Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#332 - S - " Enough 1 ".

Suihkumaalaus akryylillä 3 mm pleksilaatalle.
Tämä maalaus ei ole printti. Kyse on alkuperäisestä "monikerroksisesta" teoksesta, jonka kiiltotote "glossy" ja erikoissuorituksen vaikutus muistuttaa resin synthesis, ja on ainutlaatuinen.

Koot: 8,7 tuumaa x 12,6 tuumaa x 0,12 tuumaa / 22 x 32 x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Saksan laadukas Nielsen-merkkinen vaijerikehys alumiinista, viite 34 (tuuma 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksusta 70 € ALV:llä.

Teos on signeerattu takaa.
Mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taidemaalari,veistäjä ja kirjailija, joka asuu Ranskassa, Pariisissa. Hänen teoksiaan näkee kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoimaa osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely – Lausanne toukokuu 2026.

Biografia

Syntynyt genevessä, Sveitsissä. Kasvoin kotiseutuni luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä. Luovuudella oli arvostusta perheessäni, ja oli aaltani suuret isoisä, käsityöläinen ja taiteilija, jonka vaikutus kylvi siemenet siihen, mitä lopulta tulisi elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloin maalata yksityisesti, kokeillen lukuisia akryyleja A4- ja myöhemmin A3- muistikirjoissa – olen aina tuntenut, että isot kuvat tulevat suoraan päin, dominoivasti ja uhmakkaasti, kun taas pienemmät teokset voivat herättää paljon enemmän rakkautta. Alun perin vetosi ei-figuraalinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, vaikka pidän itseäni ateistina, kehitin myös kiinnostuksen henkisiin materiaaleihin, jotka resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimusprosessien kanssa.

Kuitenkin tieni todelliseksi taiteen tekijäksi ei ollut välitön.

Yli kolmekymmentä vuotta loin kansainvälistä liiketoimintaa, kiertäen ympäri maailmaa Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni ja toi eteesi erilaisia kulttuurivaikutteita. Minne tahansa menin, uppouduin paikallisiin taide-elämyksiin ja annoin luovan energian jokaisessa paikassa.
Huolimatta liiketoimintaan keskittyvästä urastani taide on aina ollut osa minua, hiljaisesti porisevana pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen salaista meditaatiota – keino paeta maailmasta ja keskittyä sisimpääni.

Olen aina kokenut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aidoilla kokemuksilla. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma toisenlaisesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, kun lopetin liiketoiminnan, sitoudu täysillä maalaamiseen. Perustin ateljeeni Pariisissa ja omistin itseni kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopulla julistin julkisen taiteellisen urani, ja yllätyksekseni teokseni sai nopeasti tunnustusta ja löysi paikoistansa yksityiskokoelmiin kautta Euroopan, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Vuoden 2025 lopussa muutimme isompaan ateljeeseen vapaana olevaan kappeliin Lisieuxissä, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen soolonäyttelyni, "Échos", pidettiin Pariisissa loppuvuodesta 2024. Näyttely esitteli teosteni ainutlaatuista lähestymistapaa, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: maalailen akryylillä, metallipigmenteillä ja suihkutuksilla kierrätetyn extrudoidun pleksin (Perpex) taakse – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – ja hyväksyn sen. Salliessani ”satunnaiset kokeilut” – kaikki käy – ohjaan lopputulosta, kerroksia ja peilejä, joita luon, ja jätän tilaa ilmaisulle ja löytämiselle, kun teos lopulta esitellään. Mutta olkoon selvää: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; pahimmillaan sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset “yhteensattumat” ovat vain suurimman kurinalaisuuden kautta mahdollisia. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen paljastus-/fiksaatio-prosessia, on sekä haastava että vapauttava. Teoksen koostumuksen arvot syvenevät kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta annankin jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen onnellinen, kun tunnistan “kohtuutonta välttämätöntä”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksellisesti yksinkertaisena. Ei tunteita eikä teoreettista käsitteilyä, vaan olemisen kokemus. Ei nopeaa kulutusta eikä älyllisyyden omistamista, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden tutkimista, sen näkyviä ja näkymättömiä tarinoita, taiteeni on matka kohti “elämää elämän ytimessä”, chemin jota Alain Damasio kutsuu “le vifiksi”. Vaikka nostalgia on aina ollut osa teostani, maalaamani teokset ovat ilman esinettä. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsessään esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole syytä olla olemassa, eikä päämäärää. Vaikka työni saattaa ajoittain herättää lasimaalausten läpinäkyvyyden ja säteilevyyden vaikutelman, se on käytännössä lähes täysin abstrakti. Lisäksi pleksilasi antaa taiteelle hohtelevan ihon, josta voi nähdä oman hahmon, joka on jokaiselle uudelle katsojalle erilainen. Jokainen teos toimii hienovaraisena peilikuvana: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja rakenteen sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohdista katsomiseen sekä kokonaisuuden etäisyyden suhteesta syntyvä peli rohkaisee katsojia aloittamaan omat itsetutkiskevat matkansa.

En väitä, että minulla on kaikki vastaukset, ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti olen tyytyväinen jatkuvaan kysymiseen ja kasvuun. Jokainen uusi luomus on minulle kohtaaminen omien rajojeni kanssa ja kehottaa minua hioimaan taitojani sekä tutkimaan pidemmälle, mitä pystyn saavuttamaan. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa sytyttää merkityksellisiä keskusteluja, matka kohti maalausta, joka on niin täydellinen, ettei sille tarvita meitä. Epämuotoilun aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: “Päivittäinen harjoitus lisää näkemisen intoa.”

Kohdesin yhtenäisyys omassa käytännössäni

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä merkittäviä, pyrin luomaan teoksia, jotka määrittyvät läsnäolollaan ennemminkin kuin suurennuksellaan. Maalaukseni – hohtavat väri- ja valopellot pleksilasin sisällä – ovat pitkän ja harkitun tutkimuksen hiljaisia tuloksia. Minulle todellinen fokusoituminen ei ole lopullinen kuva vaan ajatusmenon ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka kautta se ilmenee.

Tämä käytäntö pohjaa kolmeen yhteenliitettyyn tarkoitukseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen määrätyn merkityksen alta. Kun kuvat kuvataan “kohteettomina” ja niillä on “ei sisältöä, ei merkitystä, eikä tuntua”, toivon keventävän narratiivisen odotuksen kepeästi. Tämä on kutsu astua pois dekoodauksesta ja kohti suorempaa katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen tarkoitukseen: eläyksen ensisijaisuus. Siihen avon tilaan yritän tuoda sen, mitä ajattelen olevan “olemisen kokemuksen”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi objektiksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, joka koetaan – muuttuviin valon, läpinäkyviin kerroksiin ja katsojan oman katseen kohtaamisen heijastamana. Kuten usein mainitsen, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on siellä, missä idea kohtaa käden: Prosessi ruumiillistuneena ajatteluna. Maalaaminen pleksin takapinnalle, visuaalisen palautteen puuttuessa, on fyysinen käytäntö päästää irti. Se on tietoista kontrollin luovuttamista teon hetkellä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaiseksi kuin itse kutsun itsensä itsensä objektiksi, täysin paljastettuna vasta kun se on valmis. Tämä on hiljainen rinnakkaisprosessi valokuvauksen kehittämiselle – kärsivällinen odotus siitä, mitä “tänne ja nyt” saapuu.

Näillä tarkoituksilla on muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisin rajoituksin. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne on rakennettu huolellisesti.

Viestittämisen ilman viestiä
Toivon voivani “viestiä jotain” teosten kautta, joita kutsun merkityksetömiksi. Ehkä jakamisen ydin ei ole väite vaan tila – valoisuuden tekstuuri, hiljainen läsnäolo, aavistuksen kirkas vakaus.

Nykyhetken nostalgia
Teoksessa on pehmeä nostalgia, mutta se suuntautuu kummallisesti nyt: kaipaus “kohtaamattomien välttämättömien” löytymiseen hiljaisuudessa ja valossa – halu puhtaasta läsnäolosta, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistelu ja pako helpolla
Prosessi vaatii vakaata huomiota, mutta tavoittelee lopputulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi “johtunut omillaan.” Kirmme tuntuisi mahdolliselta väistämättömiltä.

Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.” Käytäntöni on velkaa Art Informel -henkelle, ehkä vähemmän tuskallista ja enemmän rauhallista – epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole katkos, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sen ytimessä on hakea le vif, elävä ydin. Teos kallistuu suorempaan kokemukseen pikemminkin kuin älyllistämiseen. Usein valitsemani kohtuullinen mittakaava on tarkoitettu intiimiin, ei spektaakkeliin.

Lopuksi tämä on yksittäisen taiteilijan tie. Biografiani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä säikeitä, vaan osa yhtä tavoitetta. Olen todennut, että käytäntö, joka perustuu hiljaiseen paradoksiin, ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta nämä jännitteet voivat, uskon, muodostaa kestävyyden lähteen.

Anton Kaestner