Anton Kaestner - #274 - XL - " Dark Corner ".

Unik autentisk maleri av Anton Kaestner, direkte fra verkstedet.
#274 - XL - " Dark Corner ".

Spraymaling på Perpex-skive 3 mm.
Dette maleriet er ikke en trykkplate. Det er et originalt koplevet verk "multi-lag" hvis blanke glossy-finish, som minner om påføring av et resin, er unik.

Dimensjoner: Tommer 34,3 * 24,2 * 0,12 / cm 87 * 61,5 * 0,3 uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura 514 Eik (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for en tilleggssum på 150€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Det følger med et Ekthetssertifikat.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, billedhugger og forfatter basert i Paris. Verkene hans utstilles over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnhet og kulturell rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse sådde frøet til det som senere skulle bli min livs lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3- notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble første gang tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal karriere i næringslivet som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv og satte meg i kontakt med et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypet jeg meg i lokalt kunstnermiljø og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på min forretningskarriere, var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom genuine opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, forpliktet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig prestekutt i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos," holdt i Paris mot slutten av 2024, presenterte en særegen tilnærming til kunst som avvek fra tradisjonelle malerteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg omfavner. Jeg tillater "tilfeldige eksperimenter" - alt går for å avbryte fornuften! - å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom til åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig stilles ut. Men la oss være klare: i bildene mine tar tilfeldighetene aldri beslutningene; i verstefall stiller de spørsmål; meningsfulle "samsvaringer" er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjentar med revelasjonen / fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene av komposisjonen berikes av lag og gjennomsiktighet og gir hvert verk en "asketisk" kvalitet: Jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner "uomsettelige nødvendigheter", dvs. det vi sannsynlig vil oppdage når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken "følelse" eller "teoretisk begrep" men opplevelsen av å være. Verken "raskt konsum" eller "intellektualisering / intellektuell besittelse", men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkelighet, av dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søken etter "livets kjerne i livets hjerte", for hva Alain Damasio kaller "le vif". Selv om nostalgia alltid har vært en del av verket mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, eller meningsinnhold, eller sans; de er som ting, trær, dyr, mennesker, eller dager, som heller ikke har noen grunn til å være, noe mål eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan vekke den gjennomsiktigheten og luminositeten til stained glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil lek mellom "detaljer for nærhet" - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og "avstand for helheten" oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredshet i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å raffinere mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å tenne meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen til det uformelle har såvidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Det daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.

Om konsistensen i min praksis

I landskapsfeltet i samtidskunsten, hvor konsept og form har like mye vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende posisjon, men av nærvær. Mine malerier—skinnende felt av farge og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre det endelige bildet enn det stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør at det kan oppstå.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Først er det et Tilbaketrekk fra Pålagt Betydning. Ved å beskrive verkene som "uten objekt" og som har "hverken innhold, meningsinnhold, eller sans", håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna dekoding og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet forsøker jeg å plassere det jeg tenker på som en "opplevelse av å være". Verket blir mindre et objekt som skal tolkest som en stille hendelse som skal føles—formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag og det svake speilbildet av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, "lever verket, det endrer seg, det ser."

Den tredje er hvor ide og hånd møtes: Prosess som konkret tenkning. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig "objekt av seg selv", fullt avslørt bare når det er fullført. Det er en stille paralell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på det som kommer "her og nå."

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om meningsfulle "samsvar", men de er bare mulige innenfor omhyggelige grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å "kommunisere noe" gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en uttalelse, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en merkbar stillhet.

Nostalgia for Nåtiden
En myk nostalgi blir liggende i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et lengsel etter de "uomsettelige nødvendigheter" funnet i «stillhet og lys»—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som føles autonomt, som om det "oppsto av egen vilje". Jeg tiltrekkes av det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at "tiden for det uformelle har så vidt begynt." Min praksis er takknemlig for ånden fra Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter "le vif"—det levende kjernen. Verket legger seg mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til slutt er dette rett og slett én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en og samme søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner