jotain töillä, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausunto, vaan tila – valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, ilmeinen rauha.

Nostalgia nykyhetkelle
Teoksessa on hellä nostalgiaa, mutta se on kummallisen tarkoituksellinen nykyhetkelle: kaipuu niihin ”korvaamattomiin välttämättömyyksiin”, joita löytyy hiljaisuudesta ja valosta – puhdasta läsnäoloa, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistelu ja ponnistuksesta vapauttaminen
Prosessi vaatii tasapainottavaa huomiota, mutta tähtää tulokseen, joka tuntuu autonomiselta, ikään kuin se olisi “syntynyt omillaan.” Minua kiehtoo vaikuttavan väistämättömyyden tunne.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että ”epäsuoran aikakausi on vasta alussa.” Käytäntöni on velkaa Art Informel -henkelle, joskin kenties vähemmällä ahdingolla ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuus, jossa sattuma ei ole katkos, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sydämessä on etsiminen elämän ytimestä – le vif. Teos kallistuu suoraan kokemuksen puoleen älyllistämisen sijaan. Hieman usein valitsemani vaatimaton mittakaava rohkaisee intiimiä yhteyttä, ei sirkusta.
Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkertani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä ja samaa tavoitteellisuutta. Olen havainnut, että hiljaisten paradoksien perustuva käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskon, muuttua vastustuskyvyksi.

Anton Kaestner