Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Ainutlaatuinen teos, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#345 - S - " Vertical 3".

Spraymaalaukset akryylipohjaisena plexiglaslevylle 3 mm paksuudelta.
Tämä taulu ei ole printti. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, kerroksellinen lopputulos on lähellä resinissä käytettyä kiiltoa, ja se on ainutlaatuinen.
Tulostuksesta läpinäkyvyys.

Koot: 9,1 tuumaa x 12,6 tuumaa x 0,12 tuumaa / 23 x 32 x 0,3 cm kehyksineen.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehystä.
Laadukas kehys saksalaisen Nielsenin valmistajana alumiinista, viite 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan, ja se on saatavilla toimituksen yhteydessä lisähintaan 70 € ALV sis.

Teos on signeerattu takapuolelle.
Mukana aitoustodistus.
Toimitusta kattava vakuutus.

Anton Kaestner on Sveitsin Baselista Zürichiin asuva taiteilija, maalari, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja vaihtoehtoja osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely - Lausanne toukokuussa 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kodissani luonnonkauneuden ja kulttuurisesti rikkaan kotimaani ympäröimänä. Luovuus oli perheessä arvostettua, ja juuri myöhäisen isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan, vaikutus kylvi siemenet siihen, mitä lopulta tulisi elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloin maalaamaan yksityisesti, kokeillen lukemattomia akryyleja A4- ja sitten A3- Muistiinpanoihin - Olen aina kokenut suurten taulujen vastoinkäymisittäin uhmaavan, hallitsevan ja pelottavan vaikutuksen, kun taas pienemmät teokset voivat herättää paljon enemmän rakkautta. Ennen käytin ensimmäistä kertaa ei-figurativista maalausta ja abstraktia ekspressionismia.
Ajan myötä, ja vaikka pidän itseäni ateistina, kehittelin myös henkisiin materiaaleihin viehätystä, sillä ne resosanoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimukseni kanssa.

Matkani kohti todellista taiteilijuutta ei ollut välitöntä.

Kolmen vuosikymmenen ajan toimin kansainvälisessä liiketoiminnassa, joka vei minut ympäri maailmaa: Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani avarsi näkökulmaani ja tutustutin minut laajaan kulttuurivaikutteiden kirjoon. Missä tahansa kuljenkin, upposin paikalliseen taidekenttään ja annoin tilaa kullekin paikkakunnalle ominaiselle luovalle energialle.
Huolimatta liiketoimintakeskittymästä taide oli aina osa minua, hiljaa kytenä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle salainen meditatiivinen tapa — keino paeta maailmaa ja keskittyä sisimpääni.

Olen aina kokenut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma uudesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, palattuani eläkkeelle liiketoiminnasta, omaksuin täysillä maalauksen. Perustin ateljeeni Pariisissa ja aloitin omistautumisen taiteelleni kokonaan. Vuoden 2024 lopulla loin julkisen taiteilijaurani, ja yllätyksekseni työni sai nopeasti tunnustusta, ja se löysi paikkansa yksityiskokoelmissa koko Euroopassa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutin isompaan ateljeeseen vanhan remontin kapriisiseen taloon Lisieuxissä, Normandiassa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksittäinen näyttelyni, "Échos", pidetty Pariisissa loppuvuodesta 2024, esitteli taiteen omintakeisen lähestymistavan, joka poikkesi perinteisistä maalausmenetelmistä: maalaan akryylillä, metallisilla pigmentteillä ja sprayeilla kierrätetyn extrudoidun plexiglassin (Perpex) taakse, kevyelle, sileälle, kiiltävälle ja joskus hauraalle pinnalle. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen valmistuessa. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana — jotain, jonka otan vastaan. Saan aikaan ”satunnaisia kokeiluja” — kaikki käy, jotta syyni voisi katkaista järjen! — ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peiliefektejä, jotka luon, ja annan tilaa ilon ja löytämisen ilmaisulle, kun teos lopulta näytteille asetetaan. Mutta olkoon rehellistä: minun kuvissani sattuma ei koskaan tee päätöksiä; suurimmaksi osaksi sattuma asettaa kysymyksiä; merkitykselliset ”yhteensattumat” ovat mahdollisia vain suurissa kurinalaisuuden määrin. Tämä valotus, joka resonoi valokuvauksen ilmaisun kanssa, on haastavaa ja vapaata. Lempi koostumuksesta rikastuvat kerrokset ja läpinäkyvyydet, mutta jokaiselle teokselle annetaan askeettinen laatu: minä olen tyytyväinen, kun tunnistan „korvaamattomat välttämättömyydet”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei ”tunteita” eikä ”teoreettista käsitettä”, vaan olemisen kokemus. Ei nopeaa nautintoa eikä älyllistämistä, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden sekä sen näkyvien että näkymättömien tarinoiden tutkimista, taiteeni on matkaan kohti elämää elämän ytimeen, sille, mitä Alain Damasio kutsuu ”le vif”. Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ilman esineitä. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsensä esineitä. Niinpä niillä ei ole sisältöä, eikä merkitystä, eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolon syytä, päämäärää eikä tarkoitusta. Sillä kerron, että teokseni saattaa toisinaan herättää lasimaalin läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat kuitenkin lähes kokonaan abstrakteja. Lisäksi plexiglass antaa maalauselle hohtavan ihon, josta voi nähdä oman siluetin, jokaiselle uudelle katsojalle erilaisen. Jokainen teos toimii kuin hienovarainen peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti pienin yksityiskohtien välillä—”lähikuvan yksityiskohta on täysin uusi kuva”—ja “etäisyys kokonaisuuteen” rohkaisee katsojia aloittamaan omat sisäiset tutkimuksensa.

