Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Uniikkialkuperäinen Anton Kaestnerin maalaus, suoraan työpajasta.
#378 - S - "Kaupungit".
Akrüla sprayspray Plexiglas-lautaan 3 mm.
Tämä maalaus ei ole printti. Se on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, lasinrungon kaltainen lopputulos ja resin-sovelluksen kaltainen kiilto on ainutlaatuinen.
Tulostuksen läpinäkyvyys.

Mittasuhteet: 9,1 tuumaa x 12,6 tuumaa x 0,12 tuumaa / 23 x 32 x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Korkealaatuinen kehys saksalaisen Nielsen-merkinnän alumiinista, viite 34 (tuumat 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla lähetyksen yhteydessä lisähintaan 70 € sis. alv.

Teos on signeerattu takapuolelle.
Mukana Authenticity Certificate.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjoittaja, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely – Lausannen kaupunki toukokuussa 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsi, kasvoin kotimaani luonnonkauneuden ja kulttuurin rikkauden ympäröimänä. Luovuus oli arvostettu perheessäni, ja myöhäisen isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan, vaikutus kylväisi siemenet sille, mikä lopulta kehittyisi elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloin maalaamaan yksityisesti, kokeilin lukuisia akryylejä A4- ja myöhemmin A3- muistiinpanoissa - olen aina kokenut, että isot kuvat tulevat suoraan päälle, dominoivasti ja pelottavasti, kun taas pienet teokset voivat inspiroida paljon enemmän rakkautta. Ensin minua vetosi ei-figuratiivinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, ja kun itse katselen itseäni ateistiksi, kehityin myös mieltymykseen henkisiin materiaaleihin, kun ne resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimukseni kanssa.

Kuitenkin taiteilijaksi kasvamisen polku ei ollut välitön.

Yli kolmekymmentä vuotta olen seurannut kansainvälistä liike-elämänuraa, joka vei minut ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemyksiäni ja altisti minut laajalle kulttuurivaikutteiden kirjo: minne tahansa menen, uppaudun paikallisiin taide-elämyksiin ja tartun kunkin paikan luovaan energiaan.
Liiketoimintani keskittyessä taide pysyi aina osana minua, hiljalleen porisevana pinnan alla. Lähestulkoon 30 vuotta maalaus oli minulle eräänlainen salainen meditaatio - tapa paeta maailmasta ja keskittyä omaan sisimpääni.

Olen aina ollut erittäin tyytyväinen maalaamiseen. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuutta, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma toisenlaisesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, liiketoiminnan urani jäätyä taakse, omistaisin täysin maalaamiselle. Perustin ateljeeni Pariisissa ja aloin omistautua kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopulla avasin julkisen taideurani ja ilmeisesti yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta, ja ne löytyivät yksityiskokoelmista kaikkialta Euroopasta, erityisesti Saksasta, Portugalista, Belgiasta, Italiasta ja Alankomaista.

Vuoden 2025 lopussa muutimme isompaan ateljee-tilaan vapaassa rippikappelissa Lisieux’issa, Normandiam.

Taiteellinen ansioluettelo

Ensimmäinen yksityisnäyttelyni, "Échos", pidetty Pariisissa loppuvuodesta 2024, esitteli taiteen omaleimaista lähestymistapaa, joka poikkeaa perinteisistä maalausmenetelmistä: Maalaan akryyleillä, metallisilla pigmenteillä ja suihkuttamalla uudelleen kierrätetyn ekstrudoidun plexigliftin (Perpex) takapinnalle, kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta kehkeytyessään. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana—jotain johdattaa. Sallin "satunnaiset kokeilut" - kaikki käy ohjatakseni lopputulosta, kerroksia ja peilipintoja, joita luon, ja jätän tilaa ilmestymiselle ja löytämiselle, kun teos lopulta esitetään. Mutta olkaa tarkkoja: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; enintään sattuma esittää kysymyksiä; merkittäviä "yhteensattumia" on vain suuren kurinalaisuuden avulla. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen paljastuksen / kiinnityksen prosessia, on haastavaa ja vapauttavaa. Kokoelman arvoa rikastuttavat kerrokset ja läpinäkyvyydet, mutta ne antavat jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen onnellinen, kun tunnistan "taulliset välttämättömyydet", eli mitä todennäköisesti löydämme hiljaisuudessa ja valossa.

Pyrin säilyttämään lähestymistapani tahdin ollessa tarkoituksenmukaisen yksinkertainen. Ei tunnetta eikä teoreettista käsitystä, vaan olemisen kokemus. Ei nopeaa kulutusta eikä älyllistämistä, vaan tietoisuuden laajentaminen ja todellisuuden tutkiminen, sen näkyvien ja näkymättömien tarinoiden tutkiminen; taiteeni on pyrkimys elämään elämän ytimessä, kuten Alain Damasio kutsuu "le vif". Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ilman esinettä. Kuten kaikki esineet, ne ovat esineitä itselleen. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei ole syytä olemassaoloon, päämäärää eikä tarkoitusta. Vaikka teokseni saattavat joskus herättää lasimaalausten läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat lähes kokonaan abstrakteja. Plexiglass antaa maalaukselle hohtavan ihon, jonka alta voi erottaa oman siluetin, joka on jokaiselle uudelle katsojalle erilainen. Jokainen teos toimii kuin huomaamaton peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti kyky nähdä yksityiskohdat lähelle - yksittäinen kuva on täysin uusi kuva - sekä etäisyys kokonaisuuteen kannustaa katsojia aloittamaan omat sisäiset tutkimusmatkansa.

En väitä olevani kaikien vastausten haltija ja pysyn nöyränä siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyydytystä jatkuvasta epäilyksen ja kasvun prosessista. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minua hiomaan taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mitä pystyn saavuttamaan. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa herättää merkityksellisiä keskusteluja, etsintä maalista, joka on niin täydellistä, että sille ei tarvita meitä. Tämä epämuodollisen aikakauden alku on vasta alussa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus monipuolistaa näkemisen intoa f...

Tämän harjoituksen sisäinen johdonmukaisuus

nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, jotka määritellään ei niinkään näkyvyydestä vaan läsnäolosta. Maalaukseni—tuikkivat väri- ja valon kentät pleksilasissa—ovat pitkän ja harkitun tutkimuksen hiljaiset lopputulokset. Minulle todellinen keskipiste ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka kautta kuva nousee esiin.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen tasoon, jotka kulkevat linjassa toistensa kanssa.

Ensimmäinen on Vetäytyminen määrätyn merkityksen alta. Kuvaamalla teokset "ilman esinettä" ja olemalla "ei sisältöä, ei merkitystä, ei tunnetta", toivon keventäväni narratiivin odotusta. Se on kutsu astua pois dekoodauksesta ja kohti suoraviivaisempaa katsetta.

Tämä johtaa toiseen tarkoitukseen: Elämää kokeneen kokemuksen primaarisuus. Siihen avointuun tilaan yritän lisätä sen, mitä pidän "olemisen kokemuksena". Teos muuttuu ei tulkittavaksi esineeksi vaan hiljaiseksi tapahtumaksi koetuksi—muotoiltu vaihtuvan valon, läpikuultavien kerrosten ja katsojan oman katseen heijastuksen kautta. Usein todettuna: teos "elää, se muuttuu, se näkee".

Kolmas on, missä idea kohtaa käden: Prosessi kehon ajatteluna. Plexiglastin takapuolelle maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen hillintämenettely. Se on tietoinen irti antaminen kontrollista tekemisen hetkellä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, jolloin maalaus muodostuu itsensä erilliseksi "esineeksi", täysin paljastunut vasta kun työ on valmis. Se on hiljainen rinnastus valokuvauksen kehitykseen—lempeä odotus sille, mitä saa tässä ja nyt.

Näiden tavoitteiden yllä pitävät yllä muutama lempeä paradoksi, jotka tukevat työtä:

Satunnaisuus ja Kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen sisällä. Satunnaisuus on toivotettu vieraanani, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viesti ilman sanomaa
Toivon voivani "kommunikoida jotain" teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila—valo-tekstuu, hiljainen läsnäolo, ilmeinen tyyni.

Nykyhetken nostalgia
Työssä vallitsee pehmeä nostalgia, mutta se on kummallisesti suunnattu nykyhetkelle: kaipuuta "häviämättömiin välttämättömyyksiin", jotka löytyvät hiljaisuudesta ja valosta—puren läsnäolon, jonka työ itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Pyrkimys ja vaivattomuus
Prosessi vaatii vakaata huomiota, mutta tavoitteena on tulos, joka tuntuu itsenäiseltä, kuin se olisi "ilmennyt omilla ansioillaan". Kerron mielelläni siitä, mikä tuntuu täysin väistämättömältä. Tässä hengessä olen tullut siihen ajatukseen, että "epämuodollisen aikakauden alku on vasta alussa". Taiteeni on velkaa Art Informel -henkelle, ehkä vähemmän ahdistuksen ja enemmän rauhan kautta—epämuodollisuuteen, jossa sattuma ei ole katkos, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sen ytimessä on etsiä "le vif"—elävän ytimen. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta kuin älyllistämistä. Yleensä valitsemani maltillinen mittakaava on tarkoitettu intiimiyden rohkaisemiseksi, ei spektakelille.

Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerta, prosessi ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä tavoitteellista tutkimusta. Olen havainnut, että hiljaiseen paradoksiin perustuva käytäntö ei välttämättä ole hauras. Kurinalaisuudella ja selkeydellä tällaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua resilienssin lähteeksi.

Anton Kaestner