Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Unikt verk, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#355 - S - "Hommage å Richter i Paris".

Spray-akryl på 3 mm plexiglassplate.
Gjennomsiktighet på trykk.
Dette bildet er ikke en utskrift. Det er et originalt verk «multi-lag» hvor den blanke, glossy effekten som minner om påføring av harpiks, er unik.
Hvitt er virkelig hvitere enn på bildet.

Dimensjoner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette bildet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura Hvit eller Sølv matt (0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved sending mot en tilleggskostnad på 70€ inkl. mva.

Verket er signert bakpå.
Et ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnhet og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker - jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett i ansiktet, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figuratisk maling og abstrakt uttrykk.
Over tid, og til tross for at jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Men veien til virkelig å bli kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt perspektiv, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn dro, fordypet jeg meg i det lokale kunstmiljøet og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg—en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredshet i å male. Hvert nytt verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og oppleve autentiske erfaringer. Gjennom min kunst har jeg alltid ønsket å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, ble jeg fulltidsdedikert til maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunstneriske virksomhet. Mot slutten av 2024 startet jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse og fant hjem i private samlinger over hele Europa, særlig i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sacristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", som fant sted i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert extrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg velger å velkomme. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt går, for kortslutning av fornuft! - å lede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig vises. Men la oss være klare: i bildene mine tar tilfeldighetene aldri beslutningene; i det minste stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “samsyn” er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjenlyder med avsløringen / fikseringen av fotografi er utfordrende og frigjørende. Verken komposisjonsverdiene eller målet blir påvirket av følelsene; de blir beriket av lag og gjennomsiktighet, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er glad når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, altså det vi vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder min tilnærming bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrunnelse”, men erfaring av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livets innerste kjerne”, etter hva Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, eller mening, eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som heller ikke har noen grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle klarheten og lysstyrken i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glinsende hud der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever kun empati. Forhåpentlig vil lek mellom “detaljer for nærhet” - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre seerne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male for meg er en daglig håndverksakt, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter et fargestoff så perfekt at det ikke trenger oss. Alderstiden til det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen øker lidenskapen for å se."

Om sammenheng i min praksis

I samtidskunstens landskap, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende, men av nærvær. Mine malerier—glitrende felt av farge og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn på den stille samhandlingen mellom tanke og prosess som lar det komme frem.

Denne praksisen hviler på tre tilstemmende intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekk fra påtvunget mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og som har “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkoding, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primæret av levd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt for tolkning og mer en stille hendelse å kjenne—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og det svake speilet av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte minner om, “verket lever, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som kroppslig tanke. Maling på baksiden av plexiglass, arbeide uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å gi slipp. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i den skapende handlingen. Jeg setter forhold, men avstår fra utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et selvstendig “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er komplett. Det er et stille parallell til fotografisk utvikling—tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘samsyn’,” men de er bare mulig innenfor nøye rammer. Tilfeldigheten er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verker jeg kaller meningsløse. Kanskje hva som deles ikke er en uttalelse, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en palpabel stillhet.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi ligger i verkene, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendighetene” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket stille tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til at “alderen til det uformelle” nettopp har begynt. Min praksis låner ånden til Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet der tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I hjertet ligger en søken etter “le vif”—det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring i stedet for intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre til intimitet, ikke påkallelse.
Til slutt er dette, ganske enkelt, en kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt jakt. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner