Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Yksittäisvalmiste, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#88 - XL - "Squander".
Akvarelliliuotin suihkulla 3 mm Perpex-levylle.
Tämä taulu ei ole prints replica. Tämä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, lasinomainen pinta, lähellä lasin kaltaista polymeeripinnoitetta, on ainutlaatuinen.

Koot: 24,2 tuumaa x 34,3 tuumaa x 0,12 tuumaa ilman kehystä / 61,5 cm x 87 cm x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehystä.
Laadukas kehys saksalaisen Nielsen-merkin alumiinista, viite 34 Natura 514 Chêne (tuuma- mittasuhteissa 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla lähetyksen yhteydessä lisämaksulla 150 € sis. alv.

Teos on signeerattu takana.
Säilytetään Authenticity Certificate liitteenä.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka toimii Ranskassa Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä ympäri Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely – Lausanno, toukokuu 2026.

Biography

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin luonnon kauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä kotimaassani. Luovuus arvostettiin perheessäni, ja kuollut isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti siihen, että elämäni intohimoa alkoi siemenistä.
Vuonna 1993 aloin maalaamaan yksityisesti, kokeillen lukuisia akryylejä A4- ja sitten A3- vihkojen sivuilla – olen aina kokenut, että isot kuvat iskevät suoraan päähän, dominoivasti ja uhkaavasti, kun pienet teokset voivat herättää paljon enemmän rakkautta. Ennen kaikkea minua veti ei-figuralistinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, ja vaikka katselen itseäni ateistiksi, kehittyi minulle myös mielenkiinto henkisiin materiaaleihin, jotka resonoivat ihmisen olemassaolon tutkimukseni ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin taiteilijaksi kasvamisen polku ei ollut välitöntä.
Kolmekymmentä vuotta kestäneellä urallani loin kansainvälisen liiketoiminnan, joka vei minut ympäri maailman, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasian ja Ranskan kautta. Matkani avarsi näkökulmaani ja toi minut eri kulttuurivaikutusten piiriin. Minne tahansa meninkin, uppouduin paikalliseen taide-elämään ja annoin tilaa jokaisen paikan luovalle energialle.
Liiketoimintalähtöisestä elämäntavasta huolimatta taide on ollut aina osa minua, hiljalleen käynnissä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen muodosti minulle salaisen meditaation muodon — keino paeta maailmaa ja keskittyä sisimpääni.
Olen aina kokenut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea todellisia elämyksiä. Taiteeni kautta olen toivonut tarjovani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, urani lopetettuaani liiketoiminnan parissa, sitouduin kokonaan maalaamiseen. Perustin ateljeeni Pariisissa ja aloin omistaa täysin taiteelleni.
Vuoden 2024 lopussa julkinen taiteellinen urani alkoi, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta: ne löysivät paikkansa yksityiskokoelmissa ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutin isompaan ateljee tilaan tyhjään sakristiaan Lisieuxissä, Normandiassa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen soolonäyttely, "Échos", pidetty Pariisissa lopussa 2024, esitteli ainutlaatuisen lähestymistavan taiteeseen, erkaantuneena perinteisistä maalausmenetelmistä: maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkeilla kierrätetyn eksoidun pleksin (Perpex) takapinnalle, kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana — mikä onkin jokin onniteltavaa. Sallin "satunnaiset kokeilut" - kaikki käy lyhentämään järjen toimintaa! - ohjata lopputulosta, kerroksia ja peilejä aiheuttaen oivalluksia ja löytöjä, kun teos lopulta on esillä. Mutta olkaa tarkkaavaisia: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; korkeintaan se esittää kysymyksiä; merkitykselliset "kohtaamislukemat" ovat mahdollisia vain suurten kurinalaisuuksien kautta. Tämä lähestymistapa, joka muistuttaa valokuvauksen paljastus-/taltiointiprosessia, on haastavaa ja vapauttavaa. Teoksen koostumuksen arvot rikastuvat kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta samalla jokaiselle teokselle annetaan "askeettinen" laatu: olen iloinen, kun tunnistan "korvaamattomat tarpeet", eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tietoisesti yksinkertaisena. Ei "tunteita" eikä "teoreettista käsitystä", vaan olotila olemisesta. Ei "nopeatena kulutuksena" eikä "älyllistämisellä / älyllisellä hallinnolla", vaan tietoisuuden laajentaminen ja todellisuuden tutkiminen, sen nähtävien ja näkymättömien tarinoiden kautta; taiteeni on matka kohti "elämää elämän ytimessä", kuten Alain Damasio kutsuu sitä "le vif". Vaikka nostalgia on aina kuulunut työhöni, maalaukseni ovat ilman esinettä. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsensä esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolon syytä, päämäärää tai tarkoitusta. Vaikka teokseni saattavat toisinaan heijastaa lasimaalauksen läpinäkyvyyttä ja loistoa, ne ovat käytännössä täysin abstrakteja. Pleksilasi antaa maalaukselle hohtoisan ihon, josta voi nähdä oman siluettinsa, joka on jokaiselle uudelle katselijalle erilainen. Jokainen teos toimii kuin hiottu peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien ja koko kokonaisuuden välillä tapahtuva vuorovaikutus, jossa kuvien yksityiskohta on täysin uusi kuva, rohkaisee katsojia suuntaamaan omiin sisäisiin tutkimusmatkoihinsa.