En väitä omaavani vastaukset kaikkiin kysymyksiin ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä on saavutettavissa. Yksinkertaisesti löydän tyydytystä jatkuvasta kyseenalaistamisen ja kasvun prosessista. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen rajojeni kanssa, joka pakottaa minua hioomaan taitojani ja tutkimaan edelleen, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, taiteen matka kohti maalaamisen täydellistä astetta, jolla ei ole enää tarvetta meihin. Epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus moninkertaistaa näkemisen intoa".

Taiteellisen käytännön johdonmukaisuudesta

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, joita määrittelee läsnäolo eikä korostuneisuus. Maalaukseni — kaleidoskooppiset väri- ja valopellot plexiglasin sisällä — ovat hämärät tulokset pitkäaikaisesta ja harkitusta tutkimuksesta. Minulle todellinen fokus ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, joka antaa sen syntyä.

Tämä käytäntö lepää kolmessa linjassa:

1) Pakotetun merkityksen vetäytyminen. Kuvia kuvattaessa heidän sanotaan olevan “ilman esinettä” ja “ei sisältöä, ei merkitystä, eikä tarkoitusta”, toivon keventävän narratiivin odotusta. Se on kutsu astua syrjään dekoodauksesta ja kohti suorempaa katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen tarkoitukseen: Elämänkokemuksen ensisijaisuus. Tuohon avoimeen tilaan yritän sijoittaa sen, mitä pidän ”olemisen kokemuksena”. Teos muuttuu ei tulkittavaksi objektiksi vaan hiljaiseksi tapahtumaksi, jonka tuntee—muuttuvan valon, läpinäkyvien kerrosten ja katsojan oman katseen kohtaamisen kautta. Kuten usein mainitsen, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on missä idea kohtaa käden: Prosessi sisäistettynä ajatuksena. Plexiglassin vastareunaan maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen harjoitus päästää irti. Se on tietoista kontrollin luovuttamista luomisen teossa. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaiseksi, mitä kutsun itsensä itsenäiseksi “kohteeksi”, täysin paljastuen vasta kun se on valmis. Se on hiljainen rinnakkaisprosessi valokuvauksen kehitykselle—odottamassa kärsivällisesti sitä, mikä saapuu “tähän ja nyt.”

Näiden tarkoitusten rinnalla on muutama lempeä paradoksi, joka ylläpitää työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain tarkasti rajatuissa puitteissa. Sattuma on tervetullut vieras, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viestintä ilman sanomaa
Toivon välittäväni jotain töillä, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila—valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, tuntuvasti hiljaisuus.

Nostalgiaa nykyhetkeen
Työssä vallitsee pehmeä nostalgia, mutta se tähtää yhä nykyhetkeen: kaipuuta “korvaamattomiin tarpeisiin”, joita löytyy “hiljaisuudesta ja valosta”—täydellisen läsnäolon toive, jonka työ itsessään hiljaa tarjoaa.

Ponnistus ja vaivattomuus
Prosessi vaatii tasaista huomiota, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se “olisi tullut omaehtoisesti.” Minua viehättää tunne, joka on täysin väistämättömyyden tunne.
Tässä hengessä olen alkanut kokea, että “epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.” Käytäntöni on velkaa Art Informel -hengen vaikutteelle, ehkä vähemmällä tuskalla ja enemmän tyyneydellä—epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole katkos, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Ytimessä on pyrkimys kohti le vif—elävää ydintä. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta sen älykkyyden sijasta. Pienempi mittakaava, jonka usein valitsen, on tarkoitettu lujittamaan intiimiä ilmapiiriä, ei spektaakkelia.
Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä etsintää. Olen todennut, että hiljainen paradoksiin perustuva käytäntö ei välttämättä ole hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden avulla tällaiset jännitteet voivat, uskon, muodostaa vastustuskykyisyyden lähteen.

Anton Kaestner