En väitä omistavani vastauksia ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä on mahdollista saavuttaa. Yksinkertaisesti löydän tyydytystä jatkuvasta kyseenalaistamisen ja kasvun prosessista. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minut kehittämään taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mihin pystyn. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimusretki, tapa herättää merkityksellisiä keskusteluja, taiteenetsintä niin täydellistä maalia, ettei sitä tarvitse meitä. Epämuodollisen aikakausi on vasta alussa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen käytäntö lisää näkemisen intoa.

Tietoon ja johdonmukaisuuteen keskittyminen

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeässä asemassa, pyrin luomaan töitä, joita määrittää ei mikään suuremmin esilläolo vaan läsnäolon kautta. Tauluni—hehkuvia värin ja valon kenttiä pleksin sisällä—ovat pitkän ja harkitsevan tutkimuksen hiljaisia tuloksia. Minulle todellinen painopiste ei ole lopullinen kuva, vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, joka antaa sen nousta.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen samansuuntaiseen tavoitteeseen.

Ensimmäinen on Vetäytyminen määräämästä merkityksestä. Käsittelemällä teoksia "ei-objektina" ja toteamalla, ettei niissä ole "sisältöä, merkitystä eikä tunnetta", toivon hellästi löysääväni tarinallisen odotuksen. Se on kutsu astua etäältä koodeeraamisesta ja katsoa suoremmin.

Tämä johtaa toiseen tavoitteeseen: Elämäntodellisuuden Primaarisuus. Avoimeen tilaan pyrkien yritän lisätä tilaan sellaista kokemusta olemisesta, jota kutsun kokemukseksi olla. Teos muokkautuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, jota tuntee — muotoutuen siirtyvän valon, läpinäkyvien kerrosten ja katsojan oman katseen heijastuksen kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, se muuttaa, se näkee.”

Kolmas kohta on, missä idea kohtaa käden: Prosessi kehollisena ajatteluna. Pleksin takasivun maalaaminen ilman visuaalista palautetta on fyysinen käytäntö, jossa luoputaan kontrollista. Valitsin olosuhteet, mutta luovuin lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla itsensä objektina, täysin paljastuen vain kun se on valmis. Se on hiljainen rinnastus valokuvauksellisen kehityksen kanssa—kärsivällinen odotus siitä, mitä **tähän ja nyt** saapuu.

Näiden tavoitteiden rinnalla on muutama lempeä paradoksi, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja Kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä ”kohtaamisten” tapahtumista, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen sisällä. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne on rakennettu huolellisesti.

Viestintä ilman Viestiä
Toivon voivani "välittää jotain" teosten kautta, joita kutsun merkityksetömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausunto, vaan tila – valon tekstuuri, rauhallinen läsnäolo, ilmeisen hiljaisuus.

Läsnäolon Nostalgiasta
Työssä on pehmeä nostalgia, mutta se on kummallisesti suunnattu nykyisyyttä kohti: kaipuu epäletettävistä tarpeista, joita löytyy "hiljaisuudesta ja valosta" — puhdas läsnäolon toivo, jonka työ itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistelu ja Helppous
Prosessi vaatii tasaisen huomiota, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi "syntynyt oma-aloitteisesti". Ajan henkiin minua vetää se, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että "epämuodollisen aikakausi on vasta alussa". Käytäntöni on velkaa Art Informel −henkelle, ehkä vähemmällä ahdistuksella ja enemmän rauhallisuudella — epämuodollisuudessa sattuma ei ole katko, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Tämän liikkeen ytimessä on etsintä le vif —elävän ydin. Tutkimusnopeus on suorempi kuin älyllinen käsittely. Usein valitsen kohtuullisen pienet mittasuhteet, jotta intiimiyys kannustettaisiin, ei spektakkeleja.
Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä pakoa. Olen havainnut, että hiljaisen paradoksin pohjalta käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat olla, uskon, vastustuskyvyn lähde.

Anton Kaestner